협찬사절 ★ 솔직리뷰 ~ 여행 맛집 전시 공연

예술의전당에서 열리고 있는 베네수엘라 출신의 옵아트의 거장 크루즈 디에즈 전시회 관람후기 입니다.

기존 옵아트가 흑백의 평면에서 일종의 착시효과를 수학과 과학으로 풀어 나갔다면, 오늘 소개하는 크루즈 디에즈는 마치 흑백 TV를 벗어나 컬러 TV에서 만나는 총 천연색 영화를 만나는 느낌이라고 할까요.

| 전시회 개요

크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회는 예술의 전당 한가람미술관 제 7전시실에서 9월 18일까지 전시될 예정입니다.

제 7전시실은 예술의전당 미술관에서는 가장 작은 공간으로 주로 실험적인 현대 작가들의 작품들이 많이 전시되는 곳입니다. 지하 1층 비타민스테이션에 위치!

| 요금 할인 / 얼리버드 티켓

전시회 관람요금은 일반 성인기준 13,000원 입니다. 저는 얼리버드 티켓팅을 통해 40% 할인된 7,800원에 관람했네요. 현재 크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 할인티켓은 현재 확인하지 못했습니다. 통신사나 신용카드 할인이 없네요.

| 도슨트 & 오디오 가이드

크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 도슨트는 휴관일을 제외하고 매일 4회 11시 14시, 15:30, 17시에 진행됩니다. 무엇보다도 토요일과 일요일에도 도슨트가 진행되는 부분은 직장인인 저에게는 너무나 매력적인  부분입니다. 

또한, 해당 시간에 방문이 어려운 분들은 바이브앱에서 무료로 오디오가이드 이용이 가능합니다. 이어폰 꼭 챙겨 가세요.

가능하삳면 이번 크루즈 디에즈 전시회 도슨트 시간맞춰 관람하시는 것을 추천 드립니다. 설명없이는 다소 이해하기 어려운 부분도 있고요. 좀 더 작가의 작품세계를 깊게 이해할 수 있는 기회이기도 합니다.

도슨트 소요되는 시간은 대략 30분 정도로 기억합니다. 전시 공간이 넓거나 작품이 많은 전시회는 아니어서 이번 예술의전당에서 열리고 있는 크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회 관람 소요시간은 1시간 미만입니다.

이번 크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회는 작가의 탄생 100주년을 기념하기 위하여 전 세계에서 구현할 수 있도록 추진했고 그 중 서울 전시는 예술의전당에서 개최하게 되었다고 합니다.

캐를로스 크루즈 디에즈는...

베네수엘라 출신의 프랑스 예술가이다. 색채 현상에 대한 그의 연구는 그를 20세기의 마지막 색 사상가로 자리 잡게 하였다. 그의 작품은 색에 대한 새로운 인식을 제시했다. 크루즈 디에즈는 자신의 작품에서 공간을 침범할 수 있고 형태의 도움 없이도 존재할 수 있는 자율적이고 진화적인 실제로서의 색을 보여주는 작품들은 선보였습니다.

크루즈 디에즈는 1945년 베네수엘라 카라카스에 있는 조형예술학교를 졸업하고, 화가로 활동하던 초기에는 구상적인 화풍을 고수하면서, 동시에 주요 인쇄매체에서 일러스트레이터와 그래픽 디자이너로 활동했고합니다. 1954년에는 '벽화 프로젝트(Proyectos murales)' 시리즈를 제작했는데, 그 중 일부는 조작이 가능하고 공공장소에 설치할 수 있도록 디자인했습니다. 이 벽화 시리즈는 이후 건축과 공공장소에 통합되는 그의 기념비적인 작품의 시초가 되었다고 합니다. (바로 해당 작품이 송파구 올림픽공원에 전시되어 있다는 도슨트님의 귀뜸)

크루즈 디에즈의 작업은 색채 현상의 다양한 행동을 중심으로 구성되며, 여덟 가지의 연구를 포함한다 : <색 추가coueurAddlie>(1959), <물리적 색상pnysichrome> (1959), <색채 유도natuction Chramatique>(1963), <색 간섭Chromointerterence>(1965), <색상 투과Tanschromie>(1965), <색 포화Chromosaturation>(1965), <색도계chromoscope>(1968), <공간의 색Couleura respace>(1993), 1967년부터 그는 도시 공간에서 심화된 통합 작업을 전개하였다고 합니다.

이번 전시회도 그의 연구 중심으로 작품을 소개합니다.

| 착시현상 조형물 @ 올림필공원

크루즈 디에즈는 1954년에는 '벽화 프로젝트(Proyectos murales)' 시리즈를 제작했는데, 그 중 일부는 조작이 가능하고 공공장소에 설치할 수 있도록 디자인했고, 이 벽화 시리즈는 이후 건축과 공공장소에 통합되는 그의 기념비적인 작품의 시초가 되었다고 했는데요.

서울 송파구 올림픽공원 소마미술관 근처에 크루즈 디에즈의 작품이 전시되어 있습니다.

지금까지 이 앞을 수백번 지나갔을 것 같은데 이번 전시회를 보고서야 크루즈 디에즈 작품이 보이네요.

저녁에 찍은 사진인데요. 낮에는 어떻게 보일지 낮에 한 번 가봐야 겠네요.

크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회 첫 번째 공간 소개합니다.

색포화 Chromosaturation

Paris, 1965/2024
'색 포화 Chromosaturation' 는 빛의 삼원색인 빨간색, 녹색, 파란색의 인공조명이 켜진 세 개의 방으로 이루어진 공간으로, 1965년 파리에서 처음 구상된 이후 전 세계의 많은 전시에 참가하며 점차 발전해왔다고 합니다. 원색으로 가득 찬 이 공간 안에서 관람객은 완전한 단색의 세계를 경험하게 되는데요.

이 작품의 공간에서 '색'은 물리적이고 자율적인 성격을 가지며, 감상자의 감각세포를 강하게 자극하는 것을 경험할 수 있습니다. 일반적으로 인간의 눈은 태양광과 같이 빛의 파장에 따른 넓은 색 영역을 볼 수 있도록 설계되어 있어, 순수한 원색만을 보는 경우가 거의 없다고 합니다.

그러나 <색 포화> 공간에서 우리 단일 원색으로만 이루어진 공간에 둘러싸이게 되고, 다양한 색상을 동시에 받아들이는데 익숙한 관람객의 망막은 장애를 일으키게 됩니다. 강한 빛으로부터 망막을 보호하기 위해 자동적으로 색상이 희미해지고, 곧 방 전체가 흰색으로 인식되는 초현실적 경험으로 이끕니다.

초록색, 붉은색, 파란색 조명으로 구성된 공간과 각 공간의 경계에서 경험하는...

강렬한 빨간색의 공간에 들어왔다면

우리 눈은 태양광과 같이 다양한 색상을 보는 데 익숙하지만  단색 광에서는 망막이 하나의 색상으로 과부하되어 예상치 못한 반응을 일으킵니다.  강렬한 빨간색의 공간에 들어왔다면, 먼저 잠시 동안 공간을 바라보면서 눈의 변화에 집중해 보세요.  

처음 들어왔을 때 느낀 빨간색이 어떻게 변했나요?  점차 색이 열어지고 흰 벽이 느껴지기 시작할 것입니다.  시각의 안정화 과정은 사람마다 시간이나 정도가 다르니 천천히 느껴보세요  

이어서 옆의 파란색, 초록색 공간도 바라보세요  

입장할 때 느꼈던 색보다 더 진하고, 강렬하게 변하는 것이 느껴질 것입니다.  이렇게 색이 변하는 경험이 바로 이 작품의 의도입니다  현장을 사진으로 찍어보면 처음과 같은 조도를 유지한다는 것을 알 수 있습니다.  이 작품 속에서 변화된 것은 조명이 아니라,  단색의 자극에 반응한 우리의 눈의 인식입니다.  공간 속에 매달려있는 육면체의 각 측면은 반사된 색상으로 가득 차 있어  형태감이 거의 없는 이 환경의 생동감 살려주고 있습니다. 

 이제 끝 쪽으로 이동하여 공간의 넓은 면을 바라보세요  세 가지의 원색이 섞이면서 만나는 지점마다 새로운 색이 만들어져  아름다운 스펙트럼을 우리에게 보여줍니다,  흰 벽의 공간과 세 가지 원색의 빛만으로  모든 색을 경험하게 하는 감상의 접근 방법이  바로, 크루즈 디에즈가 빛과 색의 거장으로 불리게 된 이유입니다  

색포화 경험은 동영상으로 확인해 보세요

평면작품 Bidimensional Artworks

Paris, 1959-2014/2024
평면작품 섹션은 크루즈 디에즈가 평생에 걸쳐 개발한 여덟 가지 연구 중 세 가지 시리즈 -<색 추가 Couleur Additive>, <색채 유도 Induction Chromatique>, <공간의 색 Couleur a rEspace>-를 소개하는 공간입니다.

이 평면 화면들은 비발광 매체인 잉크의 빨간색, 녹색, 파란색의 세 가지 원색을 그대로 제시하고 있는데요. 그러나 표면에 반사된 색상들은 빛으로서 공간을 통해 관람객의 눈에 들어오는 과정에서 사라지거나 혼합되어 새로운 색으로 인식됩니다. 크루즈 디에즈는 이런 시지각 인식의 과정을 정교하게 계산하고 모듈화하여 그 효과를 예술적으로 표현하고 있습니다.

크루즈 디에즈는 예술의 목적 중 하나가  세상을 바라보는 방식을 변화시키는 것이라고 생각했습니다.  당시 사람들 대부분은 색이 매우 단순하고, 당연한 존재라고 생각한 반면,  크루즈 디에즈는 물리학과 생물학의 상호과정이라는 점에 주목했습니다.  지금부터 감상할 작품은 세 가지 평면 작품 시리즈로  모두 빛과 색의 주요 원리들을 확인할 수 있는 작품들입니다.  

작가가 체계적으로 고안한 화면들은 빨간색, 녹색, 파란색, 검은색과 함께  불투명한 매체로 인해 표현되는 흰색만을 사용하였습니다  작가는 이 작품들을 설명하면서  '모두 비발광 매체를 사용하여 프리즘의 색상,  빛의 색상의 원리를 설명하기 때문에 다소 모순적이다.'  라고 한 있는데요,  모두 평면에서 방출된 색이 우리 눈으로 들어오는 과정에 집중하여 감상하는 작품입니다.  각 화면의 앞에서 앞, 뒤, 좌, 우로 움직이면서 그 과정에서 변화를 잘 확인해 보세요.  

색채유도-이증파동 RGB 4 (평면작품 아웃트로)  

지금까지 열 두가지 평면작품을 감상하는 과정에서 가장.중요한 요소는 '빛'입니다.  우리가 보고 있는 이 색은 모두 빛의 반사입니다.  한 작품을 제외한 모든 평면 화면들은 빨강, 녹색, 파랑, 그리고 검은색으로 구성되어 있습니다.  
하지만 화면 안료의 색상은 공간을 통해 우리 눈에 들어오는 과정에서 혼합되어,  실제 인식되는 색의 스펙트럼은 휠씬 다양해집니다.  작가는 이러한 시지각 인식의 과정을 정교하게 계산하고 모들화하여  그 효과를 예술적으로 표현하고 있습니다.  작가는 이렇게 말했습니다.  "내 작품에서는 운에 좌우되는 것이 아무것도 없습니다.  모든 것이 의도되고, 계획되고, 프로그래밍된 것입니다."  

색 추가 (Couleur Additive) RGB 8번  

색 추가'는 작가의 색채 실험 초창기인 1959년 탄생한 연구 시리즈로,  두 가지 이상의 색이 맞닿는 지점에서  새로운 색이 나타난다는 기본적인 원리에서 시작되었습니다.  그리고 이 작품은'색 추가' 시리즈의 원리를 발전시켜서  2014년도에 작가가 완성한 화면 구성입니다.  

먼저 '색추가 RGB 8번' 작품을 멀리서 감상해보세요  

우리 눈에는 화면의 중앙에 노란색이 인식됩니다.  그러나 점차 가까이 다가가서  어떤 안료로 화면이 구성되었는지 확인해보세요.  작품 표면에는 노란색 색료가 사용되지 않았다는 것을 확인할 수 있습니다.  그리고 다시 천천히 뒤로 가면서 화면이 노란색으로 변화하는 과정도 느껴보세요.  이처럼 작가는 새로운 색을 보여주기 위해 색 안료를 섞지 않고,  섞여 보이는 '현상'을 만들어 내어 작품에 적용했습니다.  

서로 다른 색을 촘촘한 세로 선으로 배열하게 되면  그 표면의 색이 반사되어 우리 눈에 들어오는 과정에서  맞닿은 경계선에 가상의 색들이 탄생하게 되는데  작가는 이 광학적 현상을 분리하여 '색채 현삼 모들' 이라고 명명했습니다.  이 모듈이 반복적으로 나타나는 <색 추가> 시리즈는  관람객이 작품을 감상하며 지나갈 때마다 존재하지 않는 색을 계속 발견하게 합니다.  작가는 이 시리즈에 대해 설명하면서  "색은 표면에 없습니다. 색은 공간에 있어요."  라고 말한 바 있습니다.  

크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회에서 만나볼 수 있는 작품은 대 부분 3개 내외의 컬러만 사용되었습니다. 그렇지만 관람객이 보는 각도와 거리에 따라 다양한 색상들로 표현된 것 같은 착시현상이 경험할 수 있습니다.

전시장 분위기는 대략 이런 느낌입니다. 약간 어두운...

색채 유도(Induction Chromatlque)-노란색 유도 

1963년에 시작된 색채 유도 시리즈는  눈이 특정 색상을 일정 시간 동안 바라본 후 다른 곳을 보았을 때,  그 색상의 보색이 눈에 남아 있는 현상을 반영하고 있습니다.  먼저 세로로 긴 화면인 '노란색 유도' 작품에서  보다 직관적으로 보색 잔상을 경험할 수 있습니다.  

이 작품을 멀리서 감상해주세요  중앙의 사각형이 어떤 색으로 느껴지시나요?  

이후 천천히 작품 가까이 이동하면서  화면에 어떤 색료의 선들이 존재하는 지 확인해보세요  

표면의 색료는 검정과 흰색, 그리고 파랑색만 존재하고 있습니다.  

우리가 멀리서 느껴보았던 색은  실제로 표면에 존재하지 않지만, 유도된 노란색입니다.  다시 뒤로 천천히 멀어지면서 이 선들 사이로 노란색이 다시 보이는 것을 느껴보세요.  보색 잔상 현상은 두 단계를 통해 일어나지만,  작가의 정교한 탐구를 통해 감상자의 시야에 하나의 색과  그 보색을 동시에 볼 수 있는 화면을 구성했습니다,  

이 시리즈는 1963년 작가의 작업실에서 판화 작업을 하고 있던 중  파란색 패턴을 인쇄하고 화면을 들어을리던 중 실수로 어굿난 각도의 검은 패턴이 추가되면서,  희미한 노란색을 발견하게 되면서 시작되었습니다,  젊은 시절부터 그래픽 디자이너로 오랜 시간 일했던 작가는 이미 보색에 대한 지식이 높았고,  이 현상이 보색 원리로 나타난다는 것을 바로 깨달았습니다.  작가는 이러한 발견을 '우연과 지식의 결합'이라고 설명하기도 했습니다.  

공간의 색 (Couleur a l'Espace) RGB1  

공간의 색(Couleur a l'Espace) 시리즈는 색채 추가(Couleur Additive)  시리즈에 기반하여 1993년부터 새롭게 이어진 연구로,  색과 색 사이의 공간에서 어떻게 새로운 색상이 생겨나고 사라지는지를 보여주고 있습니다.  작가는 작품 속에 검은 선을 추가하고 빛이 반사되는 '기울기'를 과학적으로 조정함으로써  배경에 없는 색채 스펙트럼을 새로 만들어 낼 수 있다는 것을 발견했습니다  그리고 관람자들의 움직임과 빛의 강도에 따라  스펙트럼의 변화를 직접 경험할 수 있는 작품들을 선보였습니다.  이 작품 역시 멀리서 감상을 시작해 주세요.  작품 중간에 보이는 무지개 스펙트럼이 보이시나요? 

위에서부터 아래까지 비스듬한 선을 감싸고 있는 색들을 바라보면서 천천히 가까이 다가와 보세요.  

멀리서 보았던 무지개빛 스펙트럼이 사라지고  화면엔 검은 선만 존재하는 것을 확인할 수 있습니다.  작품에 반복되고 있는 세가지 색 선들에서 반사하고 있는 이 작품속 모둘들에  검은 선 하나가 비스듬히 추가되면서, 빛의 반사 현상을 부분적으로 변동시키게 됩니다.  검은 색은 모든 빛을 흡수해 버리고,  서로 맞닿는 두 가지 색조의 조합을 끊어버리게 되는데,  이때 반사되는 빛의 조합이 달라지게 되어 나타나는 협상을 작품에 반영한 것입니다.  

1959년부터 빛의 반사를 통해  존재하지 않는 색을 합성해 왔던 작가는 검은 선을 통해 더욱 정교히 작품을 설계한 것이죠,  이처럼 작가는 자신의 연구들을 단편적으로 끝내지 않고 지속적으로 발전시켜 더욱 풍부하고 확장된 결과들을 끊임없이 찾아내고 발표했습니다,  이런 연구방식이 바로 크루즈 디에즈가 색채 물리학자라고 불리우는 이유입니다  

평면작품 공간의 마지막에는 커튼으로 가려진 출구가 나옵니다.

