페르난도 보테로전 관람후기 1부 '변주 & 라틴아메리카'

예술의전당 페르난도 보테로전 관람후기 1부 입니다. 오늘은 4개 세션 중, 인트로와 변주, 라틴아메리카 섹션 소개합니다. 

작품들은 너무나 좋았지만 전시 환경은 작품 수준을 따라가지 못한 아쉬운 전시회

 

 

전시회 장소는 예술의전당 한가람디자인미술관에서 열리고 있습니다.

페르난도 보테로 전시 웨이팅은 길지는 않고요. 일반적인 전시회 대기수준 생각하시면 됩니다. 

 

티켓팅 부터 입장 까지 웨이팅 거의 없이 전시회장 입장합니다.

1. 전시 서문

페르난도 보테로, 형태의 미학 전시는 거대한 형태와 풍만한 색채, 묘한 평온함이 어우러진 보테로만의 세계입니다. 남미의 거장 보테로는 20세기 미술사에서 자신만의 언어를 만들어낸 위대한 작가입니다. 1932년에 태어나 2023년에 타계한 그는 단 한 번의 시선만으로도 기억에 남는 이미지를 남겨왔습니다.

이번 전시는 로마, 바르셀로나, 바쿠를 거쳐 이어지는 대규모 전시로, 유화와 드로잉, 조각 등 총 112점의 작품을 통해 그의 예술 세계를 한자리에서 만날 수 있습니다. 전시는 변주, 라틴 아메리카, 종교, 정물, 투우, 서커스까지 여섯 개의 주제로 구성되었습니다. 보테로에게 '볼륨'은 단순한 과장이 아니라 자신만의 예술적 언어였습니다. 

그는 볼륨을 통해 감각적인 아름다움을 탐구하며 형태에 내재된 감정과 본질을 드러내고자 했습니다. 대담한 색채와 풍부한 양감 속에서도 인물과 사물은 신비로운 정적과 깊은 평온을 지니며, 이러한 조형 언어는 대상의 본질과 의미를 더욱 또렷하게 드러냅니다. 보테로의 예술 세계를 천천히 즐겨보시기 바랍니다.

| 자화상

Self Portrait
1998
92.7 × 81.2 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

전시회 티켓팅, 도슨트, 예약, 굿즈 정보는 아래 포스팅 참고하세요

[후기] 페르난도 보테로 전시회 할인 (40%), 웨이팅, 굿즈, 도슨트 정보

2. 섹션 1 - 변주 (Version)

페르난도 보테로 : 형태의 미학 전시회 첫 번째 섹션 '변주'는 보테로가 미술사 거장들의 작품을 자신만의 방식으로 재해석한 과정을 보여줍니다. 그는 단순 모방을 넘어 오마주를 통해 독창적인 조형 언어를 창조하는 '변주'를 구축했습니다. 보테로에게 예술은 과거와의 끊임없는 대화이자 거장들의 탁월함에 대한 탐구였습니다.

이곳에서 만나는 명화들은 우리가 알던 모습과 사뭇 다릅니다. 벨라스케스, 반 에이크, 르네상스 성화 속 인물들은 보테로의 손길을 거쳐 더욱 둥글고 묵직한 형태로 재탄생했습니다. 화면을 채운 특유의 여유와 평온함은 원작의 긴장감을 새로운 감각으로 전환합니다. 이러한 시도는 완성된 명작을 고정된 정답이 아닌, 자신의 시선으로 재창조할 수 있는 가능성을 증명합니다. 보테로의 독특한 스타일로 새롭게 태어난 익숙한 명화들을 감상해 보시기 바랍니다.

| 피에로 델라 프란체스카를 따라 그린 우르비노 공작 부부(이면화)

The Duke and Duchess of Urbino After Piero della Francesca (Diptych)
1998
204 × 177 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

1998년에 제작된 '피에로 델라 프란체스카를 따라 그린 우르비노 공작 부부'는 우피치 미술관 소장품인 피에로 델라 프란체스카의 대표작 '우르비노 공작 부부의 이중 초상'을 보테로가 자신의 언어로 재해석한 작품입니다. 이 작품은 두 개의 캔버스로 이루어진 '딥티크' 형식의 이면화로 구성되어 있으며, 마주 보는 두 인물이 하나의 균형을 이루도록 제작되었습니다.

