예술의 전당 한가람미술관 1층에서 열리고 있는 올겨울 대규모 전시회 중 하나인 '불멸의 화가 반 고흐 전시회' 관람후기 입니다. 반고흐전 슈퍼얼리버드 티켓팅을 하고도 그동안 방문하지 못했다가 이제야 전시회 다녀 왔네요.
| 기대가 컸나? 실망이 큰 전시회...
예술의 전당 한가람미술관에서 열리고 있는 불멸의 화가 반 고흐 전시회 후기먼저 말하자면 '대실망'인데요. 이유와 함께, 티켓할인, 도슨트, 오디오가이드, 주차, 주차할인정보, 포토존, 아트샵 공유합니다.
겨울방학을 맞이해서 예술의 전당 한가람미술관에서는 규모있는 전시회가 열리고 있습니다.
불멸의 화가 반 고흐 전시회, 빛의 거장 카라바조 & 바로크의 얼굴들 전시회, 미셸 앙리 : 위대한 컬러리스트 연장공연, 퓰리처상 사진전 등등 한 전시회만 감상하고 집으로 가기 아쉬운 시즌입니다. 이중에서도 탑오브 탑은 한가람미술관 1층에서 열리고 있는 반고흐 전시회인데요.
작품과 명성에 비해 수준 떨어지는 전시공간에 실망 했답니다. 오히려 카바라조 전시회 구성이나 운영이 상대적으로 뛰어나다는 생각이.
이번 반고흐 전시회 입장료는 성인(만19-64세) 24,000원 / 청소년(만13-만18세) 18,000원 / 어린이(36개월 이상-만12세) 18,000원 입니다. 저는 작년에 슈퍼얼리버드 티켓팅을 통해 35%할인된 15,600원에 예매하고 방문 했습니다.
현재는 예술의 전당에서 열리고 있는 불멸의 화가 반 고흐 전시회 티켓할인 프로모션은 없습니다.
반응형
불멸의 화가 반 고흐 티켓팅 및 웨이팅
전시회 관람을 위해서는 티켓팅 > 입장예약 > 입장대기 3단계를 진행해야 합니다. 일행이 있으시다면 해당 과정을 분산해서 진행하시면 조금 더 빠르게 입장할 수 있습니다.
(1) 티켓 발권
별도의 지류 초대권이 없다면, 현장구매나 예약모두 이번 빈센트 반 고흐 전시회가 열리고 있는 한가람미술관 1층에서 티켓구매 또는 발권하셔야 합니다. 티켓 발권 대기에는 약 10분정도 걸렸습니다.
저희는 일요일 오전 11시 조금 넘어서 방문 했는데요. 생각보다는 관람을 기다리는 대기줄이 길지는 않네요. (이미 전시회 오픈 두 달 가까이 되어가니, 다소 열기가 주춤한 것 같습니다.)
(2) 대기번호 등록
티켓팅이 끝나면 태블릿에서 대기번호를 등록해야 합니다.
예전 전시회는 티켓팅하고 바로 전시회 입장을 위히 줄서기를 해야 했는데요. 앱을 이용해 식당 예약하듯이 대기번호를 받고 주변에서 기다리다가 입장 알림이 카카오톡으로 울리면 입장하는 편한 방식으로 변경되었습니다.
그래서 이번 전시회 일행과 함께 방문하셨다면, 한 분은 티켓팅을 다른 한 분은 바로 이곳에서 대기번호 등록 하시면, 전시장 입장까지 소요되는 시간을 단축할 수 있습니다.
(3) 입장대기
근처에서 대기하고 있으면 입장가능을 알리는 카카오알림톡이 오는데요. 저는 등록 후 6분만에 입장알림이 왔습니다. 주차부터 발권, 입장까지 거의 대기시간 없이 순식간에...
| 포토존도 없다!
이정도 규모의 전시회면 방문객끼리 추억을 남길 수 있는 포토존이 구성되어 있는데요. 이번 불멸의 화가 반 고흐 전시회 공간에는 포토존이라고 부를만한 공간은 없습니다. 바로 윗층에서 열리고 있는 '빛의 거장 카라바조 & 바로크의 얼굴들' 전시회와 비교되네요.
| 도슨트 & 오디오가이드
불멸의 화가 반 고흐 전시회 도슨트는 운영되지 않고요.
오디오 가이드는 큐피커 앱을 통해 3,000원 유료로 이용이 가능합니다만, 작품 15개 정도 설명이 들어 있네요. 이번 불멸의 화가 반 고흐 오디오가이드도 다른 전시회 오디오 가이드에 비해 부실하다는 생각입니다.
| 전시장 사진촬영 불가
이번 예술의전당에서 열리고 있는 '불멸의 화가 반 고흐 전시회' 사진촬영 금지입니다. 실내 어떤 공간에서도...