색 간섭 환경 Environnement Chromointerférent

Paris, 1974/2024
<색 간섭 환경 Environnement Chromointerférent>은 일정한 간격의 수직선의 빛들이 움직이는 영상으로 구성된 설치작품이다. 1965년부터 작가가 구상하고, 1974년에 처음 제작된 이 작품은 전시 공간의 네 면 전체를 포괄했다고 합니다.. 크루즈 디에즈는 색 선들의 일정한 움직임을 통해 공간을 채우는 빛의 변화와 모호함을 제시했는데요.

<색 간섭 환경> 작품은 <색 추가> 시리즈에서 사용되었던 '색채 현상 모듈'을 프로젝터를 통해 계속해서 움직이는 영상으로 공간에 투영한다. 하나의 방향으로 연속해서 이동하는 빛 안에 들어간 관람객과 사물은 마치 투명한 것처럼 관찰되어 그 형태와 상태가 변화한 것처럼 보입니다.

하나의 방향으로 연속해서 이동하는 빛 안에 들어간 관람객과 사물은  마치 투명한 것처럼 보이기도 하고 형태가 변화하는 것처럼 보이기도 합니다.  벽에 비친 그림자를 바라보는 관람객은  색상 선들의 반대 방향으로 움직이는 듯한 느낌을 받게 됩니다.  

다양한 색의 직선들이 교차하며 온 공간을 압도하는 이 작품 안에서,  관객은 빛의 방향에 대한 착시를 온몸으로 체험할 수 있습니다.  프로젝션의 끊임없는 움직임은 작품 안에서 실시간으로 변화하는 관객과 오브제에게  색채 현상의 무대에서 '배우'이자 '작가'로서의 역할을 부여하고 있습니다,

색채 경험 프로그램 Interactive Random Chromatic Experience

 Paris, 1995
'색채 경험 프로그램 Interactive Random Chromatic Experience'은 1995년에 처음 제작된 소프트웨어 컨셉의 독특한 작품입니다. 이 프로그램은 작가의 언어에 따라 다양한 색상 행동을 경험할 수 있도록 제안한다. 마치 음악가가 작곡가의 정신을 꿰뚫어서 악보를 해석하는 것처럼, 이 작품은 관객이 화가의 도구를 직접 활용하여 스스로 새로운 화면을 구성할 수 있도록 합니다.

크루즈 디에즈는 항상 새로운 기술에 관심을 갖고 자신의 작업을 발전시키는데 활용하며  감상자의 참여를 위한 새로운 방법을 찾기 위해 노력했습니다  시간이 지남에 따라 작가는 디지털 기술을 사용하여  관객이 직접 조작할 수 있는 매체를 개발하게 되었는데요,  

1995년, 그의 아들의 도움으로 컴퓨터용 프로그램을.만들어내게 되었습니다.  

플로피 디스크로 처음 발표된 이 작품은  2001년에 CD 형식으로 업데이트되어 오늘날의 형태에 이르렀습니다.  관객이 직접 조작해 볼 수 있는 '색채 경험 프로그램'은  작가의 언어에 따른 색상의 행동을 경험할 수 있는 기회를 제공합니다.  음악연주자가 작곡가의 마음을 꿰뚫어 악보를 해석하는 것처럼,  관객은 이 프로그램을 사용하여 화가의 도구를 직접 조작해 볼 수 있습니다.  

그리고 완성된 작품은 QR 코드를 통해 받아볼 수 있습니다.

카를로스 크루즈 디에즈 연표

크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회 마지막 전시공간은 그의 일생에 대한 간략한 이야기 입니다.

1923년 베네수엘라 출생

그래서 올래 2024년이 탄생 100주년이 되네요.

1960년 가족과 영구적으로 파리에 정착

1960년이면 미국에서는 팝아트와 미니멀리즘이 한창인 시기로 기억되네요.

2019년 95세의 나이로 사망

| 크루즈 디에즈 아트샵

아트샵은 전시회장 밖이 아닌 안에 위치해 있습니다. 관람후 나가지 마시고 마음에 드는 기념품이 있는지 찾아 보세요.

아래는 하드한 엽서 인데요. 마우스 패드로 사용하면 인식이 될까요?

"내 작품에서 색은 공간과 현실 사이에 이루어지는 대화 속에서 나타나고 사라집니다.

eltanscurso del dialogo Fue "En mis ohras el color apareoe devaparcce geneva el epacio eltiempo real.' en en

- Carlos Cruz-Diez -

현재 예술의 전당에서는 '크루즈 디에즈 RGB 세기의 컬러들 전시회' 이외에도 뭉크와 뷔페 전시회가 열리고 있습니다. 오전부터 날 잡으시고 저녁까지 달립시다!!!

예술의전당 서울서예박물관 제1전시실, 제2전시실에서 열리고 있는 제32회 대한민국서예전람회 관람후기 입니다. 서알못이어서 감상평이나 설명을 쓸수는 없고요. 그냥 이런 전시회였다. 하는...

제32회 대한민국서예전람회 정보

기간 :  2024-06-27(목) ~ 2024-07-06(토) / 10:00 ~ 19:00 (※ 매주 월요일 휴관)
장소 : 서울서예박물관 제1전시실, 제2전시실
입장연령/가격 :  전체관람, 무료

이번 제32회 대한민국서예전람회가 열리고 있는 예술의전당 서울서예박물관입니다. 예술의 전당 여러 건물들 중에서도 가장 좋은 위치에 있으면서도 쉽게 다가가기 어려운 곳이기도 합니다.

서예뿐만 아니라 가끔씩 흥미로운 전시회가 열리기도 하고요. 

아주 옛날에 중광작고 20주년 특별전 이후 처음 방문하는 것 같네요.

대한민국서예전람회는 한글서예, 한문서예, 문인화, 전각(篆刻) 부문에서 작품을 접수하고 시상합니다.

예술의전당 서울서예박물관 제1전시실 분위기는 이런 느낌

대상과 우수상 수상작품

제32회 대한민국서예전람회 대상과 우수상 작품은 아래와 같습니다. 축하 드립니다.

작품에 작가명이나 제목 작품에 대한 해설이 전혀 없네요. 안그래도 상당히 어렵게 생객하는 장르인데...

제32회 대한민국서예전람회 우수상 작품들...

작품이 너무 많고, 여러 분야가 섞여있다 보니 어떻게 감상해야 할지 모르겠네요.

서울서예박물관 제2전시실

제1전시실에 이어서 3층으로 이동 예술의전당 서울서예박물관 제2전시실로 이어집니다.

서예와 한국화 또한 대한민국 미술의 큰 장르인데, 다소 아쉬운 부분이 많았던 전시회 였습니다.

5월 22일부터 예술의전당 한가람미술관 1층에서 열리고 있슨 노르웨이의 대표 화가인  에드바르 뭉크 전시회 관람후기입니다. 저에게 노르웨이 라고 하면 연어와 고등어, 그리고 뭉크만 떠오르는데요. 오늘은 뭉크 전시회를 300% 즐길 수 있는 관람후기 공유합니다.

에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시정보

Edvard Munch : Beyond the Scream

전시기간 : 2024년 5월 22일(수) – 9월 19일(목)

관람시간 : 화~일 오전 10시 ~ 오후 7시 월요일 휴관 (입장 마감 오후 6시 10분)

전시장소 : 예술의전당 한가람미술관 1층

| 전시회  관람정보는...

에드바르 뭉크 전시 도슨트, 오디오가이드, 아트샵 굿즈, 티켓예약 및 할인팁, 주차장 및  주차할인 정보는 아래 1차 포스팅 참고하세요.

| 주말웨이팅+ 발권 1시간 전후 > 후덜덜 합니다.

발권 시간과 입장 대기시간이 상당한데요. 주말 경우 발권에 20분 정도 소요됩니다.
주말 입장 대기 시간은 최소 30분 내외로 현장 상황에 따라 대기가 더 길어질 수 있습니다. 주관사에서 안내하는 최대 혼잡 시간대는 오전 10시~11시, 오후 2-5시 입니다. 뭐 전 시간 다 혼잡하다는...

| 13개의 섹션 + ,  관람시간 최소 2시간 필요

이번 예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있는 에드바르 뭉크 전시회는 13개의 섹션과 멀티미디어 룸으로 구성되어 있습니다. 각각의 공간마다 뭉크  작품의 특성을 너무나도 잘 설명하고 있습니다.  특히  뒤로 갈수록  이번 전시회의 매력이 강해지네요.

다만 이번 뭉크 전시회 관람에 소요되는 최소 관람시간은 2시간 입니다. 특히 전시장 안에서도  관람 대기가 발생해서 여유 있게 서너시간 추천 드립니다.

이 전시는 에드바르 뭉크(Edvard Munch,1863–1944)를 상징하는 <절규 The Scream>를 넘어 작가의 일생을 돌아보며 그의 회화적 표현주의와 급진적인 실험성을 탐구하는 전시입니다. 뭉크는 일생동안 삶과 죽음, 사랑, 불안과 고독과 같은 인간의 심오한 감정과 경험을 집중적으로 다루었습니다. 그의 작품세계는 파블로 피카소, 조르주 브라크, 장 뒤뷔페, 잭슨 폴록과 같은 모더니즘의 역사를 쓴 작가들에게 영감의 원천이 되었으며, 또한 게오로그 바젤리츠, 미리암 칸, 피터 도이그, 마를렌 뒤마를 비롯한 현대 미술 작가들의 작품세계에 반복적으로 드러납니다.

이번 전시에서는 140점의 오리지널 회화와 판화를 전시합니다. 그동안 대중에게 공개되지 않았던 희귀한 개인 소장품은 물론, 뭉크 미술의 최고 권위를 가진 뭉크미술관의 소장품까지 전시되어 뭉크의 예술을 풍요롭게 다루고 재조명합니다.

전시를 구성하는 긍정적이고도 다채로운 분위기의 작품들은 인간의 사랑, 기쁨과 슬픔, 자연과 죽음을 마주하는 인간의 고뇌와 초월성을 심도 있게 다룹니다. 또한 전시의 큰 부분을 차지하는 풍경화는 서정적이고 아름다운 색채를 통해 뭉크의 예술적 기법을 보여줄 뿐만 아니라, 그의 인생의 흐름을 나타내는 매개체 역할을 합니다. 인간의 근본적이고 보편적인 감정들을 중점적으로 다룬 이 전시가 범세계적인 공감을 이끌어내길 바라며, 현대인의 감성에도 큰 울림을 전할 기회가 될 것입니다.

섹션 1 :  크리스티아니아에서의 초년

자연주의, 인상주의 및 상징주의와의 만남

| 자화상 (1882-1883)

이 자화상은 뭉크가 10대 후반에 그린 초기 작품 중 하나입니다. 자연주의 양식으로 그려졌는데요, 이 작품에는 1880년대 에 전통을 거부하고 새로운 화법을 구현하던 프랑스 화가들의 혁명적인 예술관이 담겨있습니다. 독일 아카데미의 영향을 받 은 이전 세대보다 더 밝은 톤과 선명한 색채를 사용했고, 주제를 다듬거나 미화시키지 않았습니다. 이 자화상에서 뭉크는 독립 적이고 자유롭게 물감을 다룬 것을 확인할 수 있습니다. 어두운 색 바탕에 드라이한 유화 물감을 덧칠했고, 표면을 다듬기 위 한 시도를 하지 않은 점이 돋보입니다.

| 그물을 고치는 남자 (1888)

뭉크의 초기 작품은 당시 서양미술사에서 지배적인 미술사조 중 하나였던 자연주의의 영향을 받았습니다. 1888년에 그린 유 화 그물을 고치는 남자'는 뗏목 위의 나무 상자에 앉아 그물을 고치는 남자의 모습을 담아냈습니다. 자연주의 화풍에 따라 대 상을 있는 그대로 묘사하는데 중점을 둔 작품입니다. 이후 뭉크는 평생 동안 자연주의를 거부했고, 다양한 예술 형식과 표현 기법을 실험했습니다. 이 실험을 통해 뭉크는 매우 독 특하고 개인적인 회화 방식을 개발해 지금 우리에게 익숙한 강렬하고 인상적인 화풍을 완성하게 됩니다

| 뭉크의 자화상들...

이번 에드바르 뭉크 전시회는 본인의 자화상으로 시작하고 마무리됩니다.

뭉크는 살아생전 굉장히 많은 자화상을 그렸습니다. 그리고 세월이 흐르며 자화상의 느낌과 표현이 굉장히 달라집니다. 뭉크는 그림을 그리기 시작한 순간부터 붓을 내려놓는 마지막까지 자화상을 그리며 그 누구보다 자신의 이미지 형성을 고민한 화가 중 한 명입니다. 이번 전시에는 뭉크가 화가로 활동한 초기, 왕성한 작품을 활동한 30, 그리고 죽음을 앞둔 말년에 그린 자화상을 볼 수 있습니다.

| 팔뼈가 있는 자화상 (1895)

뭉크는 1880년대 초부터 1994년 사망할 때까지 70여 점의 회화, 20여 점의 판화, 100여점의 드로잉과 수채화로 자신의 모 습을 기록했습니다. 뭉크의 자화상은 자신의 감정과 내면의 심리상태를 숨김없이 반영해 보는 이로 하여금 마치 일기를 보 는 듯한 인상을 줍니다. 청년기부터 죽음을 앞둔 말년까지의 모습을 연대기적으로 기록한 자화상에는 뭉크의 삶에 녹아있 던 불안감부터 죽음을 준비하는 모습까지, 삶을 마주하는 태도를 솔직하게 보여줍니다. 1895년에 석판화로 제작된 이 자화상은 뭉크의 상징적인 주요 작품 중 하나입니다. 

이 작품을 제작한 1895년은 뭉크가 그 의 예술세계를 집대성한 <생의 프리즈> 연작을 발표하며 화가로서 전성기에 접어든 시기였고, 동시에 남동생 안드레아스 가 사망한 해이기도 합니다 칠흑 같은 검은 배경에 떠오른 창백한 얼굴은 공중에 매달려 있는 것처럼 보입니다. 정면을 응시하는 얼굴은 어떤 감정도 전달 하고 있지 않아 마치 죽은자의 묘비를 연상시킵니다. 이 작품의 또다른 주요 요소는 작품 하단에 그려진 팔뼈인데요, 삶과 죽 음을 연상시키는 앙상한 팔뼈는 내면을 응시하는 거울로 작용하여 삶의 덧없음을, 피할 수 없는 죽음에 대한 의식을 보여줍니다.

| 카바레 (1895)

뭉크는 1894년 처음으로 동판화 기법을 시도했고, 당시 매우 세련된 기법의 석판화를 제작하던 둘루즈 로트렉, 쇠라 등 으로부터 영향 을 받아 석판화를 제작하기 시작했습니다. 1895년에 제작한 작품 '카바레'는 판화에 대한 뭉크의 실험적이고 혁신적인 접근 방식을 잘 보여줍니다. 이 작품은 석판화 위 에 수채 물감으로 채색해 완성되었습니다.

풍부하고 선명한 색채와 표현적인 선의 조합으로 엔터테인먼트를 즐기는 장소의 활 기찬 분위기를 전달합니다. 무용수의 흔들리는 다리와 객석에 않은 남성들의 들썩이는 뒷모습은 마치 살아 움직이는 듯 생동 감을 더합니다. 이 작품은 뭉크가 예술적 표현을 위한 매체로서 석판화에 대한 이해가 매우 높았음을 잘 보여주는 동시에 활기차고 매력적 인 분위기가 돋보이는 작품입니다.

동일한 제목으로 뭉크의 여러 작품들이 전시되어 있는데, 이번 전시회에서 상당히 매력적인 작품이다. 전시회 뒷 부분  '공포와 죽음' 섹션에서는 해당 작품에서 아이의 얼굴만 확대된 더 많고 강렬한 작품을 만나볼 수 있다.

'에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회 실내'  주말이자  전시회 초기여서 그렇겠지만 관람객이 너무 많다. 뭐 얼리버드 티켓도 매수를 제한했고 입장객도 중간중간 제한한다고 하지만 작품보는 시간과 다음 작품으로 넘어가는 시간이 비슷 한 듯, 전시장  중반까지...

| 헨리크 입센의 희곡 '유령'의 세트 디자인 (1906-1907)

이 작품은 헨리크 입센의 희곡 '유령'의 공연을 위해 제작된 세트 디자인을 담고 있습니다. 이미 화가로 성공한 뭉크가 세트 디 자인에 참여했다는 점에서 그의 예술에 대한 다각적 접근 방식과 매체 실험에 대한 의지를 짐작할 수 있습니다. 이 작품에 서 무대 배경의 묘사는 뭉크의 스타일을 분명하게 드러냅니다. 특유의 색채 사용과 표현적인 형태가 그대로 남아 있는 것으 로 볼 때, 연극의 주제와 분위기에 대한 뭉크의 개인적인 해석을 반영한 것으로 보입니다.