원작과는 반대로 왼쪽에 군주 페데리코 다 몬테펠트로가, 오른쪽에 아내 바티스타 스포르차가 등장하는데, 특히 페데리코는 전쟁 부상으로 인해 역사적 방식인 측면 모습으로 그려졌습니다. 보테로는 이러한 전통적 구도를 유지하면서도, 원작의 날렵한 인물들을 훨씬 크고 묵직한 형태로 바꾸어 화면을 가득 채웠습니다. 배경 역시 이탈리아가 아닌 자신의 고향 콜롬비아 풍경을 담아 고전 회화를 자신의 세계로 확장했습니다. 그 결과 르네상스의 엄격한 질서는 보테로 특유의 풍만한 조형 언어와 만나 유머러스한 분위기로 재탄생했습니다. 인물의 존재감은 훨씬 인간적이고 따뜻하게 변했으며, 이는 고전의 언어를 작가의 시선으로 다시 말하는 보테로만의 중요한 시도임을 보여줍니다.

 

우르비노 공작 부부 원화는 아래 이미지 참고하세요.

 

| 앵그르를 따라 그린 무아테시에 부인

Madame Moitessier After Ingres
2010
161 × 127 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

| 라파엘을 따라 그린 포르나리나

Fornarina after Raphael
2009
198 × 143 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

위 두 작품 원작은 바로 이겁니다.

느낌 참 묘하네요.

 

| 벨라스케스를 따라 그린 시녀들

Menina After Velázquez
198 × 160 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

벨라스케스를 따라 그린 시녀들 이번 페르난도 보테로 : 형태의 미학 전시회 대표 작품이기도 합니다. 원작이나 이 작품이나...

 

벨라스케스의 명화를 보테로의 볼륨 미학으로 재탄생시킨 이 작품은 작가가 젊은 시절부터 이어온 거장 연구의 결실입니다. 전시 포스터의 주인공인 인물은 원작의 구도를 유지하되, 보테로 특유의 풍만한 형태를 통해 존재의 밀도를 극대화합니다. 원작의 엄숙함은 부드러운 온기로 변화하였고, 이는 고전을 자신만의 조형 언어로 확장한 결과입니다. 파리 작업실에 소장되어 있다가 로마에 이어 두 번째로 공개되는 이 작품은 과거의 전통과 현재의 독창성이 만나는 완벽한 예술적 성취를 보여주는 상징적 사례입니다.

| 이아생트 리고를 따라 그린 루이 14세

Louis XIV After Hyacinthe Rigaud
243 × 156 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

두 작품의 원작도 감상해 보세요.

 

| 얀 반 에이크를 따라 그린 아르놀피니 부부

The Arnolfini After Van Eyck
2006
205 × 165 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

이 작품은 얀 반 에이크의 '아르놀피니 부부 초상'을 보테로의 시각으로 재해석한 결과물입니다. 원작이 결혼의 신성함을 상징하는 정교한 구도를 지녔다면, 보테로는 그 틀을 유지하면서도 형태와 비율을 과감히 변주합니다.

인물과 사물은 특유의 기법을 통해 둥글고 풍만하게 확장되었으며, 원작의 엄숙함은 부드럽고 묵직한 공기로 대체됩니다. 상징적 의미로 가득했던 요소들은 이제 일상적이고 인간적인 장면으로 읽히며 관람객에게 친근하게 다가옵니다. 보테로에게 이러한 과정은 고전과의 깊은 대화였으며, 전통의 질서 위에 자신의 독창적 언어를 쌓아 올린 시도입니다. 위대한 고전을 인간의 삶 가까이로 끌어온 이 작품은 숭고한 가치를 따뜻한 시선으로 재조명하는 보테로의 예술관을 잘 드러냅니다.

| 벨라스케스를 따라 그린 바예카스의 소년

Little Boy of Vallecas After Velázquez
1971
174 × 126 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

두 작품의 원작도 비교해 보세요.