크리스티아니아 보헤미안 그룹'의 헨리크 입센은 당대 사회에 내재되어 있던 비극적 갈등에 대해 깊이 고찰하고 독자에게 인 간의 영혼에 존재하는 갈등을 보여준 작가입니다. 뭉크는 입센과 친밀한 관계를 맺었고 입센의 작품을 크게 존경한 것으로 알 려져 있습니다. 독특한 시각으로 사회를 고찰하던 입센과 뭉크는 노르웨이 예술의 가치를 이끈 장본인으로 평가됩니다.

섹션2 : 프랑스에서의 시절

달빛, 키스, 생 클루의 밤까지

이번 방은 푸른 방이다.

| 불타는 욕망, 얀 (노르드스트란트) (1892)

이 작품은 단순한 풍경화로 보입니다. 하지만 작품 상단의 호수를 자세히 보면 치마를 입은 여인의 윤곽을 발견할 수 있습니 다. 뭉크는 풍경화에서는 다소 특이한 세로 형식을 선택해 반투명한 여인의 치마 윤곽을 나무 줄기의 경사면으로 옮겨가 인물 을 전신묘사 했습니다. 풍경은 첫 번째 피사체 위에 투영되지 않고 과도하게 칠해져 있습니다. 풍경으로 변형된 여성의 신체 는 우리의 시각에서 대부분 사라지지만, 색채와 형태가 일치하는 촉각적이고 채색된 신체로 남아있습니다. 뭉크는 덧칠 작업 에서 초상화 속 주제를 지우고 동시에 피오르드 풍경의 묘사로 전환해 의인화된 인물이 특징인 그림을 그렸습니다. 강한 수 직 구도와 치마 모양을 구성 요소로 포함시킨 것은 첫 번째 주제와 두 번째 주제 사이의 은유적 관계를 가리킵니다.

뭉크는 1880년대부터 그의 사망 직전까지 ‘키스’라는 주제에 전념했으며, 수많은 스케치, 연구, 드로잉, 열 점의 판화, 그리고 열두 점 이상의 회화 작품에서 이를 다양하게 다루었다고 합니다. 이번 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회에서는 2점의 유화, 3점의 판화 작품으로 ‘키스’를 만나볼 수 있습니다.

| 뱀파이어 인어 (1893-1896)

신비로운 요소는 항상 존재하거나 드러나며, 발견하면 할수록 설명할 수 없는 것들이 더 많아진다"는 뭉크의 견해에 완전 히 일치하는 작품, <뱀파이어 인어>입니다. 인어는 선원들을 깊은 바다로 유인해 익사시키는 전설 속의 존재입니다. 고대 전설과 그리스 신화 등에서 등장한 이 신비로 운 존재는 수많은 예술가들의 작품 주제가 되었습니다. 뭉크는 독특하게도, 자신의 주요 모티프를 담은 뱀파이어와 접목한 인어를 그렸습니다.

'뱀파이어 인어'는 독특한 주제만큼 표현 방식에 있어서도 매우 중요한 의미를 가진 작품입니다. 당시 노르웨이의 젊은 화가들 사이에서는 엄격한 양식과 붓질이 보이지 않는 정교한 화법, 에나멜처럼 단단한 표면의 화풍 을 따르는 게 지배적이었습니다. 그러나 뭉크는 이와 다르게 판지 위 모든 부분을 덮지 않으면서 얇은 붓터치로 긴 획을 굿 는 방식을 선택했습니다. 이 작품은 자연의 형태가 도식적으로 표현된 드로잉과 회화의 경계에 있다고 볼 수 있습니다.

이번 전시회에서는 상당수 뭉크의 목판 작업을 만나볼 수 있다.

목판이라는 도구가 상당히 원시적이면서도 강한 느낌을 주는 작업인데, 요즘 태국 목판화 작가에게 필받은 상황에서 전혀다른 느낌의 뭉크 작품을 만나니 느김이 묘하네...

섹션3: 회화 기법의 실험, 스타일의 변화 및 해체

모더니즘에 대한 독창적 기여

| 난간 옆의 여인/ 목소리 (1891)

이 작품은 양면 회화입니다. 앞면은 '난간 옆의 여인'이, 반대편에는 목탄으로 드로잉한 작품 '목소리'가 그려져 있습니 다. 이 작품은 뭉크가 사용했던 '로스쿠어'라 불리는 작품에 대한 극단적 처리방식이 적용된 핵심 사례입니다. 작품을 날씨 에 자연스럽게 노출시켜 작품의 노화 과정을 그대로 담아 시간이라는 요소를 작품에 도입했습니다. 이 작품에는 숨겨진 이야기가 있습니다. 1944년 뭉크가 사망한 후, 그가 거주했던 아스가르스트란드의 지방 자치 단체 는 이 집을 미술관으로 개조할 목적으로 매입했습니다. 부동산을 감정하는 과정에서 집과 스튜디오에서 여러 작품이 발견되었 지만 모두 오슬로로 보내졌습니다.

뭉크는 자신의 작품을 오슬로 시 당국에 맡겼기 때문입니다. 2년 후인 1946년, 두 명의 어린 소녀가 뭉크의 집 근처에서 수영을 하다가 집으로 돌아가는 길에 뭉크의 사유지를 지나는 지 름길을 택했습니다. 벽에서 종이 조각처럼 보이는 것이 튀어나와 있었고, 두 소녀는 호기심에 그것을 잡아당기기 시작했습니 다. 아이들의 호기심은 명작의 발견으로 이어졌습니다. 법적인 줄다리기 끝에 결국 이 그림은 지방 자치 단체의 소유로 결정되 었고, 뭉크의 집은 1947년 6월 1일 "아스가르스트란드 뭉크 미술관"이라는 공식 명칭으로 박물관을 열고, 이 작품을 소장품 으로 전시했습니다

| 목욕하는 여인들 (1917)

뭉크는 회화와 판화 외에도 새로운 표현 매체에 대한 관심이 매우 많았습니다. 당시 비약적인 발전을 한 영상 매체의 신기술 에 매료되 1902년 구입한 카메라로 자신과 주변의 풍경을 기록하고, 5분 남짓의 무성영화를 제작하기도 했습니다. 붕크가 시 도한 다양한 사진들은 그의 작품세계에도 큰 영향을 끼쳤습니다 1917년에 그린 '목욕하는 여인'은 두개의 목욕 장면이 투명 필름처럼 서로 겹쳐 있습니다. 사진에서 사용하는 이중 노출 효과 를 화폭에 옮기는 실험을 한 것으로 보이는 독특한 작품입니다.

섹션4 : 생의 프리즈

여자의 세 시기, 스핑크스...

상당히 강하면서도  뭉크의 개성이 많이 느껴지는 작품 중 하나이다. 에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시장 뒷부분에서 동일 제목의 다양한 작품들을 만나볼 수 있다.

너무나도 좋아하는 에드바르 뭉크의 벰파이어와 마돈나, 이번 전시회에 딸랑 이 작품만 전시되어 있나 하고 짜증났는데, 전시장 뒷부분 별도 섹션에 많은 작품들을 만나볼 수 있네요.

<뱀파이어 Vampire>의 원래 제목은 <사랑과 고통 Love and Pain> 이었습니다. 뭉크의 친구이자 비평가였던 스타니슬라브 프지비셰프스키가 이 작품을 보고 ’뱀파이어‘라고 불렀고, 1894년 스톡홀름 전시에서 처음 이 제목을 사용했습니다.
흡혈귀의 입맞춤은 치명적이지만 사랑이나 위로의 행위이기도 합니다. 연인 뒤에 숨어있는 그림자는 위협으로 해석될 수도 있고 그들을 하나로 묶어 주는 매개체일 수도 있습니다. 뭉크는 ‘사실, 이것은 여성이 남성의 목에 입을 맞추는 것뿐’이라고 밝히기도 했습니다.
이번 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림' 전시에서 6점의 판화 ‘뱀파이어’ 작품을 만날 수 있습니다.

뭉크의 절규 보다도 더 좋아하는 마돈나,  뒤에서 다양한 버전의 뭉크 마존나를 원없이  볼 수 있네요.

| 멜랑콜리 III (1902)

멜랑콜리'는 뱅크의 친구인 미술평론가 야페 닐센의 불행한 연애사를 담고 있습니다. 그는 당시 노르웨이의 화가였던 크리스 티안 크로그와 그의 아내와의 삼각관계 사이에서 펼쳐진 절망적인 사랑 때문에 괴로워했습니다. 뭉크는 그의 질투심에서 영감 을 받아 여러 버전의 작품을 그렸는데요, '멜랑콜리'는 회화와 목판화 등 여러 버전의 작품이 존재합니다.

우리가 보고 있는 목판화 작품은 뭉크가 단순화와 집중화를 통해 이루어낸 표현방식의 정수를 보여줍니다. 뱅크는 나뭇결 이 뚜렷한 목판을 선택해 화면의 질감을 살렸습니다. 배경에 보이는 하늘의 흐름과 수평적인 나무결의 조합이 화면의 밀도 를 높이며 우울한 분위기를 한 층 더 깊게 만들어냅니다. 단순화한 형태, 평면화된 공간, 어두운 색조로 인물의 깊은 우울함 을 시각적으로 표현한 이 작품은, 화가의 표현 기법이 어떻게 작품의 의미를 강화할 수 있는지 보여주는 훌륭한 예시입니다

| 카를 요한 거리의 저녁 (1896-1897)

"카를 요한 거리의 저녁'은 일상적인 거리 풍경을 판화로 묘사한 작품입니다. 석판화 위에 수채 물감으로 채색한 이 작품은 개 방적인 붓질과 역동적인 선이 특징입니다. 작품의 배경이 되는 카를 요한 거리는 노르웨이의 수도 오슬로 중심부를 가로지르는 최대의 번화가입니다. 이 작품에는 신경 증적이고 불안한 사람들이 삶의 의미를 찾아 정처 없이 헤매는 모습이 담겨있습니다.

고독한 인물들이 군중을 향해 걸어가는 모습은 베를린과 파리의 자유를 갈망하는 급진적인 예술가였던 뭉크 자신의 정신을 떠올리게 합니다. 뭉크는 특유의 상징 주의적 표현을 통해 개인적인 서사를 보편적인 감성으로 확대시키는데 능숙했습니다. 뭉크는 자신의 작품에 대해 "나의 모 든 획은 압도적인 감정을 포착하기 위해 쓰인다"고 말한 적이 있습니다. 그의 작품에 담긴 내면의 정신은 단순히 객관적인 형 태를 표현하는 것 이상의 역할을 합니다. 그의 의도대로, 작품 속 군중의 불안감은 우리의 마음 깊숙한 곳까지 명료하게 전달 됩니다.

| 불안 (1896)

"나는 모든 사람의 가면 뒤에서 본다. 평화롭게 웃고 있는 얼굴들, 무덤으로 이어지는 길을 끝없이 걸어가는 창백한 시체들" "절규'의 고립된 개인과 달리, 작품 '불안'에 등장하는 군중은 눈을 크게 뜨고 관객을 응시하며 정면으로 부뒷칩니다. 이들 은 앞쪽의 여성을 필두로 어디론가 향하고 있습니다. 무미건조한 인물들의 표정은 인간 내면의 감정을 고스란히 드러내고 있 습니다. 왼쪽에 대각선으로 가로지르는 다리는 작품의 구성을 보다 극적으로 만들고, 긴장감과 불안감을 고조시키고 있습니다. 작 품 상단의 노을과 바다의 구불구불한 패턴은 뭉크가 자주 사용했던 패턴입니다. <절규>, <칼 요한의 거리> 등 많은 작품에 서 일렁이며 붉게 타오르는 패턴을 찾아볼 수 있습니다

전시장 중앙 검정색 벽에 사람들이 몰려있다.

마치 르부르 박물관 모나리자가 전시되어 있는 공간이 생각나는데...

| 절규 (1895)

표현주의는 19세기 말에 급진적으로 발달한 산업화의 영향으로 사회가 불안정해지자 작가들이 보여지는 것을 그대로 담는 것 을 거부하고 자신의 내적인 감정을 작품에 표현하게 됨에 따라 생긴 예술 사조입니다. 표현주의 작가들은 자신의 주관적인 감 정과 시각을 왜곡된 형태와 강렬한 색채로 작품에 담아냈고, 그 중심에는 뭉크가 있었습니다. "내가 기억해 낼 수 있는 지난 시간들 내내 나는 깊은 불안감으로 고통을 겪어 왔고, 내 예술을 통해 그것을 표현하고자 했 다"는 뭉크의 언급을 상징적으로 보여주는 작품 '절규'는 표현주의를 넘어 현대미술을 대표하는 작품입니다. 

에드가르 뭉크의 절규 작품은 템페라, 크레용, 석판화, 드로잉 등 약 50개의 버전이 있습니다.
이번 전시에서는 석판화 위에 뭉크가 직접 채색한,  전 세계에 단 2점뿐인 ’절규‘를 한국 최초로 전시되었다고 합니다.

A3 용지정도의 사이즈 그림 면적은 A4보다 약간 큰 상당히 작은 사이즈의 작품...

전시된 '절 규'는 석판화 위에 뭉크가 직접 채색하는 재작업을 통해 판화를 독특한 예술 작품으로 재탄생시킨 대표적 사례입니다. 이러 한 재작업은 수정, 유약, 불투명한 액센트를 추가하는 것부터 새로운 그림 요소를 도입하는 것까지 다양한 방식이 존재합니 다. 핸드 컬러드 판화 라고도 불리는 이 방식은 판화 위에 다시 채색하여 작품의 독자성을 부여한 것으로 뭉크가 최초로 시 했습니다. 유화와 마찬가지로 단 한 작품씩 밖에 존재하지 않기 때문에 희소성이 매우 높습니다. 핸드 컬러드 판화 버전의 절 규는 전 세계에 단 두 점이 존재하는데요, 전시된 :절규'는 노르웨이의 라이탄 패밀리 컬렉션이 소유한 작품입니다. 또 다른 하 나는 노르웨이 뭉크 미술관이 소장하고 있습니다.

뭉크는 죽음에 대한 작품들을 많이 작업하였고, 그 작품들이 그의 스타일과도 잘 맞는데, 이 작품들은 뒤 별도 섹션에서...

이번 ''에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회'에서는 동일 제목의 작품들이 이렇게 여러 공간에 분산되어 있는지 잘 이해하지 못하겠다는...

뭉크의 뱀파이어 연작들...

난 뭉크의 뱀파이어 작품들 중에서 맨 위 흑백과 아래 작품이 가장 좋더라...

섹션5 : 공포와 죽음

개인적으로 너무나도 느낌이 좋았던 뭉크의 연작 병든아이...

이전 공간에서도 뒤에서도  만나볼 수 있는데, 이 작품을 한 곳에 다 모아서 보고 싶다는... 작품들이짠 함

섹션6 : 풍경

| 눈 속의 거친 나무줄기 (1923)

뭉크의 작품에서 풍경은 단순한 배경 이상의 의미를 지닙니다. 마치 주변 환경이 그 안에 있는 사람들의 내면의 풍경을 흡수 해 우울함, 그리움, 삶에 대한 열정과 낙관주의, 또는 불안으로 가득 찬 비명을 자연을 통해 내뱉는 것처럼 느껴집니다. 그 의 작품 속 풍경이 뭉크 자신의 경험과 감정을 듬뿍 머금고 있기 때문입니다. 뭉크는 숲, 해안, 바다, 피오르 등 자신이 머물던 장소들과 계절에 따른 폭풍우나 눈이 온 풍경을 많이 남겼습니다.

당시에 는 지구가 새로운 빙하기에 휩싸일 것이라는 두려움이 만연했습니다. 뭉크는 열렬한 신문 독자였고, 때문에 눈과 얼음에 대 한 표현이 그의 걱정을 어느정도 담고 있었을 것입니다. 뭉크의 겨울 풍경에는 노르웨이의 길고 어두운 겨울의 신비로움과 자연에 대한 경이로움이 담겨 있습니다. 우리 앞의 작품 < 눈 속의 거친 나무줄기>는 혹독한 추위 속에서도 끄떡없이 튼튼한 나무 줄기가 담긴 광활한 풍경이 펼쳐집니다. 뭉크 특유 의 대담하고 표현적인 붓놀림으로 완성된 이 작품은 거부할 수 없는 자연현상 속에서도 굳건히 자신의 자리를 지키는 자연 의경이로움을 느낄 수 있습니다.

섹션7 : 누드

여자의 세 시기, 스핑크스 작품은 컬러도 있더라는... 이작품도 뒤의 별도 섹션에서...

두 점의 여성 누드작품...

| 무릎을 끓은 여성 누드 (1919)

1902년부터 그의 사망 직전까지 뭉크는 스튜디오에서 인물 누드화를 다수 제작했습니다. 노르웨이로 돌아온 1909년 부터 는 동거인부터 가정부까지 많은 모델을 정기적으로 고용해 작품활동에 매진했습니다. 뭉크는 모델과의 신뢰와 개인적인 유대 를 쌓는 것을 중요하게 생각했는데요, 모델의 개인적인 특성을 작품으로 표현하고 싶어했기 때문입니다. 이런 뱅크의 특징 은 초상화에서도 동일하게 적용됩니다. 인물을 그대로 옮기는 것에 그치지 않고, 대상이 되는 인물의 개인적인 특성과 감정 을 담고자 했습니다. 뭉크는 종종 '인간은 두려움과 고통을 느끼는 외로운 존재' 라는 것을 표현하기 위해 긴 머리를 늘어트린 여성 누드를 보여주 기도 했습니다. <무릎을 끓은 여성 누드>는 그 연장선에 있는 작품입니다.

아래 누드는 뭉크의 누드 같더라는... 아이들도 이렇게 표현되다니.. 제목이 해변의 두 소년인데...

섹션8 : 마돈나

이번 에술의 전당 ''에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회'에서 가장 마음에 들었던 섹션, 그리고  보고 싶었던 작품 마돈나 연작...

뭉크는 평생 독신으로 살았지만, 뭉크의 삶과 작품에 큰 영향을 미칠 만큼 각별했던 세 여인이 있습니다.
‘키스’, ‘뱀파이어’, ‘마돈나’ 등 뭉크의 또 다른 걸작으로 꼽히는 작품 모두 뭉크가 실제로 사랑했던 세 여인을 모델로 했다고 합니다.

| 붉은 머리와 초록 눈동자의 여자. 죄악 (1902)

<붉은 머리와 초록 눈동자의 여자. 죄악>은 1902년 가을, 베를린에서 제작된 것으로 추정됩니다. 세기말의 상징주의 예술가 들 사이에서 붉은 머리와 초록 눈동자는 전형적인 "팜므파탈"의 모습으로 나타납니다. 이 작품 속 여인은 뭉크가 4년간 교제한 여인 불라 라르센이라고 알려져 있습니다. 뭉크와 툴라의 연인 관계는 이 무렵에 종지 부를 찍었기 때문입니다. 툴라는 뭉크와 수 년간 친밀한 관계를 유지한 여인이었습니다. 뭉크와의 결혼을 원했던 툴라는 밍크 에게 집착했고, 뭉크는 그녀와의 관계를 끝내고 싶어했습니다.

폭풍우 치는 어느 날 밤, 뭉크의 친구들은 툴라가 죽어 가고 있 다는 거짓말로 뭉크를 그녀 앞에 데려갑니다. 그곳에서 죽은 줄로만 알았던 툴라가 갑자기 일어나 뭉크에게 결혼해 줄 것을 협 박했고, 그녀가 들고 있던 권총의 방아쇠를 당깁니다. 뭉크는 가운데 손가락에 총상을 입게 되고, 그들의 관계도 끝이 납니다. 아마도 이 작품의 실제 주인공은 작품을 제작할 당시 베를린에서 고용한 이름 모를 모델일 것입니다. 뭉크는 작품을 완성하 고 난 후 툴라의 모습을 덧붙이면서 작품을 해석하는 새로운 관점을 제시하고, 상징적인 의미를 가미했을 것으로 보입니다.

뭉크의 마돈나를 여성과 죽음, 특히 섹슈얼리티와 죽음을 연관하려고 하는 평들이 많지만, 나는 그냥 이 느낌이 좋다. 이번 아트샵에 예술의전당 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회'에서 만나볼 수 있는 10여점의 마돈나 작품으로 굿즈를 만들었다면 바로 지갑을 열었을 듯...

아래 마돈나도 너무 좋다.

섹션9  : 만남

| 질투 I (1896)

<질투>는 뭉크가 베를린의 예술가들과 지식인들의 친목사회에서 일어나는 사랑과 질투의 극적인 순간에서 영감을 받았습니 다. 한 남자는 우리를 응시하고, 뒤 편으로 남녀 한 쌍이 야릇한 모습을 보이고 있습니다. 우리는 이 장면을 통해 두 남자 와 한 여자, 그 사이에서 벌어지는 "질투"의 감정을 즉각적으로 느낄 수 있습니다. 이 작품은 뭉크 자신의 이야기이기도 합니다. <크리스티아니아 보헤미안 그룹'에서 만난 여성 멤버였던 다슈니 유엘은 뭉크 를 비롯해 같은 그룹의 멤버였던 아우구스트 스트린드베리, 스타니 프시비셰프스키와 4각 관계였습니다.

결국 스타니 프시비 셰프스키와 결혼을 하면서 이 사각관계는 종결되었고, 뭉크는 그녀로부터 상처 입은 자신의 감정을 작품으로 표출합니다. 우 리 앞에 있는 작품 <질투>에서는 불 같은 질투를 하는 자신을, <이별>에서는 사랑하는 여인을 떠나보내는 절망스러운 이별 의 순간을 묘사했습니다. 때로 뭉크의 판화는 그가 제작한 회화보다도 높게 평가되기도 했는데요, <질투>는 유화보다 더 높은 완성도를 보여주는 대표 적인 작품입니다.

섹션10  : 두 사람, 외로운 이들과 다리  위의 소녀들

| 두 사람. 외로운 이들 (1899)

이 작품의 배경은 뭉크의 여름 별장이 있었던 아스가르스트란드의 큰 바위가 위치한 독특한 해안입니다. 작품에서 뭉크는 명 암 대비를 통해 두 남녀를 상반된 모습으로 표현했습니다. 남자와 여자는 서로 가까이 있지만, 두 사람 사이의 거리는 극복 할 수 없는 것처럼 보이며 각각 홀로 서있습니다. 이 작품은 가장 실험적인 독특한 판화 시리즈 중 하나입니다. 뭉크는 판화 작업에서 자신의 기술을 발전시키려 실험적인 기법을 시도했고, 이러한 시도는 작품의 다채로운 변주를 만들 어 냈습니다. 

뭉크는 판화 작업을 단순화하기 위해 목판을 조각 내어 사용했습니다. 조각 낸 각 부분을 각기 다른 색깔의 잉크 로 찍어냈고, 마지막에는 조각을 다시 조합해 한 번 더 찍어냈습니다. 또한 부분적으로 수작업으로 채색하여 수많은 색채의 조 합을 탄생시켰습니다. 이 변주들은 주인공 사이의 미묘한 관계를 전달하고 다양한 풍경을 펼쳐 보입니다.

섹션11 : 초상화

| 잉에르 바르트 (1921)

뭉크는 한 인물을 대상으로 서로 다른 기법과 형식을 적용한 두 가지 이상의 초상화를 그리거나, 몇 년의 간격을 두고두 가 지 이상의 변형된 초상화를 그렸습니다. 1921년 작품 '잉에르 바르트'는 두 가지 변형으로 그려진 초상화 중 하나입니 다. 이 작품은 강렬한 색채, 과감한 붓터치, 투명하게 비치는 물감으로 인한 캔버스 본연의 물성이 여실히 드러납니다. 같은 시 기에 그려진 또 하나의 초상화는 좀 더 따뜻한 색감을 사용하고, 뭉크의 스타일을 반영하고는 있으나 조금 더 무난한 분위기 로 제작되었습니다

이 말은 그렇게 마음에 들지 않더라는...

섹션12 : 급진적 혁신가

| 키스 (1921)

에드바르 뭉크의 예술적 가치를 대표하는 걸작인 1921년의 <키스>는 뭉크가 가장 중요하게 생각하고, 지속적으로 작품화 한 모티프 중 하나입니다. 인 작품입니다. 이 작품은 이성과의 친밀하고 인간적인, 부드럽고 달콤한 순간의 감정을 함축적으 로 담았습니다. 1892년의 <키스>와 비교하면, 작품의 주인공들은 더 이상 창문 앞 실내에 있지 않습니다. 달빛이 비치 는 숲 속이나 한밤중 해변가와 같은 야외에서 키스를 하고 있습니다. 붓놀림은 더욱 개방적이고, 화면 전체를 구성하는 굵 은 선은 키스하는 커플과 배경 장면을 추상화합니다. 한 덩어리로 녹아든 남녀, 물에 비친 달빛, 투명한 색채가 작가의 완성 된 표현력을 보여줍니다.

섹션13 : 목판화와 실험

| 해변의 두 여인 (1898-1915,1917)

이 작품은 다양한 판화 기법이 한 화면에 표현된 놀라운 작품입니다. 뱅크는 목판화 위에 종이 스텐실과 리놀륨 판을 추가하 고, 마지막으로 손으로 채색해 회화적 요소까지 가미한 작품을 제작했습니다. 색상, 형태, 구도를 실험하는 것을 좋아했던 붕 크는 스텐실을 사용하여 태양과 태양이 반사되는 회화적 요소를 이 작품에 접목했습니다. 

'해변의 두 여인'에서는 흰색 드레스를 입은 젊은 여성이 앉아있는 검은색 여성 옆에 서 있는 모습이 대조적으로 묘사되어 있 습니다. 서 있는 실루엣의 여성은 고독한 여인의 모습이지만 우리를 향해 거의 90도로 돌아서 있습니다. 해골 같은 머리 를 한 앉은 노파는 그녀와 하나의 형태로 보이지만, 젊음과 늙음, 처녀와 과부, 삶과 죽음의 대비를 표현하는 상반된 한 쌍으 로 표현되었습니다.

| 숲을 향해서 11 (1915)

뭉크는 말로 표현하기 어려운 인간의 기분, 느낌, 감정에 대한 시각적 표현을 만들어내는데 뛰어난 재능을 가진 화가입니 다. 뭉크에게는풍경화도 감정과 마음을 투영하는 공간이었는데요, 그의 내면의 감정을 흡수한 풍경화들은 우울함, 그리움, 삶 에 대한 열정, 또는 불안으로 가득 차 있습니다. 특히 인물이 있는 풍경화 속의 자연은 인간의 심리 상태를 보여주는 큰 역할을 합니다. <숲을 향해서 11 >에서는 울창한 나 무 덤불이 임박한 연인 관계 또는 꺼져가는 사랑을 의미하는 배경으로 사용되었습니다. 이 작품에서 목판의 나뭇결은 안개 나 어스름처럼 보여 작품의 분위기를 더욱 선명하게 나타내는 역할을 합니다

뭉크의 다른 키스 작품들...  구스타프클림트의 영향을...

| 머리카락에 키스를 (1915)

목판화는 판화 기법 중 가장 오래된 방식입니다. 뭉크는 이 전통적인 목판화에 대한 매체 실험에도 힘을 쏟았는데요, 나무 의 질감을 강조한 표현 기법에 집중했습니다. 그 실험은 모티프가 사라질 때까지 이어졌고, 1915년 작품 '머리카락에 키스 를'에서 그의 실험을 확인할 수 있습니다. 마침내 모티프가 사라지고 색과 질감으로 표현된 나무판의 순수한 물성을 표현한 물 질적 판화가 완성되었습니다.

뭉크는 나무의 나이테를 통해 자연이 창조한 미적 잠재력을 보여줍니다. 뭉크의 목판화에서 원재료의 존재감은 자연 구조의 재현을 의미할 뿐만 아니라 나무의 성장에 따른 무작위적 디테일로 표현되 는 시간을 의미하기도 합니다. 나뭇결은 자연의 흔적인 동시에 그림의 배경으로 창작 과정을 자연의 배경과 결합시킨 물질적 인 특성을 내포하고 있습니다.

섹션14 : 말년과 뭉크의 자화상

이번 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회' 작품으로는 마지막 전시공간...

| 붉은 집 (1926-1930)

뭉크가 사망한 후 그의 작업실을 조사 결과, 많은 캔버스가 썩고 구멍이 가득한 상태로 발견되었습니다. 많은 작품의 물감 과 바탕이 벗겨지고 씻겨 내려갔으며, 짙은 물자국과 곰팡이 얼룩이 가득했습니다. 한 작품은 표면의 절반이 새 배설물로 덮 여 있기도 했습니다. 당시 뭉크의 작품을 담당한 보존 관리자들은 뭉크가 작품을 다루는 극단적인 처리 기법인 '로스쿠 어'에 대해 관심을 기울이지 않았습니다. 작가가 의도했던 작품에 발생한 "손상"은 사진으로 기록되지 않은 채 초기 복원 작 업을 거치게 되었습니다.

뭉크는 자연의 창조 방식을 모방했을 뿐만 아니라 실제로 자연에게 창조를 맡기면서 로스쿠어를 통해 우연이라는 요소를 예 술 작품에 도입했습니다. 곰팡이 얼룩, 물과 녹의 얼룩, 작품의 구멍이나 균열은 회화적 과정의 일부로서 흔적을 드러냅니 다. 이 부패의 과정은 시각적 표현의 일부, 즉 작품의 일부입니다. 자연스러운 과정은 때때로 그림이 파괴될 때까지 진행되 며, 뭉크는 로스쿠어를 창작 과정의 계산된 요소로 설명합니다. 우리 앞에 있는 작품 '붉은 집'은 뭉크가 실험한 '로스쿠어'의 흔적을 가지고 있습니다. 작품의 오른쪽 하단 모서리에서 새 배 설물의 흔적을 발견할 수 있으며, 그림 표면 전체에 분포된 작은 곰팡이 반점도 발견할 수 있습니다.

| 자화상 (1940-1943)

말년의 뭉크는 고독과 노화라는 주제에 점점 더 집중했습니다. 말년에 그린 이 자화상 속 뱅크는 삶의 의지를 잃은 시선으 로 흐릿하게 정면을 바라보고 있습니다. 입술은 힘이 없어 벌어졌고, 몇 가닥 남지 않는 머리는 제멋대로 뻗쳐 세월의 흐름 을 통감하게 합니다. 상체는 갈비뼈가 들여다보이고, 자세는 구부정하여 기력이 없습니다. 작품 속 뭉크의 신체는 여러 조각으 로 나누어지고, 투명해져 죽음을 향하고 있음을 암시합니다.

이 작품 속에서 뭉크에게 죽음은 두려운 존재입니다. 그의 그림자는 밝은 빛을 향하고 있지만, 늙은 자신는 여전히 어둠 속 에 있습니다. 화면을 구성하는 색채의 불협화음은 죽음이 다가오고 있음을 직감하면서도 삶을 붙잡고 싶은 복잡한 마음을 반 영하고 있습니다. 뭉크에게 죽음이라는 주제는 특별한 의미입니다. 뭉크는 자신의 주변에 질병과 죽음이 도사리고 있다는 트라우마를 지닌 상태 로 삶을 살았고, 가족의 죽음으로 인한 슬픔과 공포는 작품의 주제가 되어 수많은 작품으로 남겨졌습니다. 이 자화상에도 여지 없이 죽음의 그림자가 주변을 맴돌고 있습니다. 이 자화상을 완성하고 얼마 후, 뭉크는 1944년 1월 23일 에켈리의 자택에서 사망했습니다.

멀티미디어 룸

개인적으로는 뭉크의 작품감상 보다는 이를 배경으로 추억사진 남기기 좋은 곳...

뭉크 전시회가 끝나면 출구 앞에 뭉크의 작품들로 만들어진 기념품을 굿즈를 판매하는 아트샵이 위치하고 있습니다.

예술의 전당 에드바르 뭉크 전시회 아트샵 및 예약, 주차장, 도슨트 등의 정보는 아래 지난 포스팅 참고하세요.

예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있는 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림' 전시회 정보입니다. 워낙 언론사 등에서 집중적으로 홍보하고  있어 주말 관람객이 난리도 아닌데요.

오늘은 뭉크 전시회 예약 및 얼리버드 할인정보, 도슨트 및 오디오가이드, 주차장, 주차요금 할인, 뭉크전시회 아트샵 및 굿즈,  전시회 웨이팅 등 관련정보 공유합니다.

뭉크 전시회를 200% 즐겁게 관람하기 위한 꿀팁 대방출...

뭉크 전시회 티켓예약 및 할인, 얼리버드 정보

| 현재는 할인 없음 정가구입 하셔야

이번 전시회는 2회에 걸처 얼리버드 티켓팅이 선착순으로 진행되었습니다. 저는 1차 예약을 통해 50% 할인된 10,000원 가격에 뭉크전시회 관람을 했는데요. 현재는 별도의 티켓할인 프로모션은 없습니다. 정가인 20,000원 모두 내시고 관람하셔야 합니다.

| 예약보다는 현장발권이 유리

이번 에드바르 뭉크 전시회 예약은 일반적으로 전시회 기간동안에 사용이 가능한 예매방식이 아닙니다. 마치 공연이나 영화 예약과 같이 방문일자를 지정하고 예매해야 합니다. 예매 취소도 당일 취소는 불가능하니, 개인적인 일이 생기면 티켓가격만 날리게 되네요. 차라리 관람당일 현장 예매를 하세요.

어차피 사전예약  고객도 발권해야 하는데요. 현장구매자나 사전예약자나 구분된 발권창구가 없습니다. 결국 당일 먼저 방문한 사람이 먼저 티켓팅 하는 시스템.

뭉크전시회 웨이팅 정보 및 빠른 입장팁

| 발권부터 입장까지 최소 30분 최대 1시간

제가 방문한 25일 토요일 오후 기준입니다. 발권에 약 20분, 입장대기에 약 20분 정도 소요 되었는데요. 제가 관람을 마치고 나오니, 입장 대기줄이 배 이상 늘었습니다. 오픈 초기여서 관람객들이 몰리는 것도 있지만,  뭉크전시회 입장 대기에만 최소  30분 생각하셔야 합니다.

| 빠른 입장팁 > 각자 대기줄에...

발권줄과 입장줄이 나누어 있습니다. 즉 뭉크전시회 티켓 발권하는 동안 전시회 입장 대기줄도 계속 길어지는 시스템인데요. 일행이 있다면 한 사람은 발권을 다른 한사람은 입장줄에 서 있으면 시간 단축이 가능합니다.

전시장 안에도 관람객들이 상당히 많고요. 다름 작품으로 이동하는데에도 상당히 힘드네요. 오히려 여유있는 관람을 위해서 다음달 말 이후에 방문하는 것도 좋은 팁일 것 같습니다.