보통의 작가들이 기존 명작을 모티프로 작업하고 오마주, 패러디 등으로 작품 활동을 하곤 하는데, 이번 페르난도 보테로 : 형태의 미학 전시회의 작품들은 그러한 다른 작품들과 수준이 다릅니다.

보테로가 해석한 작품들은 오마주가 아닌 바로 보테로만의 작품!!!

 

페르난도 보테로 전 섹션1 변주 소개를 마치고 섹션 2로 이동합니다.

중간에는 보테로 연표가 마련되어 있는데요.  그의 인생에서도 너무나도 큰 슬픔이 있었네요. 

다음 섹션으로 이동전에 연표 꼭 확인하고 이동하세요.

 

3. 섹션 2 - 라틴 아메리카

페르난도 보테로 : 형태의 미학 전시회 두 번째 섹션에서는 보테로 예술의 근원인 라틴 아메리카의 세계를 만납니다. 그는 유럽과 뉴욕에서 활동하면서도 시선은 언제나 고향 콜롬비아 메데인의 기억에 닿아 있었습니다. 작품 속 인물과 장면들은 그가 어린 시절 경험한 삶의 풍경에서 비롯되었습니다. 축제와 음악, 카니발의 열기 속에서 그는 삶을 긍정하는 인간의 모습을 그려냅니다. 

 

보테로에게 라틴 아메리카는 단순한 분위기가 아닌 절대적인 연결고리였으며, 그는 기억을 바탕으로 새로운 형태와 색의 생명력을 불어넣었습니다. 풍만한 형태와 유머가 더해진 인물들은 슬픔을 넘어선 삶의 에너지를 전하며, 화려함 속에서도 차분한 표정을 유지합니다. 르네상스의 조형 언어와 라틴 아메리카의 현실이 만나는 이 장면들은 개인의 기억을 보편적 이미지로 확장하며, 고통과 절망 속에서도 웃음을 잃지 않는 인간에 대한 작가의 따뜻한 시선을 보여줍니다.

 

“예술이 진정으로 보편적이기 위해서는, 먼저 지역적이어야 한다.” 

- 페르난도 보테로 -

 

“For art to be truly universal it must first be local.”

- FERNANDO BOTERO -

 

 

| 욕실

The Bathroom
1989
249 × 205 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

보테리즘을 가장 잘 보여주는 1989년 작 '욕실'은 전 세계적 사랑을 받은 대표작입니다. 보테리즘은 부피와 유머를 통해 인간의 품격과 세상의 풍요로운 아름다움을 표현하는 독자적 회화 방식입니다.

 

작품 속 거울 앞 여인의 뒷모습은 자신과 마주하는 사적이고 존엄한 순간을 포착합니다. 화면의 풍만한 형태는 생명력과 존재의 충만함을 상징하며, 인물은 조용한 태도로 스스로를 인식하고 있습니다. 거울에 비친 시선은 단순한 묘사를 넘어 자기 인식의 과정을 드러냅니다. 욕실이라는 가장 내밀한 공간에서 펼쳐지는 이 장면은 인물화를 넘어 존재의 본질에 대한 탐구로 확장됩니다. 풍요로운 여성상을 통해 콜롬비아 문화의 본질을 담아낸 이 작품은 보테로 예술 세계의 정수를 보여줍니다.

 

그리고 전시장 중앙에 마련된 페르난도 보테로 조각 작품 넉 점...

| 천 위에 엎드려 있는 여인

Woman Reclined a Sheet
2004
25 × 26 × 56 cm
청동 / Bronze

| 천 위에 누워 있는 여인

Reclining Woman

21 × 17 × 38 cm

백색 대리석 / White marble

| 침대 위의 여인

Woman in a Bed
2002
32 × 56 × 27 cm
백색 대리석 / White marble

 

이 외에도 이번 예술의전당 페르난도 보테로 전시회에는 작가의 다양한 조각 작품을 만나볼 수 있습니다.

| 페드로, 페드리에토 (Pedro, Pedrito)

페드로
Pedro
1971
160.5 × 126.5 cm
종이에 파스텔 / Pastel on paper

이 두 작품은 보테로의 넷째 아들 페드로 보테로를 그린 초상으로, 작가에게 가장 개인적이고 깊은 감정이 담긴 작업입니다. 1970년 태어난 페드로는 네 살의 나이에 교통사고로 세상을 떠났고, 이 비극은 보테로의 삶과 예술에 깊은 흔적을 남겼습니다. 이후 예술은 그에게 슬픔을 견디고 아들을 기억하는 방식이 되었습니다. 1971년 작 '페드로'는 아들이 두 살 때 그렸으며, 1981년 작 '페드리에토'는 세상을 떠난 아들을 그리워하며 그린 작품입니다. 

 

보테로는 아들을 주제로 한 초상을 반복해서 그리며 사라진 존재를 작품 속에 계속 살아 있게 합니다. 붓과 연필을 든 아이의 모습은 짧았던 생애 대신 따뜻한 기억으로 남았습니다. 보테로 특유의 풍만한 형태는 단순한 스타일을 넘어 부재하는 존재를 붙잡아 두려는 감정의 표현입니다. 이 작품은 상실과 사랑, 인간 존재의 연약함을 담아내며 보테로의 예술 안에서 페드로를 영원히 살게 합니다.

| 바 위의 발레리나

Ballerina on the Bar
2001
164 × 116 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

2001년 작 '바 위의 발레리나'는 발레리나의 이미지를 보테로만의 방식으로 재해석한 작품입니다. 전통적인 발레의 가벼움과 날씬한 신체 대신 풍만한 형태를 화면 중심에 세워 고정관념을 뒤집었습니다. 연습실 바 위에서 균형을 잡는 인물은 무게감 있는 몸에도 불구하고 놀라운 집중력과 유연함, 우아함을 보여줍니다. 발끝으로 지탱하는 모습은 중력을 거스르는 듯한 인상을 주며 보테로가 형태를 통해 창조한 새로운 아름다움을 상징합니다. 작품 속 거울은 공간의 깊이를 더함과 동시에 스스로를 바라보는 자기 인식을 드러냅니다. 이 발레리나는 타인의 시선이 아닌 자신을 향한 시선 속에서 움직이는 존재입니다. 보테로는 이를 통해 아름다움이 특정 형태가 아닌 태도와 존재 방식에 있음을 선언하며 미의 기준에 도전합니다.

| 앉아 있는 누드

Seated Nude
1976
193 × 152 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

| 비너스

Venus
205 × 111 cm
종이에 수채 / Watercolor on paper

페르난도 보테로의 유채화와 수채화의 차이가 극명했던 작품 이었다.

| 강에서 목욕하는 사람

Bather in the River
2004
140 x 120 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

|목욕하는 사람

The Bather
2018
141 x 100 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

 

| 리본을 맨 소녀

Girl with a Bow
1976
231 x 194 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

페르난도 보테로 누드화가 전시된 공간 마지막 작품인 '리본을 맨 소녀' 

작품에 대한 제목을 제외하고는 설명도 없고, 오디오가이드도 없고. 그런데 느낌 상당히 강하게 온 작품

4. 드로잉에서 수채화로

From drawing to watercolor
“드로잉은 모든 것의 기초이며, 화가의 정체성이자 스타일, 그리고 형식적 신념이다.

색채는 그 드로잉 위에 부여되는 일종의 선물이다.”

- 페르난도 보테로 -

 

페르난도 보테로의 예술 여정은 수채화로 시작해 수채화로 귀결됩니다. 첫 작품인 투우 장면부터 2019년 마지막 연작까지 수채화를 탐구했으며, 특히 후기에는 종이 대신 캔버스에 대형 포맷으로 시도하여 수채화를 수직적 구도와 기념비적 규모로 재해석했습니다.

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견고한 선과 절제된 색채의 후기작들은 프레스코 같은 밀도를 지니며, 평생의 주제인 양감을 강조하며 예술적 종합을 이룹니다. 보테로에게 드로잉은 예술의 근간이자 완결된 작품이었으며, 이번 전시는 다양한 매체를 통해 그의 예술 세계를 입체적으로 조명합니다. 그의 작품은 방대한 상상력을 바탕으로 정제된 완성도를 보여주며, 끊임없는 재창조에 헌신한 예술가의 삶을 집약적으로 드러냅니다.

| 연인

Lovers
1995
106 x 132 cm
캔버스에 연필과 수채 / Pencil and Watercolor on canvas

| 두 여인

Two Women
2003
75 x 110 cm
캔버스에 연필 / Pencil on canvas

| 나무 위의 여인

Woman on a Tree
1990
51 x 36 cm
종이에 목탄 / Charcoal on paper

 

전시장 한 면 작가의 드로잉 작품 소개 끝나고 다시 등 뒤에 전시된 페르난도 보테로 : 형태의 미학 전시회 계속됩니다.