뭉크 전시회 도슨트 및 오디오가이드

| 뭉크 전시회 도슨트 없음

아쉽게도 이번 예술의전당 에드바르 뭉크 전시회 도슨트는 운영되지 않습니다. 아마도 관객혼잡 등의 이유가 있겠지만 이보다 더 사람들이 몰렸던 전시회도 평일 도슨트는 진행되었던 것으로 기억하는데요. 이 부분은 뭉크를 좋아하는 저에게는 상당히 아쉬운 부분입니다.

| 현장 오디오가이드 대여 (3,000원)

이번 예술의전당 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회'는 현장에서 오디오가이드 유료 대여가 가능합니다. 가격은 3,000원으로 전용 오디오가이드 기기와 이어폰을 대여받을 수 있습니다만, 별로 추천드리지 않습니다. 특히 남이 사용하던 이어폰 사용하고 싶지는 않네요.

| H.Point 오디오 가이드 추천

요즘 현대에서 문화예술 오디오가이드 신경 많이 쓰네요. 이번 뭉크전시회 오디오가이드도 H.포인트앱 오디오갤러리에서 이용이 가능합니다. 물론 3,000원 요금은 동일합니다만, 내 기기와 내 이어폰을 사용한다는 부분과 전시장 방문 및 발권 여부와 상관없이 이용이 가능한 부분이  더 큰 매력입니다.

| 에드바르 뭉크 전시회 사진촬영

이번 전시회 관람사항은 다른 전시회와 비슷하게 일반적인 가이드라인이 제공되고 있습니다.

에드바르 뭉크 전시 사진촬영은 스마트폰 촬영만 허가됩니다. 카메라나 삼각대, 짐벌, 셀카봉 등의 촬영 도구는 사용할 수 없습니다. 플래시 사용금지는 너무 당연하고요.

그리고 특이사항은 필기구와 함께 아이패드 애플펜슬과 갤럭시탭 S펜도 반입금지 입니다. 

참고로 전시장 작품의 상당수가 유리나 안전장치 없이 액자에 끼워있거나 출입금지 라인이 없습니다. 뭉크의 작품이 상대적으로 작아서 가까이 다가가지 않으면 작품 디테일 감상이 어려운 이유라고 생각되는데요. 이러한 이유로 작품 보호을 위해반입금지 한 것이 아닐지....

뭉크 전시회 포토존

예술의전당 한가람미술관 1층 밖에는 대형 뭉크 현수막이 있습니다. 이 앞에서 사진촬영 하시는 분들 많네요.

| 입장 대기줄

실내에는 에드바르 뭉크 대표작 절규 작품속 얼굴을 관람객 얼굴로 변경해서 촬영할 수 있는 공간과 대형 사인을 배경으로 사진촬영 가능한 뭉크 포토존이 준비되어 있습니다.

| 전시장 실내

예술의 전당 뭉크 전시회장 실내에도 다양한 포토존이 준비되어 있습니다. 뭉크의 명언등이 있는 공간이나 멀티미디어 룸이있어 뭉크의 작품들속에 사진 촬영이 가능한 포토존도 꼭 찾아보세요.

아쉬운 뭉크 전시회 아트샵 굿즈

굿드 구성은 상당히 아쉽네요. 너무나 일반적인 상품들과 퀄리티도 그렇게 좋지는 않습니다. 다소 실망, 돈 내고 사고 싶은데도 지갑 열릴만한 뭉크 전시회 굿즈는 없네요.

꼭 산다면 뭉크 도록 정도...

에드바르 뭉크 전시회 주차장 및 주차요금 할인

항상 주말 예술의전당 주차장은 만차입니다. 가장 접근성 좋은 비타민스테이션 주차장은 접근조차 못 하고요. 주차장도 만원이어서 동선을 지하로 내려가게 막아 놓았네요.

주차장은 만차입니다. 사이드 주차까지 난리가 아니네요. 

| 예술의 전당 주차요금

에드바르 뭉크 전시회 주차요금은 예술의전당 기준을 따릅니다. 무료 주차는 없고요 평일에는 전시관객은 3시간 기준 4,000원, 주말에는 할증이 있서 3시간에 6,000원 주차요금이 부과됩니다.

아쉬운 점은 전기차나 하이브리드 차량과 같이 친환경차량 할인은 중복적용되지 않습니다.

| 예술의전당 주차요금 할인 방법

예술의 전당 곳곳에 사전 주차요금 정산기가 비치되어 있고요. 차량번호입력 후 할인처리하시면 됩니다.

주차요금 할인은 예술의전당 에드바르 뭉크 전시회 티켓에 인쇄되어있는 바코드를 주차정산기에 인식하면 됩니다.

조만간 뭉크 전시회 관람후기 포스팅 공유할께요

지난 주말에 가족과 함께 오랜만에 예술의전당 전시회 다녀왔습니다. 이번에는 구름빵, 달샤베트로 유명한 세계적인 동화작가이자 일러스트레이터인 백의나 그림책 전시회 보고 왔는데요.

오늘은 이번에 새로 출고한 쏘렌토 하이브리드를 타고 다녀 왔습니다. 하이브리드차량은 2종 저공해 차량으로 공공주차장 주차요금 할인이 가능한데요.

오늘은 예술의 전당 주차요금 및 저공해차량 할인정보 공유합니다.

| 예술의전당 오페라주차장 / 비타민스테이션 주차장

예술의 전당 주차장은 크게 오페라극장과 한가람미술관 구역과 음악당 구역 주차공간으로 구분되어 있습니다. 저희는 보통 전시회 관람이 많아서 오페라 주차장을 종종 이용합니다. 이곳 가장 명당은 사진 아래 왼쪽의 비타민 스테이션 주차장이지만 워낙 주차 공간이 적고 상당수는 장애인 주차장으로 구성되어 있어 운이 따라야 주차가 가능합니다. 다만 여름철에는 지상 주차장보다는 조금 돌더라도 그늘진 주차공간을 찾아 보세요. 

| 예술의전당 주차요금

주차요금은 평일과 주말 (공휴일) 주차요금이 상이합니다. 특히 주말과 휴일에는 1.5배 혼잡할증이 부과됩니다. 그래도 차가 너무 많으니... 기본 10분에 1,000원 주말에는 1,500원입니다. 전시장 방문 고객은 티켓 바코드 확인하면 평일 3시간에 4,000원, 주말 공휴일에는 6,000원 주차요금이 부과됩니다.

| 예술의 전당 주차요금 할인 방법

전시회 관람 고객은 사전 주차요금 정신가에서 티켓 뒷면의 주차할인 바코드를 스캔하면 예술의전당 주치장 할인이 가능합니다. 

| 예술의 전당 주차요금 저공해차량 할인 불편

예술의전당은 공영주차장으로 정부에서 정한 주차요금 감면조건이 적용됩니다. 저공해 차량의 경우 50% 할인이 가능한데요. 아쉽게도 할인요금의 50%할인이 아닌 정가의 50% 할인입니다.

또한 주차요금 자동정산기에서 정산이 불가능하고 주차장 출구에서 직원분 확인하거나 스피커폰을 통해 통화 후 예술의 전당 주차요금 저공해차량 할인이 가능합니다.

저는 하이브리드 차량으로 주차요금 50% 할인이 가능한데요. 아래와 같이 6,000원에서 3,700원으로 예술의전당 주차요금 할인받고 출차했네요

2004년 첫 창작 그림책 '구름빵'으로 2005년 볼로냐 국제 아동 도서전에서 올해의 일러스트레이터로 선정된 후 달 샤베트, 어제저녁, 장수탕선녀님, 알사탕, 이상한 엄마 등의 그녀만의 독특한 기법으로 선보이는 어린이동화작가인 백희나 그림책전 관람후기 입니다.

백희나 작가의 그림책을 한 컷이라도 봤다면, 꼭 봐야할 전시회로 추천 합니다. 책속에 나온 실 공간을 만나볼 수 있는...

| 백희나 그림책전 전시정보

이번 전시회는 2023.10.08.(일)까지 서울 서초동 예술의전당한가람디자인미술관에서 열리고 있습니다. 특히 이번 전시회는 백희나 작가의 첫 전시회로 그동안 작업한 그녀의 대표 동화작품의 실 무대 및 스케치, 캐릭터와 영상 등 그녀의 그림책 밖 작품 디테일을 만나볼 수 있는 기회입니다.

| 관람요금 및 할인

정가는 성인 20,000원 / 유아·어린이·청소년 15,000원 / 36개월 미만 무료입니다. 예술의 전당 기본 할인조건 및 알사탕, 장수탕선녀님, 이상한 엄마 등 백희나 작가의 뮤지컬 티켓소지자도 2,000원 할인됩니다만, 아직 통신사 등 프로모션 할인은 없습니다. 다만 저는 백희나 그림책전 얼리버드 티켓팅을 통해 40% 할인된 가격인 12,000원에 관람 했습니다.

| 백희나 그림책 전시회 사진촬영 불가

이번 전시회는 마지막 포토존을 제외하고는 사진 촬영이 금지되어 있습니다. 이 공간을 지나면 마지막 포토존 전까지는 작품에만 집중하세요. 그리고 도슨트는 없습니다. 다만 아이들을 위한 어린이 도슨트 및 체험 프로그램은 활발하게 진행되고 있습니다.

아쉽게도 전시장 내부는 사진촬영이 금지되어 있습니다. 정말 말로 설명히기 어려운 백희나 작가의 독특하고 다양한 작ㅍ무들을 만나볼 수 있습니다. 아래는 예술의전당 오피셜 사진인데요. 작품속 무대작품들과 작품 스케치는 물론 작품의 배경을 콘셉으로 구성한 공간도 있어 감상하는 재미가 배가됩니다.

장수탕 선녀님 전시 공간은 전체를 목욕탕처럼 꾸미고 목욕탕 의자에 앉아 작품 하나하나를 감상할 수 있는 재미도...

이번 백의나 그림책 전시회 뒤에서 두 번째 마지막 공간

버들도령 버들도령 연이 나왔다. 문열어라...

백희나 작가의 2022년 신작인 연이와 버들도령을 영상화한 작품공간입니다.

연이와 버들도령은 '모설화의 한 유형으로 엄동설한에 나물을 구해 오라며 계모에게 쫓겨난 의붓딸이 초인적인 도령을 원조자로 만나 시련을 극복한다는 민담인데요.

백희나 작가만의 방식으로 해석한 작품은 어떨지...

| 백희나 그램책전 마지막공간 포토존

이곳은 작가의 대표작품 캐릭터와 공간을 실물크기로 구성하여 작품속 등장인물과 함께 사진촬영이 가능한 공간입니다. 토요일 오후여서 그런지 아이들과 함께 가족단위 방문객들이 많았는데요. 다 이곳에 있네요.

2020년 아스트리드 린드그렌상 수상작이자 그녀의 대표 작품 중 하나인 달 샤베트 공간...

2022년 보스턴 글로브 혼북, 2020년 아스트리드 린드그렌상 수상작이자 백희나 작가의 세 번째 작품인 어제저녁

이번 예술의전당에서 열린 백희나 그림책전에서 가장 인기 많은 공간인 알사탕 포토존... 우리는 사진찍기 포기!!!

| 백희나 그림책전 아트샵

다른 전시회에 비해 아트샵에 관람객이 많네요. 아이들 손잡고 삼삼오오

아빠들은 긴 주매줄 서있고. 엄마와 아이들은 뭘 더 살지 돌고돌고 @@@

백희나 그림책 '나는 개다' 

이 티셔츠 엄청 땡기는... 살까말까... 사이즈는 있을까... 고민하다가 포기... 집에온 지금도 고민중...

엽서와 인형 코너에는 아이들이 바글바글... 어른인 나도 사고 싶은데, 아이들은 오직할까...

조금 아쉬운 부분은 성인 방문객을 위한 기념품이 많이 없네요. 아리 틴케이스와 마그넷 정도

성인 관람객 위한 문구소품도 있었으면 지갑 더 열었을 듯... 중딩 딸아이는 틴케이스로~

이번 예술의 전당 백희나 그림책전 마지막 공간은 영상으로 작가분이 읽어주는 그녀의 동화책

앞자리는 아이들에게 양보를...

아이들이 있는 곳에 먹을 것이 빠질 수 없네요.

가장 많이 모여있는 공간입니다. 기계가 자동으로 만드는 솜사탕 기계

그렇다고 구름빵 솜사탕이 나오는 것은 아니고요. 다른곳에서도 볼 수 있는 모양의 솜사탕입니다. 가격은 6,000원

여기는 아이스크림 자판기, 샤베트 들이 있는데, 대표는 백희나 작가의 달샤베트와 비슷한 모양과 디자인의 망고샤베트, 그리고 몇몇 샤베트가 있는데요. 정작 식구들이 먹고싶어했던 스트로베리 샤베트와 애미멀쇼콜라, 레인보우팝은 품잘~

수박 샤벳과 쿠키앤크림 두 개 주문했네요. 가격은 4,200원과 4,500원

예술의 전당 한가람미술관에서 열리고 있는 세계적인 그래피티 작가이자 흘러내림 (Liquidation) 기법으로 독창적인 작품세계를 선보이고 있는 제우스 (ZEVS) 전시회인 '룸 711 (Room 711) 전시회' 관람후기 입니다.
상당히 독특하면서 강한 메시지를 보여주는 상당히 매력적인 서울 전시회로 추천합니다.

| 제우스 전시회 룸 711 정보

이번 전시회는 예술의전당 한가람미술관 2층에서 열리고 있으며,
전시 기간은 2023.04.13 ~2023.07.06까지입니다. 입장권가격은 성인 기준 15,000원이며, 현재 할인 프로모션은 없는 것 같습니다.

| 도슨트 및 관람 시간

아쉽게도 이번 룸711 전시회는 도슨트나, 오디오 도슨트, 디지털 가이드기기 지원하지 않습니다. 다만 작가의 작품의 메시지가 명확하고 주요 작품에는 설명이 있어 관람에 큰 어려움은 생기지 않습니다.
제우스 개인전 관람소요 시간은 개인차가 있겠지만 90분 전후 생각됩니다. 사진촬영 가능

| 총 여섯 개의 섹션

ZEVS 전시회는 총 여섯개의 섹션으로 구성되어 있습니다.
섹션 1과 2는 우리에게도 잘 알려진 그의 작품들로 구성되어 있습니다. 저는 네 번째 색션인 루브르 프로젝트 공간이 가장 인상깊었네요.

이번 전시회 개요와 작가소개
제우스는 프랑스 사벤느 출신으로 파리에서 성장했다고 합니다. 1990년 초 그래피티 아티스트로 활동 중 기차 사고를 겪게 되고 이후 본인의 활동명을 ZEUS 제우스로 칭하고 작품활동을 계속하고 있습니다.

제우스 (야원레 슈바르츠, 수수께끼 같은 전시의 주제인 711호실"은 언뜻 호텔 객실 번호를 떠올리게 한다. 이곳에서 보여지는 모네의 지베르니, 파리와 에펠탑은 여전히 꿈같은 풍경이 아닐까? 제우스는 항상 신화 이야기와 장소를 적절히 활용해 새로운 이야기를 쓰는 것을 속 좋아했다. 그래서 2018년에는 빗의 도시를 상징하는 에펠탑의 조명을 손바닥 위에 올려놓는 '뉘 블랑슈(백야의 날)'을 연출하는 위업을 달성했다.

전시회에서 만나볼 수 있는 퍼포먼스 '에펠 피닉스'에서는 세계에서 가장 신화적인 기념물의 조명을 재프로그래밍하여 별빛이 쏟아지도록 만드는 퍼포먼스이다. 관람 객은 예술가와 함께 파리 박물관의 가장 아름다운 방에 VIP 방문객으로 들어가는 것처럼 유명한 711 호실"에 들어간다. 고전 회화의 재사용과 재맥락화는 제우스의 작업에서 반복되는 관행이지만, 그는 스스로를 "이미지 도둑"이자 도상 파괴자라고 표현한다. 사실 이것은 비밀 코드이다. 전시의 열쇠를 쥐고 ...

[섹션 1] 흘러내리는 로고들 (Liquidation Logos)

지금의 제우스가 있게한 작품들을 만나볼 수 있는 공간입니다. 그의 트레이드 마크임 리퀴데이션 로고 작품들을 만나볼 수 있는 공간으로, 과거 우리나에서열린 '위대한 낙서전'이나 '스트릿 노이즈' 전에서도 만나본 익숙한 스타일의 작품들이 전시되어 있습니다.

제우스가 그의 트레이드 마크라 할 수 있는 리퀴데이션 로고 작업을 시작한 건 2000년대 종반부터였다. 작가의 Liquidation logos에 사용한 브랜드 로고들은 우리에게 너무나도 익숙한 <샤넬 Chanel", *루이비통 Louis Vuiton" 등이 있다. 홍콩의 거리에서 바라본 샤넬의 로고는 그에게 강렬한 인상을 남기며 작품으로 탄생시키는 순간의 아이디어를 제공했다. 반짝이는 홍콩 거리에서 빛나던 샤넬 로고 그것은 아주 신선한 자극으로 다가왔다. 하지만 이것은 단지 그가 그 로고를 좋아해서 였을까? 언젠가는 사라질지도 모르는 브랜드의 로고를 작가의 방식대로 흘러내림으로써 작가는 소비 만능주의를 비판하고자 하는 속내를 작품 속에 드러내고 있다

작품의 느낌은 이러합니다. 사진과 현장에서 보는 맛은 다소 차이가 있다는...