 

| 축제

Carnival
2016
87 x 79 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

'축제'는 라틴 사회의 카니발인 '삶을 위한 해방의 축제'를 묘사한 작품입니다. 황소 머리와 악어 가면을 쓴 이들이 거리 한가운데서 춤추고, 주변 사람들은 그들과 어우러져 활기차고 화려한 색채의 축제 분위기를 만듭니다. 

 

하지만 이 장면은 단순한 즐거움에 머물지 않습니다. 가면 뒤 인물들의 태도와 시선에서 느껴지는 고요함은 이 축제가 현실을 잠시 벗어나기 위한 시간임을 암시합니다. 보테로에게 카니발은 단순한 민속 행사를 넘어 라틴 민중의 감정과 에너지가 표출되는 순간이었습니다. 가면을 쓴 이들은 감정을 숨기기보다 이를 품은 채 살아가려는 태도를 보입니다. 작가는 둥글고 풍만한 형태와 반복되는 리듬 속에 인간의 생명력과 유머를 담아냈습니다. 이 작품은 삶의 무게 때문에 더 치열하게 살아가는 인간의 모습을 이야기하며, 모든 상처를 품은 채 살아가는 인간에 대한 깊은 시선으로 읽힙니다.

| 축제

Carnival
2012
134 x 98 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

“예술가는 자신의 고향과 삶에 뿌리를 두어야 한다. 나의 뿌리는 콜롬비아다.
그곳의 풍요로운 자연과 사랑, 음악, 정치, 그리고 그 역사를 형성해 온 권력의 구조 안에 있다.
나는 작업에서 기억을 탐색하고, 그것을 새로운 생명과 색채, 과장된 형태로 다시 창조해 왔다.
내가 그리는 모든 것은 나의 유년 시절의 세계를 반영한다.
그것은 일종의 향수이자, 나의 예술을 관통하여 중심적 주제가 된 집념이다.
비록 60년 이상의 시간을 뉴욕과 유럽 등지의 해외에서 보냈지만,
나에게 영감을 준 것은 언제나 라틴 아메리카였다.
나는 절대적으로 내 조국과 깊이 연결되어 있다.”

- 페르난도 보테로 -

 

| 댄서들

Dancers
2002
142 x 118 cm
종이에 파스텔 / Pastel on paper

'댄서들'은 보테로가 유년 시절 콜롬비아에서 경험한 라틴의 리듬과 삶의 에너지를 형상화한 작품입니다. 화면 속 남녀는 소박한 차림으로 서로를 끌어안은 채 춤을 추는데, 이들의 묵직한 몸과 느린 리듬은 삶을 견디는 유연함을 상징합니다. 보테로에게 춤은 감정을 교유하며 삶을 버티는 하나의 방식이었습니다. 두 인물의 밀착된 자세와 진지한 표정은 사랑과 유대, 그리고 삶의 무게를 동시에 전달합니다. 축제 같은 순간에도 고요함이 감도는 것은 이 장면이 삶의 진실한 밀도를 담아냈기 때문입니다. 작가는 풍만한 형태와 반복되는 리듬을 통해 삶의 지속성을 강조하며, 평범한 일상을 따뜻한 인간의 초상으로 승화시켰습니다.

| 축제의 마무리

Fin de fiesta
2006
181 x 181 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

| 소풍

The Picnic
2001
113 x 185 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

'소풍'은 잔디 위 커플의 평온해 보이는 모습 뒤에 숨겨진 미묘한 단절을 포착합니다. 불편한 기색의 여성과 무심한 남성의 대조적인 태도, 손대지 않은 음식 등은 두 사람 사이의 어긋난 감정과 단절을 드러냅니다. 이 장면은 기대와 현실의 괴리를 보여주는 '실패의 순간'으로, 보테로는 삶의 생동감이 기쁨뿐 아니라 이러한 어긋남 속에도 존재함을 시사합니다. 화면 뒤 펼쳐진 고향 콜롬비아의 풍경은 일상의 장면을 작가의 개인적인 기억과 정체성으로 연결합니다. 결국 이 작품은 부드러운 형태와 따뜻한 색감 뒤에 해소되지 않은 감정을 품은 채, 인간관계의 복잡성과 삶의 진실을 조용히 투영하고 있습니다.

| 거리

The Street
2000
205 x 128 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

728x90

'거리'는 콜롬비아의 일상을 가장 생생하게 포착한 작품 중 하나입니다. 좁은 거리 안에서 다양한 연령과 직업을 가진 인물들이 저마다의 이야기를 지닌 채 공존하는 모습이 그려집니다. 이 장면은 작가가 어린 시절 경험한 메데인의 기억을 바탕으로 하며, 자연과 도시, 삶이 밀접하게 연결된 당시의 정서를 그대로 담고 있습니다. 인물들은 서로 가까이 머물면서도 각자의 방식대로 존재하며 느슨한 유대를 이룹니다. 이러한 밀도 높은 구성은 콜롬비아 거리 특유의 활기찬 에너지와 리듬감을 만들어냅니다. 보테로는 특정 공간을 보편적인 풍경으로 확장하며, 거리를 서로 다른 삶이 교차하는 하나의 무대로 연출했습니다. 결국 이 작품은 다양함 속에서 어우러져 살아가는 인간 사회의 모습과 그 안에 깃든 일상의 생명력을 강조합니다.

 

| 대통령과 장관들

The President and His Cabinet
2011
152 x 197 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

| 대통령

The President
2010
200 x 113 cm
캔버스에 유채 / Oil on canvas

 

| 발코니에서 떨어지는 여인

Woman Falling from a Balcony
1994
102 x 71 cm
종이에 파스텔 / Pastel on paper

'발코니에서 떨어지는 여인'은 한 여성이 거꾸로 추락하는 순간을 포착하여, 비자연적인 자세로 공중에 떠 있는 인물을 통해 시간이 멈춘 듯한 정지와 부유의 감각을 전달합니다. 보테로 특유의 부드럽고 풍만한 형태는 이 장면에서 강한 대비를 이루며, 평소 풍요를 상징하던 볼륨이 여기서는 무게와 중력을 강조해 급박한 순간을 극대화합니다. 절제된 공간과 왜곡된 원근은 불안정한 감각을 더하고, 파스텔톤의 부드러운 색감은 장면을 몽환적이면서도 강렬하게 드러냅니다. 보테로는 이를 직접적으로 묘사하기보다 일상의 한 장면처럼 제시하며, 공포 대신 침묵에 가까운 정서를 통해 깊은 몰입을 끌어냅니다. 이 낙하는 단순한 물리적 사건을 넘어 인간의 취약함과 불안을 응축한 상징적인 장면으로 확장됩니다.

| 장미를 든 해골

Skeleton with Roses
1982
205 x 112 cm
캔버스에 수채 / Watercolor on canvas

 

'장미를 든 해골'은 수채화를 독립된 예술 언어로 격상시킨 보테로의 탐구 정신이 돋보이는 작품입니다. 평생 수채화에 애정을 쏟은 작가는 간결한 선과 절제된 색을 통해 밀도 높은 조형미를 완성했습니다. 꽃다발을 든 해골이라는 소재는 죽음의 이미지를 유머러스하고 평온하게 반전시키며, '메멘토 모리'를 보테로만의 시각으로 재해석합니다. 여기서 꽃은 소멸과 재생의 순환을 상징합니다. 보테로에게 드로잉은 단순한 준비 단계를 넘어선 예술의 본질이자 완결된 작업이었습니다. 결국 이 작품은 삶과 죽음, 인간 존재에 대한 작가의 철학을 함축적으로 보여주는 수작입니다.

 

다음 포시팅은 페르난도 보테로의 조각과 후반부 전시작품 소개합니다.