루이비통과 샤넬의 리퀴데이션 작품들... 
과연 대표적인 글로벌 명품 브랜드는 영원할까요? 아니면...

이번 예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있는 룸711 전시회에는 국내 대기업인 삼성, LG, 포스코, 롯데, 기아차, 현대 등의 글로벌 대기업의 로고심볼을 활용한 작품들도 전시되어 있습니다.
아마도 이번 서울 전시회를 기념해서 작업한 작품들로 생각되네요.

또한 스마트폰 모양의 화면을 통해 그의 작품을 동영상으로도 만나볼 수 있습니다.

다음과 카카오도... 
전시가 끝나면 각 회사에 작품이 전시되어도 좋을 것 같네요.

대한민국 대표 글로벌 엔터테인먼트 기업인 SM도 그의 작품으로 표현되었습니다. 하이브나 방탄소년단도 있을까 찾아봤지만 없네요.

전시장 안쪽과 바깥에는 엘지전자 가전제품을 이용한 제우스 작품을 만나볼 수 있습니다만, 어떤 의미가 있는지는 잘 이해하지 못하겠네요.

샤넬과 루이비통 로고심볼을 활용한 제우스의 liquidation 대표 작품들이 전시된 스트릿 노이즈 전시회 후기는 지난 포스팅 참고하세요.

[섹션 2] 진화의 시리즈 (Evolution Series)

데이비드 호크니의 상장이라 할 수 있는 A Bigger Splash가 탄생한 해에 일어났던 자연재해를 상기시키는 작품들이 전시되어 있는 공간입니다.

오이코스는 집, 로고스는 과학과 지식'을 의미하는 그리스어로, 이 공간은 환경적 질문들 탐구하고 인간과 인간의 활동, 환경 간의 관계를 반추한다. 여기서 작가는 불장난을 하는 인간의 표류를 경고한다. 제우스는 대상을 풍자하면서도 그에 몰입하는 그의 작품은 우리의 소비생활 방식에 대한 성찰을 유도하며, 소비 지상주의 사회에 냉소적이면서도 색다른 방식으로 의문을 던진다. 제우스는 대기 오염, 오염된 물, 녹아버린 하 등 세상의 취약함을 드러내는 방식으로 메시지를 던지는 예술가로서의 지위를 확인 시켜준다.

Evolution 시리즈는, 데이비드 호크니의 1967년작 "The Bigger Splash 더 큰 풍덩'과 클로드 모네의 수련 연작에 영감을 받은 작품들을 선보인다. 동일한 캘리포니아 저택을 그린 작품들을 통해, 작가는 화석연료에 기반한 소비주의 사회를 고발할 뿐 아니라 지구의 자원을 남용한 데 있어 인류의 책임을 생각하도록 한다. 언젠가는 사라질지도 모르는 브랜드의 로고를 작가의 방식대로 흘러내림으로써 작가는 소비 만능주의를 비판하고자 하는 속내를 작품 속에 드러내고 있다.

가장 넓은 전시공간 이곳에는 그의 연작들이 전시되어 있습니다.

섹션 2 '진화의 시리즈'에서는 영국의 유명한 현대화가인 데이비드 호크니와 클로드 모네의 수련 작품을 차용해서 작업한 연작들이 전시되고 있습니다. 특히 글로벌 거대 정유회사로 인한 환경오염에 대한 위험성을 작품으로 전달하는...

원유로 검게 물든 모네의 수련

| Shell 연작

그의 작품에서 가장 많이 등장하는 쉘 (Shell)입니다. 아마도 나이지리아 원유유출 등 여러곳에서 지속적으로 발생하고 있는 쉘사의 원유유출과 환경오염을 경고하는 메시자가 담겨있다는 생각입니다.

전시장 한 켠에는 그의 작품을 차용한 조형공간이 마련되어 있습니다.
조금은 섬뜻하긴 하지만 이를 배경으로 제우스 룸711 전시회 인증샷 찍기에는 가장 좋은 장소라는 생각입니다.

에퀴노르 (Equinor / 구 Statoil)은 노르웨이 국영 석유 및 천연가스 회사입니다. 세계 10대 석유 메이저 회사 중 하나로 석유회사의 이름을 지우려고 사명을 변경했다고 합니다.

중국석유(中国石油) 도 그의 소재, 중국 스러운 붉은 건물이 인상적입니다.

다시 쉘로 돌아와서 이 연작이 다수 전시되어 있는데요. 하나하나 이동하면서 보면 마치 쉘 로고에서 흘러나오는 원유가 모네의 수련이 있는 연못을 점점 검게 오염시키는 느낌이 들게 합니다.

다음 공간에는 구글(Google)과 애플 (Apple) 로고를 활용한 리퀴데이션 작품

레오나르도 다빈치와 앵그르 샘의 작품과 결합한 루이비통 로고들...
이번 예술의 전당 제우스 룸711 전시회에서 가장 매력적인 공간으로 입장을 알리는 작품입니다.

바로 붉은 공간으로 이동합니다.

[섹션3] 에펠탑 불사조

제우스는 2018년 프랑스 파리 백야의 날 행사에 프랑스 대표 작가로 선정되어 에펠탑에 기념비적인 공공작품을 만들었다고 합니다. 그의 작품을 영상으로 만나볼 수 있는 공간입니다.

메트로폴리탄 규모의 기념비적인 공공예술은 "HOA (High Artistic ouality)" 측 깊은 예술성을 지닌 작품으로 탄생하기 어렵다. 전기의 시대인 20세기에 탄생한 시각적 작품들은 대게 음항과 빛의 공연, 그저 일종의 쇼로 전락한다. 공연을 즐기는 관객 입장에서는 즐겁지만, 딱히 창의적이라고 표현하기는. 힘들다. 몇 가지 성공 사례는 있다. 이 중에는 Tony Oursler의 비디오 프로젝션 작품 (나무 또는 기념바에 정신병 환자들의 살아있는 표정들을 투영한 작품), 그리고 Doug Aitken의 New York facades (평화롭게 잠을 청하고 있는 사람들의 이미자를 확장시켜 전시한 작품)가 있다. Eiffel Phoenix는 에펠탑을 축하하고 경의를 표하는 제작 현장 그 자체이며, 이 시연은 Delaunay에서 chagall까지 많은 시각 예술가들이 비할 데 없는 에펠탑의 영광을 기렸던 전통의 일부이다. 이러한 기념비적인 작품을 탄생시킨 데에서 오는 더할 데 없는 황출함에서 우리는 존재하는 기술적 리스크와 약간의 기술적 오만함을 논하지 않을 수 없다, 에펠탑의 멸종은, 문명의 멸종을 상징한다. 만연한 생산 주의와 생태계적 재앙 .사이에 위태를게 버티고 있는 우리의 문명 말이다. 현시대의 바벨탑인 에펠탑을 작품화하는 데 있어 ZEVS에게는 한치의 오만함도 찾아볼 수 없다. ZEVS는 오히려 이 작품에 있어 일종의 내부 고발자(Whistleblower)의 역할을 자청했다고 볼 수 있다.

멀티미디어 설치미술로 현재는 직접 관람은 불가능합니다. 영상으로 소개되는 공간
다소 협소하지만 주말 오전이어서 그런지 관람객이 전혀 없어서 편안하게 관람하고 왔습니다.

[섹션 4] 루브르 뮤지엄으로부터 (Louvre Museum)

이번 전시회에서 가장 오랜 시간을 보낸 공간입니다. 2022년 7월 모나리자 작품이 걸려있는 루브르박물관 711번 방에 나타는 제우스는 설치작업? 을 하게 됩니다. 그 엄청난 공간에서 이런 작업을 허용한 프랑스의 미술관도 대단하다는 생각이 듭니다.

황금색 물감은 작품 표면을 지나 액자 밖으로 흘러내린다. 흘러내린 물감은 화면을 어느 정도 가리는 장막을 형성하면서 작품 속 이미지와 관람객 사이의 거리를 부각시킨다. 사물을 가두는 감옥의 창살, 그어진 줄무늬, 숨거나 분리된 커튼 등, 물감 방울들을 해석하는 방식은 다를 수 있지만, 그 뒤를 들여다보는 행위 속에는 부정할 수 없는 관음증이 존재한다. 홈백 젖은 여성의 이미지는 금색 물방울들로 변형된 그리스 신화 속 제우스에 의해 임신한 다나에를 연상시킨다. 성욕으로 가득 찬 눈에는 벌거벗은 젊은 여성들의 몸을 따라 흐르는 것이 "골든 샤워"라는 성적 행위로 해석될 수도 있겠다.

자신이 고안한 방식대로 기업 로고를 흘러내리게 함으로써 금기를 파괴한 제우스는 작품과 그 액자에서 새로운 대상을 찾은 듯하다. 액자는 성벽이 공격으로부터 그 안을 보호하듯, 그림을 침입으로부터 보호하며 그 주체를 영원히 시간 속에 가두는 역할을 한다. 그러나 여기서는 가시 가득한 나무로 뒤덮인 액자로 둘러싸인 채 루이비통의 꽃은 전략적인위치를 점한다. 익숙한 네 개의 꽃잎으로 가시나무의 다섯 있을 압도하며 영역 표시를 해버리는 것이다. 이로 인해 상표로 덮인 대상을 어듭고 뚫을 수 없는 가시나무속 잠자는 미녀로 만들어버린다. 제우스는 그 재능으로 이들에게 각인된 흔적을 치우고는 빛을 가져올 구원자다. 올림푸스 산에서 온 같은 이름의 신처럼 작가는 자신을 여성을 씻기고 정화시키는 골든 샤워로 스스로를 바꾸어 버린다.

오리지널 작품들과 판본들이 함께 제우스의 *홀러내림"을 통해 소비만능주의, 그리고 거장과 럭셔리 브랜드에 대한 우리의 열망에 대해 비판적인 시각을 들이델 것이다 밑에는 오리지널 작품들이, 위에는 표면을 홀러내리는 제우스의 홀러내리는 물감 방울들이 의미에 새로운 충을 더하고, 다른 작품들과 해석으로 연결시킨다.

| 이미지 도둑 루브르 박물관의 마법

"데우스 엑스 마키나 "처럼, 줄에 매달린 인물은 연회의 손님들 사이에 나타난 불청객이다. 이 남자는 벽을 통과하는 능력을 가지고 있는 듯 식탁이 아니라 캔버스에서 튀어나오는데, 초월적인 이 모습은 작카의 퍼포먼스에 정점을 찍는다.
그는 제우스의 창조물인 동시에 아마도 그의 분신일 것이다. 꼭두각시 인형의 상태로 환원된이 남자는 치장되지 않는 나체를 드러내지만, 아무도 관심이 없어 보인다. 캔버스에서 약간 떨어져 있는 그는 같은 공간에 속하지 않기때문이다. 그림의 윗부분에서 펼쳐지는 연회는 마치우리가 그 뒤에 서있는 것처럼 베로네세의 "가나의 결혼식" 화면을 통해 볼 수 있는데, 이그림은 구도가 대칭적으로 반전된 것이 특징이다. 16세기의 이 작품은 2017년 4월에 같은 방에서 맞은편에서 열린 현대식 연회의 미장센역할을 하는 단방향 거울이 되었다

루브르박물관 룸711에서 제우스의 작업 과정은 영상으로 확인할 수 있습니다. 
이 위대한 공간에서 작업할 수 있다는 것 만으로도 작가에게는 엄청난 영광일 듯...

| 님프와 사티르

제우스의 물방울은 텔루르의 힘으로 뿜어져 나오는 듯하며, 잠자는 요정의 나체를 드러내고자 하는 사티르의 정력적이고 정숙한 충동과 함께 심연에서 솟아오른다. 이 둘은 야생의 피조물이며 작가는 우리에게 그들의 자유분방한 섹슈얼리티를 상상하도록 초대한다. 와토는 성행위가 임박했음을 암시 하고, 제우스의 황금색 페인트는 우리에게 정액의 폭포를 선사한다. 에로틱한 분노는 물의 흐름이 된다. 분출하는 힘으로 프랑스 조경 예술가 미셸롱을 매료시킨 티볼리 폭포도 사정의 힘을 전달한다. 숭고함을 위한 예술적 자유가 지형적 정확성보다 우선하는 라캐스케이드 (티볼리)'에서 우리의 눈은 그림 속
야만적인 신들의 결합을 스캔한다.

낭만주의 거장의 사실주의와 대조되는드 쿠닝의 서정적 추상화 '풍경 속의 두 인물'은 관음증을 좌절시키고 피사체의 존재와 그들의 장난을 상상할 수 있을 뿐이다. 드 쿠닝의 살색 톤의 넓은 붓질은 나체를 연상시키지만, 그림에 활력과 에너지를 부여하는 것은 물방울이다. 제우스의 계단식 페인트는 에로틱한 장면을 숨기고 모노그램과 함께 세속적인 욕망을 지우는 베일 역할을 하는 겸손함도 있다.

| 에바 프리마 판도라

바위가 많은 피난처에서 얇은 천으로 간신히 몸을 가린 채 누워 있는 모습도 제우스의 광선으로부터 안전하지 않다. 오히려 그녀는 가벼운 커튼으로 간신히 가려진 알몸을 황금빛 액체에 바치는 것처럼 보일 뿐이다. 아담의 해골과 판도라의 꽃병의 상징적 속성에 둘러 싸인 이 미녀는 고대 기준으로는 이브이자 이교도인 판도라이며, 성경과 신화 전통에 따르면 불행을 가져오는 존재이다.

창백하고 미묘한 그녀는 열정을 발산하는 모습에서 고요함을 뿜어낸다. 베르니니의 성녀 테레사의 엑스터시'에서 신성한 광선이 들어와 그녀를 황홀경에 빠지게 하는 열린 돔 아래에서 묘사된 성녀 테레사와는 얼마나 다른가. 황홀한 고통에 힙싸인 테레사는 수녀 가운 주름에 몸을
비틀어 넣는다.테레사의 심장이 신비롭게 뚫리는 것과 대조적으로, 제우스의 물방울은 레이저와 같은 임상적 효과를 내며 문신으로 새겨진 모노그램을 지우고 이브/판도라의 원죄인 욕망, 중독, 강박 을 씻어낸다.

| 목욕하는 여인

앵그르의 목욕하는 여인에서는 거의 눈에 띄지않는 작은 물줄기가 여인의 발 왼쪽에서 뿜어져 나오지만, 제우스는 수문을 열고, 그의 페인트를  흘러내리며 앵그르의. 매끄럽고 세련된 우주를 방해한다. 그림 위로 흘러내리는 금은 더 어듭고 더 피비린내 나는 무언가를 암시한다. 이 밀폐된 공간에서 아마도 무슨 일이 일어날 것이다. 우리를 향하고 있는 여성의 등은 곧 발산될 폭력적인 충동을 숨기고 있을지도 모른다. 홀로페르네스를 유혹한 후 그의 목을 자르는 주디스일 수도 있다.

이 살인적인 분노는 아르테미시아 젠틸레스키가 소환될 때 두 배로 여성스러워진다. 이스라엘의 매혹적인 과부 유디트는 아시리아의 장군을
유혹하여, 하녀의 도움을 받아 벌거벗긴 후 홀로페르네스의 목을 베었다. 제우스는 목욕하는 여인에 부은 페인트로 오달리스크가 복수자로
변모하는 것을 예고한다. 또한 헤나 문신을 새긴 모노그램 유혹의 유물도 씻어낸다.

| LV라는 모노그램이 새겨진 루이비통 핸드백

모나리자는 실제 모델로 추정되는 라 지오콘다를 그린 레오나르도 다 빈치의 약자, LDV에서 한글자를 떼넨 LV라는 모노그램이 새겨진 루이비통 핸드백을 선보이고 있다. 이 모노그램이 만들어 진것이 위조를 막고 루이비통 제품의 진품을 보증하기 위해서라는 점이 아이러니하다.
제우스는 2008년 "모나리자와 핸드백*을 통해 루이비통과 다빈치의 관계를 다룬 바 있으며 이번 작품에서는 액션의 중심축이 되는 루이비통 모노그램으로 장식함으로써 이를 재조명한다.

| 마들렌으로 추정되는 초상화

최근 신원이 확인된 흑인 여성의 초상"에서 제우스의 물감이 흘러내리며 마들렌의 눈물이. 쏟아진다.
백인 여성이 사회적, 인종적 고려를 배제하고 흑인 여성을 그린 선구적인 이 그림은 작지만 중요한 예술적, 사회적 혁명을 일으킨다. 이 그림에서 하인의 눈은 건조하지만 노예의 후손인 이 여인은 엄청 격렬한 고통의 무게를 젊어지고 있으며, 제우스는 페인트를 칠하면서 십자가 밑에서 자신의 이름을 딴 막달라 마리아 의 눈물처럼 홀리지 않은 눈물을 그녀를 대신 하여 쏟아붓는다. (일상적인 프랑스어 표현인 "pleurer comme une Madeleine"에서 "막달라 마리아처럼 울라"는 의미로 사용됨)

십자가에 달린 성녀들의 모습에서 눈물은 결코 멀리 있는 것이 아니다. 카를로 크리벨리의 '피에타'에서는 막달라 마리아의 뺨에 두 개의 수정 갈은 물방울이 평행하게홀러내린다. 제우스의 눈물은 그리스도의 발을 씻기 위한 것이 아니라 흑인 여인의 피부에 새겨진 모노그램, 즉 노예의 신분을 다른 사람의 소유 물로 표시하는 브랜드 마크를 녹여 제거하기 위한 것이다.

| 세가지 은총, The Thr

젊음의 꽃을 피우고 있는 세 여인이 서로를 향해 고개를 돌린 채 시조인 폼페이 프레스코화의 세 은총과 같은 원을 형성하고 있다. 레노의 구도는 정면, 후면, 측면의 세 가지 다른 관점을 제공 한다. 빗속에서 노래하는 여인들은 노래하는 것일까, 제우스가 비추는 햇살일까? 물감의
물방울이 마치 새장 안에 있는 것처럼 그녀들을 둘러싸고 있다.
싸이 톰블리의 '장미'와의 화해는 우리를 회화 예술을 통해 시공간을 넘나드는 여행으로 안내한다: 프레스코화의 광물성에서 아크릴 물감의 유동성, 레노의 학문적으로 숙달된 붓질에서 통블리의 대담한 색채와 수직 물방울에 이르기까지, 전자의 경우 비유적으로, 후자의 경우 양식화된 동일한 우아함이 작용 하고 있다.

제우스의 질고 불투명한 황금빛 물방울은 기법, 선, 붓놀림에 대한 질문을 던진다. 톰블리의 자유로운 흐름이 물질과 색상을 흐릿하게 만드는 반면, 제우스의 세심하게 제어된 물감 흐름은 이미지 표면을 따라 미끄러지듯 흐르면서 꽃 모노그램의 화환을 액화시키고 피사체의 창백한 피부를 햇빛의 밝기로 복원한다.

| 가브리엘 데스트레와 그녀의 자매 중 한 명 / Gabri

제우스의 황금비가 그녀에게 당아 스며드는 것을 다나에의 캐노피가 막지 못하는 것과 비슷한 맥락에서, 두 젊은 여인을 덮은 보라색 캐노피는 제우스의 황금비로부터 그들을 보호할 수 없다. 앙리 4세의 공식 정부인 가브리엘 데스트레와 그의 여동생 두 여인은 욕조에 벌거벗고 서로의 거울 같은 모습으로 나란히 앉아 있다. 그녀들의 나체가 그들이 목욕하는 상황에 어울리기는 하지만, 그녀들의 몸짓은 에로틱하면서도 예언적인 느낌을 주며 출산을 암시한다. 왼쪽 여인의 가슴을 꼬집는  에로틱한 행위는 곧 태어날 아이를 예고하고, 반지를 끼고 있는 여인의 몸짓은 결혼을 약속하는 의미로 해석할 수 있다. 따라서 양리 4세의 정부인 가브리엘 데스트레는 어머니와 아내로서의 미래의 자신의 지위를 드러내고 있다. 하지만 앙리 4세와의 결혼식 전날 밤, 가브리엘은 중병에 걸려 사망하였고, 앙리 4세가 본인과의 결혼보다 더 전략적인 선택을 할 수 있는 길을 열어준다.

이 상황의 기묘함은 자매처럼 보이는 두 여자의 닮은 꼴과 장면을 구성하는 두 커튼의 반사된 대칭에서 비롯된다. 샘 길리엄의 설치 작품에는
여러 가지 색의 무거운 천이 공중에 매달려 있는 모습이 반영된다. 길리엄은 물감을 붓고, 떨어뜨리고, 블렌딩한다. 제우스와 길리엄의 작품
사이의 연결고리는 페인트가 칠해져 있고 접혀 있는 물감이 홀러내리는 지지대 역할을 하는 천과, 마치 물방울이 떨어지는 듯한 캐노피에서 찾을 수 있다. 모리스 루이스도 물감을 부어 대칭을 활용한 작품 '베타 람바'에서 물방울이 줄무늬를 형성하고 그 물결치는 움직임이 천의 주름을 연상시킨다. 가장 깊은 수준에서 루이스와 제우스의 작품은 함침이라는 공통점을 통해 공명한다.
이 미국 작가의 캔버스는 단순한 표면이 아니라 희석된 물감으로 가득 차 있다. 제우스 역시 마찬가지로 젊은 여성들의 피부 표면에 독이 되는 모노그램을 침투시킨다.
 

이번 포스팅에서 문제가 되었던 구스타프 쿠르베 세상의 기원

아래 왼쪽사진 한 장으로 해당글 삭제와 7일 로그인 정지를 당했다.

위 사진 왼쪽 쿠르베의 작품이 '청소년 유해 (청소년 유해 정보)' 정보로 다음카카오가 판단하여 게시물 삭제 및 7일 계정정지 처분을 받다. 뭐 삭제 메일오고 바로 일주일 계정 접근정지 당하고...

이의 제기를 했지만 아래같은 이유로 수정되지 않았는데...

결국 불리한 답변은 피하고 내로남불 수준의 답변

안녕하세요. 카카오 고객센터입니다.

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또한 아이디 규제 프로세스에 따른 조치로 해제 불가하며,

다음 백과사전에서는 해당 그림이 아래와 같이 제공되고 있다. 별도의 성인인증 없이...

이 또한 같이 다음의 고무줄 정책에 대해 문제 제기를 했지만 이에 대한 답변은 받지 못했다.

결국 다음카카오 본인들이 '모든 연령대가 이용할 수 있는 공개 서비스 영역에 부적절한 콘텐츠'을 스스로 유통하고 있다는 것을 인정한 꼴이 아닐까?

연말에 언론사 OB 모임에서 문화담당 기자친구와 이 이야기를 나눠볼까 고민중이다. 재미있는 기사꺼리가 될 듯...

<내가 게시하면 음란물이고, 다카오가 게시하면 예술 정보인 것일까?.>

[섹션 5] In Memoriam And the words remain

인쇄혁명 이후 디지털 혁명은 유행이라는 전염병과도 같은 단어를 널리 퍼뜨리고 있습니다. 디지털 화면은 새롭게 등장한 페이지로서 여기에서 불변하는 텍스트가 무한히 표시됩니다. 따라서 지금의 가상문자가 넘쳐납니다. 
작가 제우스는 이번 품 711 전시회에서 디지털 문화 자체를 회의적인 시각에서 바라보며 여기에 새로운 낙인을 찍습니다.

프랑스어와 함께 그의 리쿠데이션 작업이 된 문자들, 프알못이어서 어떤 뜻인지 모르고 문자인식도 잘 안되네요. 아마도 유명 작품들의 죽품명으로 생각됩니다. 문자 활자의 종말을 의미할까요?

이곳에서 명확해 지네요
NON-FONGIBLE TOKEN > NFT...

[섹션 6] 마지막 카우보이는 죽었다. (The Last Cowboy)

필립모리스 담배 회사의 상징이라 할 수 잇는 말보로 담배의 모델인 카우보이, 이중 6명의 모델이 폐암으로 사망했다고 합니다. 이에 대한 제우스 작가의 메시지

마지막 카우보이는 족였다 "마지막 카우보이는 죽었다"는 허가 받지 않은 광고 캠페인, 거리 액션과 전시, 인스타그램 콘텐츠 등을 포함하는 프로젝트다. 이 프로젝트는 2020 년 12월 24일부터 2021년 4월까지 베를린, 마요르카, 코펜하겐에서 이루어졌다. 제우스는 장례식의 코드를 사용한다. 죽음을 표현하는 것은 예술에서 계속 이어진 주제이지만, 여기서는 말보로를 둘러싼 스토리텔링에서 구체적인 의미를 획득한다. 말보로 카우보이 중 다섯 명이 폐암으로 사망했기 때문이다. 많은 나라에서 담배는 마케팅용 포장이 의학적 위험성 을 알리는 이미지로 대체된 유일한 제좋이기도 하다. 시각적으로나 사회적으로나 말보로와 관련된 이미지는 사라지고 있는 셈이다. <마지막 카우보이는 죽었다"는 베를린에서 작가의 거리 액션으로 시작된다. 제우스는 노이콜른의 필립 모리스 공장 위에 놓인 광고판을 페인트 볼로 저격한다. 이 액션은 작가가 2001년에 시작한 시각적 공격(visual attacks)" 시리즈의 연장으로, 여기서 작가는 광고 포스터에 등장하는 얼굴 중 이마 중앙에 붉은 스프레이 페인트를 뿌린다. 길게 늘어진 페인트 자국은 광고모델의 피눈물, 사형, 그리고 리퀴데이션 등을 연상시킨다.

제우스는 이 액션을 짧은 비디오로 만들었는데, 여기서 광고 회사 레오 버넷의 한국 지사가 작가에게 보낸 육성 메시지가 포함되어 있다. 그 내용은 말보로 광고의 특별판을 만드는데 관심이 있느냐는 것이었다. 이 회사는 1953년 필터담배의 바이럴 마케팅을 담당했던 회사이기도 하다. 제우스는 다양한 변주를 시도한다. 제우스는 흰 도로용 페인트로 덮어버린 담뱃갑을 활용해 그림을 그리기도 했다. 그는 가짜 담뱃갑을 진짜보다 더 진짜처럼 만들기도 하고, 음악가와 협업하면서 길거리에서 "훔친" 소리, 경찰의 전파, "말보로"를 연상시키는 "옴" 주문, 담배 암시장 소리 등을 활용하기도 했다. 작가는 이 비디오를 인스타그램에 올렸고, 파리에는 QR코드가 담긴 포스터가 붙었는데, 그 코드를 통해 마요르카의 장례식장 이미지로 접속할 수 있었다. 이미지에는 *리퀴데이션"된 필립 모리스가 벽에 붙어있었다.

커튼을 넘어 전시공간에 들어오니 운영하시는 분께서 기기를 작동 하시네요. 말보로담배 조형물 뒤에서 흰 연기그 나옵니다.

| 말보로맨과 카우보이

말보로맨은 필립모리스의 대표적인 담배 브랜드 Marlboro 의 모델입니다. 카우보이로 대표적인 마쵸 이미지를 상징하는 캐릭터입니다. 그런데 여러 말보로맨 중에서 여섯명이 폐암으로 사망한 것으로 알려지고 있습니다. 아마도 이 여섯 개피의 담배가 그들을 의미하는 것 같네요.

| 빈센트 반 고흐의 담배를 피는 해골 

반 고흐의 *담배 피우는 해골"에 영감을 받은 연작을 선보입니다. 반 고흐의 작품은 플랑드르 거장들의 방식과 전통을 따라 해골을 그리면서도, 담배를 넣어 전통에서 이탈함으로써 초현실적인 면모를 보인다. 이러한 고전 작품의 재활용 및 재맥락화는 제우스의 작품에 지속적으로 등장한다. 제우스는 반 고흐의 작품을 리퀴데이션된 Kool(담배 회사) 로고로 덮어버린다. Kool은 아프리카계 미국인들을 대상으로 수년간 쿨"한 이미지를 만들어 왔다. 

이번 Room 711 전시회의 마지막공간 - 침대의 뒷부분과 흘러내리는 필립모리스 로고가 보입니다.

앞부분으로 이동하면, 말보로의 담배갑을 표현한 침대와 침대 위에 걸려있는 성모 마리아상이 보이네요.

그리고 피눈물을 흘리는 성모마리아상. 아마도 이 침대위에 눕게되면, 영원히 잠들것만 같습니다. 매우 고통스럽게. 아마도 흡연의 위험성과 방치되고 있는 글로벌 거대기업의 횡포를 이렇게 표현하지 않았을까 생각합니다.

| 제우스 전시회 룸711 아트샵

전시회장을 나오면 출구에 아트샵이 마련되어 있습니다. 많은 상품이 준비되어 있지는 않지만 나름 개성있고 매력적인 상품들

그의 작품을 표지로 제작한 노트들

가격도 아트샵 제품을 고려하면 쏘쏘

필통과 마그넷, 포스트카드 등 다른 전시회아트샵에서도 항상 볼 수 있는 기념품들도 준비되어 있습니다. 저렴한 가격에 겟 할 수 있는 기념품들... 필통은 샤넬 짝퉁같다는...

전시장밖에도 그의 작품과 함께할 수 있는 룸711 제우스 개인전 포토존도 준비되어 있으니, 꼭 찾아보세요

이번 제우스 룸711 전시회는 초대권을 받아 작성하였습니다.

예술의 전당 서울서예박물관 실험전시실, 현대전시실에서 열리고 있는 '예술의 전당 '이집트 미라전 : 부활을 위한 여정' 후기입니다.

'미이라' 하나만을 보면 국내에서는 쉽게 접하기 힘든 전시회라고 생각합니다. 또한 다양한 이집트 유물을 만나볼수 있는 좋은 기회지만, 전시회 운영에 대해서는 다소 아쉬운 전시회라는 생각입니다.

| 예술의 전당 서예박물관

이번 이집트 미라전은 에술의전당 서예박물관 2층에서 열리고 있습니다. 보통 예술의전당 한가람미술관에서 전시를 많이 하는데, 이번에는 주차장에서 다소 거리가 있는 서예박물관에서 열리네요. 하필 올해들어 가장 추운 날씨에 방문했더니 주차장에서 이곳까지 벌벌 떨면서 갔답니다.

| 티켓팅은 1층에서 입장 등록은 3층에서 별도로...

조금 독특하지만 합리적인 방식입니다. 티켓팅 줄이나 입장줄을 한 시간 이상씩 별도로 줄서지 않고, 사전예약을 통해 편하게 쉬었다가 입장할 수 있는 시스템입니다.

3층 전시실에서 태블릿을 이용한 입장 예약도 가능하고, 이곳 휴식공간이 있어 관련 영상을 보면사 차례를 기다릴 수 있습니다만...

이집트 미라전 대기시간 160~170분 : 2시간 30분 넘는 대기시간!!!

2시간 넘게 대기해야 하네요. 대기순서는 30번 째인데, 이렇게 오래 기다리는 시스템인지는 이해하지 못하겠지만, 제 주위에서 비슷한 시간대에 예약하신 분들은 대부분 식사를 하거나, 다른 볼일을 보고 오려고 하네요. 저희도 비슷한...

이렇게 예약완료 문자가 오고, 링크를 통해 대기 순번 및 예상 대기시간 확인이 가능합니다.

암튼 두 시간을 어디에선가 보내야 한다는 말씀...

| 예약 30분도 안되어 입장하라는 날벼락?

저도 예약하고 1층 비타민 스테이션 근처에서 가족과 여유있는 식사를 하기 위해 내려갔는데, 바로 알림이 오네요. 5분 내로 입장하라는, 순간 당황했네요. 이게 뭔 소리인지, 아님 시스템 오류인지...

다행히 아직 음식을 주문하지 않아서 바로 서예박물관으로 이동합니다. 가는 사이에 입장제한 시간은 초과하고... 2시간 넘는 대기시간이 순식간에 30분 이내로 줄어들다니, 좋아해야 할지... 어이 없다고 해야할지... 

그 추운 날씨속에서 왔다갔다만 몇 번을 했는지...

| 이집트 미이라전 오디오 가이드

오디오 가이드는 네이버 바이브 (VIBE) 앱을 통해서 무료로 들을 수 있습니다. 이어폰은 꼭 가지고 가세요.

이번 예술의 전당에서 열리고 있는 '이집트 미라전 : 부활을 위한 여정' 는 네덜란드 국립 고고학 박물관의 소장품 중심으로 전시회가 구성되어 있습니다. 특히 다양한 미라를 만나볼 수 있는 기회라고 하니 입장하면서 기대가 큽니다.

전시회 시작은 대형 공간에서 멀티미디어 영상과 이번 전시회의 개요 및 구성에 대한 소개가 진행됩니다.

| 호르의 외관

호르는 아벤 신의 우아브 신관에서 아멘 신의 신관을 지낸 인물이었다고 합니다. 외관 중앙에는 사자의 서의 한 장면이 표시되어 있는 관입니다. 

우선 이번 전시회에 대한 맛보기일까요?

이번 이집트 미라전은 총 4개의 섹션으로 구성되어 있습니다.

| 1부 : 탐험, 고대 이집트를 향한 열정

나폴레옹의 이집트 군사 원정을 시작으로 고대 이집트에 대한 다양한 면모가 밝혀집니다. 네덜란드 국립고대박물관은 이집트 고고학 조가를 지원했고 그 결과 이집트 지역의 유물을 발견하고 연구했다고 하지만 이번 전시회에 전시된 유물 등 상당수가 이렇게 흘러오지 않았을까 생각합니다.

| 로제타 스톤

이집트 상형문자 해독의 열쇠를 제공한 로제타 스톤 (진품은 영국에 여기는 짝퉁이)

| 투탕카멘의 좌상

아멘 신으로 표현되는 투탕카멘의 좌상입니다. 소년왕!!!

네덜란드 국립 고고학 박물관의 이집트 발굴조사에 대한 히스토리와 유물들이 전시되어 있는 공간입니다. 미라를 생각하고 방문한 저에게는 약간 지루한 공간...

압둘라 니르키 유적의 모형본과 '왕의 서기관 파우티의 피라미디온'

이우이우의 봉헌상과 아멘호테프 후이의 방형좌상

아멘호테프 후이는 왕궁과 왕의 주임 건축가였다. 조각상 정면에 새겨진 부조에는 비문과 두 아들이 그려져 있습니다.

호르민의 봉헌상 

| 피카루의 석비

상단 오른쪽에 파카루와 아내가 서 있고, 왼쪽에 내세의 신 오시리스와 이시스, 네프티스가 있습니다. 석비 상부에 사자의 신 아누비스가 자칼의 모습으로 새겨져 있습니다.

| 파게르게르의 나오스형 석비

석비에는 이중으로 된 가발과 긴 퀼트를 몸에 두른 생전의 파게르게르가 소형 사당에 서 있는 모습을 나타내고 있습니다.

섹션2. 만남, 고대 이집트의 운명적 발견

이집트는 교역을 통해 복합적인 문화가 발전하게 되염 다채로운 문명이 만들어지게 되었습니다. 이집트인들은 신들의 영혼이 조각상에 깃들어 있다고 생각했습니다. 

타네트아펜의 프타 - 소카르 - 오리시스 신상 & 파아마프의 비

호흐의 비 & 주술적 글귀사 씌여져 있는 조각상의 하단부

오시리스의 아내인 이스스의 조각상은 모성과 보호를 상징하는 중요한 여신이라고 한다.

| 이집트 신들의 계보와 신들의 세계

| 파디콘수의 『사자의 서』

파이콘수는 좌측에서는 이시스 여신과 오시리스 신에게, 그리고 우측에서는 라 호르아크티 신에게 제물을 바치고 있습니다.

다양한 조각상들...

| 무릎 위에 호루스 신을 앉힌 이시스 여신상

이시스는 죽은 남편 오시리스를 마법으로 부활시키는데 성공하며, 아들인 호루스는 이집트의 왕이 됩니다.

고양이, 코브라 조각상 그리고 이쿠뉴몬...

여기까지가 이번 이집트 미라전 : 부활을 위한 여정 전시회의 중간 공간입니다. 다시 고대 이집트 여행 2부로...

3부 : 이해, 고대 이집트인들의 삶과 사유

고대 이집트인들의 짧은 수명주기는 이집트인들이 내세에 더욱 집착하게 된 계기가 되었다고 합니다. 특히 내세에서 죽은 사람의 육체가 남아있어야만 영혼이 들어와 내세에서 영원히 살 수 있다고 믿었습니다.

| 네스나크트의 사자의서 들...

이집트인은 저승에서의 생활을 매우 걱정했습니다. 이 삽화는 사후 세계에서 충분한 식량을 확보하기 위해 밭을 갈고있는 고인을 나타낸 것입니다.

심장 스카라브

그리고 계속되는 전시공간... 언제쯤 미이라를 만나불 수 있을지...

바는 새의 모습으로 세상 곳곳을 날아다니는데, 생명력이 있는 카는 무덤 가까이에 머물며 장례용 공물을 먹었습니다.

가족의 군상 : 이런 종류의 가족상은 신왕국 시대 아멘호테프 2세, 3세 시대에 걸쳐 유행했습니다.

황금 얼굴릉 가진 파헤르페네스 조각상 : 작은 조각상이지만 상당히 강한 포스...

이집트 전시관에서 흔하게 볼 수 있는 배와 여인, 기러기 등 조각상...

그리고 고대 이집트의 보석 장식품... 주로 부적의 역할을 했다고 한다.

가슴 장식과 호루스의 눈으로 장식된 목걸이

양의 머리장식이 있는 목걸이...

| 한스 슈나이더의 샤브티 연구

미라 모양의 작은 상으로 고대 이집트의 유품 가운데서 가장 일반적인 것중 하나라고 합니다.

| 미라와 관

드디어 이번 예술의 전당 서예박물관에서 열리고 있는 이집트 미라전의 메인 전시가 시작됩니다.

여러개의 목관이 시대별 특징을 보여주면서 전시되고 있습니다. 원형 공간을 한 바퀴 돌면서 전시품을 감상할 수 있는 기회

아벤 신의 가수와 관련된 직업에 종사했던 인물인 파네시의 외관

관 안쪽도 독특하네...

여성을 위한 목관인 하이트엠헤트의 관

아멘호테프의 내관

하레렘의 미라 : 화려함은 조금 떨어지는...

부적이 너무 작아서 사진이 잘 나오지 못했다는...

지금도 이 디자인으로 장신구를 만든다면 인기끌 듯... 혹 아트샵에 있을지...

4부. 스캔 고대 이집트의 맨얼굴

컴퓨터 단층 촬영인 CT 스캔으로 미라나 유물을 해부하지 않고도 내부를 볼 수 있는 멀티미디어 가 준비된 공간

장례용 카노푸스 상자

세 구의 미이라와 함께 각 미이라의 단층촬영 사진을 직접 조작해볼 수 있는 공간...

이렇게 눈 앞에 있는 미라의 속을 경험할 수 있는데...

미라앞 스크린을 통해 근육, 뼈 등을 조회할 수 있으며, 확대 축소 등의 다양한 조작이 가능해서 상당히 매력적인 경험을 할 수 있는 공간이다.

그리고 사람 이외에도 다양한 미이라를 만나는...

고양이 따오기 매 미라 들... 얼굴 디테일이...

악어, 맴, 물고기, 따오기 미라...

| 이집트 미라전 후기 총평

이렇게 예술의전당 서예미술관에서 열리고 있는 이집트 미라전은 끝...

기대보다는 다소 아쉬운 전시, 좀더 다양한 미라관과 화려한 미라를 기대했지만 약간 약한 수준의 전시회라는 생각이...

물론 국내에서 이정도 규모의 전시회를 만나기는 쉽지 않아 보인다는... 마지막 CT 이용한 체험 공간은 색다른 경험이었다.

관심 있다면, 초딩들이 몰려오기 전에 빠른 관람을 추천 한다는...

이집트 미라전 아트샵을 다소 아쉬운 구성...

예술의전당 한가람디자인미술관에서 열리고 있는 '컬러의 제왕, 영화적 미장센의 대가'로 불리는 마일즈 알드리지 사진전 관람후기 입니다. 상당히 독특하고 몽환적인? 조금 섹시한? 영화의 한 장면 스틸컷을 보는듯한? 컬러플한? 느낌의 작품들을 만나불 수 있는 사진전시회입니다.

전시장소는 예술의전당, 한가람 디자인미술관입니다. 1관 부터 3관까지 모두 사용하고 있습니다.

'컬러 픽쳐스, 마일즈 알드리지 사진전 2000-2022'은 일반적인 관람규칙과 플래시 사용하지 않는 조건의 자유로운 사진 촬영이 가능합니다.

| 마일즈 알드리지

2013년 영국에서 열린 첫 회고전 'Only Want You To Love Me'가 많은 사람들에게 알려지며 마일즈 알드리지는 현대 예술계에서도 주목받는 사진작가 가 되었으며, 2021년 포토그라피스카 스톡홀름과 뉴욕에서 연달아 개최된 회고전 <Virgin Mary, Supermarkets, Popcorn>은 팬데믹 상황에도 불구하고 많은 관람객을 동원하며 성황리에 마무리되었습니다. 마일즈의 작품은 영국 빅토리아 앤 알버트 뮤지엄, 영국 내셔널 포트레이트 갤러리, 미국 뉴욕 국제사진센터에 영구 소장될 정도로 예술적 가치를 인정받고 있습니다

| 총 8개의 섹션

이번 마일즈 알드리지 전시회는 총 8개의 섹션으로 구성되어 있습니다.

각 섹션별 주제에 맞는 컬러와 소품들이 작품과 함께 구성되어 있습니다. 작품은 물론 전시에도 상당히 많은 공을 들인 전시회.

| 전시장 곳곳의 또 다른 볼거리

전시장 섹션별로 작품과 함께 마련된 소품들이 있습니다. 이곳에서 조금은 색다른 사진을 남길 수 있다는...

이 전시물은 약간 옥의 티가 아닐까?

본격적으로 섹션별 주요 (저에게 인상 깊었던) 작품 소개합니다.

Section 1 : 드라마 DRAMA

마일즈 알드리지는 한 때 영화감독을 꿈꿨을 정도로 영화를 좋아했다. 그래픽 디자인을 공부하던 학생 시절 일주일에 두 번 이상 1960-70년대 이탈리아 흑백영화를 보지 못하면 입에 가시가 돋을 정도였다고 한다. 마일즈 알드리지의 사진을 감상하다 보면 영화에서 영감을 받은 듯한 흔적을 어렵지 않게 찾아볼 수 있다. 이번 섹션에서는 마치 흑백 영화가 컬러 영화로 재탄생한 것과 같은 레트로 분위기가 풍기는 사진을 소개한다. 20세기 말 당시 유행하던 패션과 빈티지한 인테리어 등에 주목하여 과거로 시간여행을 떠나는 느낌을 받을 수 있을 것이다.

Section 2 : 히로인 HEROINE

마일즈 알드리지는 어렸을 때부터 전업 주부였던 어머니 리타와 많은 시간을 보냈다.
마일즈 알드리지의 사진 속 등장하는 여성의 모습은 대부분 자신의 어머니를 오마주한 여성상이며, 여성에 대한 찬사와 경외를 자신만의 철학을 가지고 사진으로 풀어냈다. 동시에 이상화된 가정의 행복에 대해 물음을 던지기도 하는데, 스탠리 큐브릭 스타일의 사이키델릭한 백색의 인테리어가 컬러풀한 마일즈 알드리지의 작품과 만나 낯선 느낌을 전달한다. 사이키델릭이란, 마치 환각제를 복용한 듯 몽롱하고 환상적인 느낌을 주는 효과를 일컫는다. 섹션명인 '히로인’은 원래 영웅으로 묘사되는 남자주인공 옆의 여자주인공이라는 뜻이었지만, 현재는 여성이 주인공인 영화를 뜻하는 용어로
쓰이면서 하나의 장르로 자리잡게 되었다. 아름다우며 주체적인 모습으로 묘사된 작품속 주인공의 모습에 집중해보기를 바란다.

Section 3 : 스랄리 THRILLER

마일즈 알드리지는 컬러의 제왕이라는 수식어에 알맞게 강렬한 밝은 톤은 물론 어두운 톤도 특유의 미스터리한 느낌으로 표현해낸다. 그의 사진들은 서스펜스 영화 감독으로 유명한 알프레드 히치콕, 데이빗 린치 영화의 한 장면인 듯한 정교한 미장센이 돋보인다. 대부분 무표정한 다른 사진들에 비해 모델의 풍부한 표정이 돋보이는 이번 섹션의 작품들은 혼란스럽고 파괴적인 감정을 유발한다. 신비롭고 서늘한 긴장감을 자아내는 스릴러 장르물의 스틸 컷인 듯한 작품들을 소개한다.

Section 4 " 전체관람가 G-RATED

마일즈 알드리지의 가장 대표적인 작품인 집에서 생활하는 여성의 모습을 담은 사진들을 소개한다. 언뜻 가족 영화의 한 장면 같기도 한 이 작품들을 자세히 보면, 밝고 화려한 배경과 대비되는 모델의 무심한 표정이 묘한 긴장감을 만들어낸다. 정돈된 인테리어는 가정에서의 숨막히고 은밀한 이야기를 암시하며, 집에서 생활하는 여성의 씁쓸한 달콤함을 표현하기 위해 이러한 연출을 활용했다고 한다. 이번 섹션에서는 최신작 두 점을 포함한 네 점의 스크린프린트가 전시되어, 아날로그 인화 방식을 즐기는 마일즈 알드리지의 작업 방식을 더욱 잘 느낄 수 있을 것이다.

Section 5 : 판타지 FANTASY

마일즈 알드리지는 서양 미술사에서도 많은 영감을 받았다. 자신의 작품에 역사적인 것과 현대적인 모티프를 결합하여 보여주는 방식을 즐긴다고 하는데 특히 초현실적인 배경에서 촬영함으로써 현실이 상상력의 영역을 침범하지 못하게 하고 싶다고 말한다.
이번 섹션의 작품들은 주로 패션 잡지 화보로 촬영되었던 사진들이며, 우리에게 잘 알려진 모델인 릴리 콜의 고전주의를 모티프로 한 사진과 뉴욕 타임즈 매거진 커버를 장식했던 드라마 '왕좌의 게임’ 속 배우 메이지 윌리엄스와 소피 터너의 사진도 만나볼수 있다. 소설 속 비운의 주인공, 명화에서 걸어 나온 듯한 인물과 반짝이는 장신구로 치장한 여신까지, 컬러풀한 배경과 화려한 소품들로 판타지 세계의 몽환적인 느낌을 재현한다.

Section 6 : 하이틴 TEEN

90년대 팝 문화와 사이키델릭 문화에 영향을 많이 받은 마일즈 알드리지는 캔디 컬러라고 불리는 네온 톤의 통통 튀는 색감의 작업이 많다. 이번 섹션에서 소개하는 사진들은 이 당시 유행하던 하이틴 영화의 한 장면 같기도 하다. 패션 사진작가로 활동하던 시절에도 유행하는 옷이나 헤어스타일에 크게 관심이 없었기에 언제 보아도 세련되게 보이는 사진을 찍기 위해 노력했고, 그 결과 지금 보아도 촌스럽지 않은, 레트로 풍의 작품이 완성되었다. 그 시절 좋아했던 하이틴 영화를 떠올리며 작품을 감상해보기를 추천한다.

Section 7 : 다큐멘터리 DOCUMENTARY

마일즈 알드리지는 자신을 포함한 모델, 영화감독, 건축가, 예술가 등을 사진에 담으면서 그들의 삶에 대한 태도를 함께 포착하려고 노력해왔다. 마일즈 알드리지는 패션과 예술, 현실과 초현실, 사실과 허구 등 이분법적으로 세상을 나누는 것을 지양하며, 때로는 허구의 미장센이 실제 현실보다 진실하다고 말한다. 이번 섹션에서는 마일즈 알드리지만의 치밀한 무대적 연출이 돋보이는 작품들, 그 안에서 편안하고도 평범하게 자신을 드러낸 세계 유명 인사들을 만나 볼 수 있다. 또한 영화의 스토리보드 처럼 스케치 대신 사용한 폴라로이드 작품들을 통해 마일즈 알드리지가 사진 작업 전 얼마나 꼼꼼하게 연출을 계획하는지 엿볼 수 있다.

전시장 마지막 섹션은 성인을 위한 작품으로 구성되어 있습니다.

이번 마일즈 알드리지 전시회는 아래 이 전시회와 비교해서 관람하는 것을 추천 합니다.

이번 전시회는 초대권을 받아 주관적으로 작성했습니다.

지난 주말, 예술의전당 서예미술관 다녀왔습니다.

1980년 ~ 90년 이외수 작가, 천상병 시인과 함께 기인 삼총사로 불리던 걸레스님 중광의 작품을 만나볼 수 있는 전시회입니다.

2022중광20주기특별전
중광重光과 다섯 광화사狂畵師 

이번 전시회는 예술의전당 서예박물관에서 6월 2일까지 전시될 예정입니다.

총 76점의 회화와 판화 작품과 함께 중광의 영상다큐 2편을 만나볼 수 있다고 합니다. 입장은 무료

걸레스님 중광은...

우리나라 보다는 해외에서 더 잘 알려진 스님이라고합니다. 

제주도에서 태어나서 중학교를 중퇴하고 공사판을 전전하다가 해병대 입대... 이후 출가하여 회화는 물론 몇 편의 책과 영화에도 출연하고 그의 기이한 행동으로 결국 파문당한 기이한...

이번 걸레스님 중광작고 20주기 특별전에서는 그의 80년과 90년대 작품들을 만나볼 수 있습니다.

특히 갤러리미에 전속되었던 1980년 부터 3년간의 작품 중심으로 구성되어 있습니다.

전시회장에 관람객은 많지 않아서 상당히 여유있게 관람할 수 있습니다.

조금 아쉬운 부분은 작품에 대한 설명이 전혀 없는 부분과 작품명은 한자로 나머지 부분은 영어로 되어 있어, 어려운 한자를 사용한 작품이나 어린 관람객이 보기에는 조금 아쉬운 부분이 있었습니다. (동자는 쉽게 시작 했지만...)

무학 (춤추는 학) : 연작

중광 스님은 정규 미술교육을 받은적이 없습니다. 지금도 그렇지만 당시에는 더 인정받기 힘들었을 듯...

만약 그가 좋은 대학에서 정규 교육을 받았다면, 그의 운명은 어떻게 되었을지...

처음에는 무학 연작에 왜 사람 얼굴이 있나? 했다는...

달마연작과 천하대장군...

다시 만난 동자 연작...

달마와 용약...

勇躍 : 용감하게 뛴다는 의미인데, 잘 모르겠다.

대자대비 (1980) : 한 해에 몇 점의 작품활동이 있었는지...

Lithography + Hand printing

중광의 판화 작품을 만나볼 수 있는 공간

예수와 달마... 이 두점을 나란히 집에 걸어 놓으면 좋겠다는...

이번 '중광 서거 20주기 기념 특별전' 에는 그의 무학과 달마 연작이 가장 많은 비중을 차지하고 있네요.

사군자연작 중 일부인지 아니면 난초와 대나무를 그렸는지...

이번 전시회명은

갤러리미 주최 <중광 작고 20 주기 특별전 - 예술의 원점 중광과 다섯 狂畵師> 입니다.

김태정 / 이존수/ 조부수/ 재미작가 한농/ 육심영작가의 작품도 같이 만나볼 수 있는 기회입니다.