그래서 방해 받지 않고 쾌적하게 작품 감상 했나고요? 전혀 아니올씨다~
'불멸의 화가 반 고흐 전시회' 전시장 불만
| 작품 소개는 많이 부실함...
전시회는 빈센트 반고흐 생예별로 작품 배치를 하고 있습니다. 전시장 뒤로 갈수록 우리에게 익숙한 고흐의 화풍과 작품들을 만나볼 수 있는데요. 우선 가장 아쉬운 부분은 작품 제목과 연도 등의 아주 기본적인 캡션을 제외하고는 작품에 대한 어떠한 설명도 제공되지 않습니다. 정말로 당황할 정도로...
| 전시장 구성도 관객 배려가 빵점
예술의 전당 한가람미술관 1층은 예술의 전당 전시실에서 가장 큰 면적을 보여주는 곳입니다. 보통 해당 시기에 가장 핫 한 전시회가 열리는데요. 이번 전시회 공간 배치는 관객의 동선을 전혀 고려하지 않았다는 생각이 드네요.
작품수가 100 작품이 되지 않고 이중 드로잉을 제외한 작품은 절반정도로 아는데요. 이 넓은 공간에 칸막이를 많이 만들고 작품은 다닥다닥 붙여서 전시되어 있네요. 그러다보니 고흐의 자화상 같은 대표 작품에 대기가 걸리면서 섹션 전체에 긴 대기가 생기는 문제가 보이네요. 두 번째 공간인 '파리시기' 에 고흐의 자화상이 있는데요. 작품 4번째 전시되어 있지만 대기만 20분 넘게 하다가 결국 포기하고 뒤에서 감상 했네요.
반응형
보통 전시회에서 작가의 대표 작품의 경우 별도의 공간을 만들거나, 다른 작품과 간격을 조정하는 등의 관람객 동선에 대한 배려가 있어야 하는데, 이번 예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있는 '불멸의 화가 반 고흐' 전시회는 이러한 부분에 대해서는 빵점을 주고 싶네요.
| 포토존, 멀티미디어 공간 등...
요즘 미술 전시회의 경우 작가의 작품 전시는 물론, 사진 촬영이 허락되지 않은 전시장에서도 일부 공간에서는 사진 촬영을 허가하거나 포토존을 운영하는데요. 이런 부분은 전혀 없네요.
또한 전시장 중간이나 끝부분에는 작가에 대한 이해를 높일 수 있는 멀티미디어 공간이 마현되어 있는것도 요즘 전시회 기본 중 기본이라고 생각하는데, 이러한 구성도 찾아볼 수 없었습니다.
| 불멸의 화가 반 고흐 전시회 아트샵 및 도록
무언가 독특한 것이 있다기 보다는 고흐의 작품 자체가 많은 매력을 보입니다.
또한 이번 전시회의 작품을 보유하고 있는 네덜란드 크뢸러 뮐러 미술관에서 만나볼 수 있는 기념품도 만나볼 수 있네요.
불멸의 화가 반 고흐 전시도록은 50,000원에 판매되고 있는데요. 빈센트를 이해하기 위해서는 이번 전시회 도록 보다는 건너편 아트샵에 있는 37,800원 책을 더 추천 드립니다.
인형이나 양말, 마그넷도 있고요.
스카프와 우산, 파우치는 매력 있음...
이 외에도 이번 불멸의 화가 반 고흐 전시회 아트샵에는 일반적인 미술전시회 아트샵에서 만나볼 수 있는 노트, 메모지, 틴케이스, 파일 등도 판매하고 있습니다.
반응형
요 직조러그는 끝까지 구입할까 말까 고민했지만, 집에서 쓸모가 없었음...
| 불멸의 화가 반 고흐 주차장 및 주차요금 할인
예술의 전당 한가람 미술관 접근성을 고려하면 바로 비타민스테이션 주차장에 주차 하는 것이 가장 좋은데요. 여유있는 공간은 아니어서 운이 필요한 공간입니다. 이번 방문에는 바로 자리가 있어 편하게 주차하고 이동 했네요.
예술의 전당 주차요금은 평일에 비해 주말에는 50% 할증된 주차요금이 부과됩니다. 주말기준 일반요금은 10분에 1,500원 - 한 시간에 9,000원, 전시관객은 주차정산 기계에 전시회 입장권 바코드를 스캔받으면 6,000원에 3시간 주차가 가능합니다.
다만 전기차나 하이브리드 차량 등 친환경 차량의 경우 예술의전당 주차요금 중복주차는 지원되지 않고요. 본인에게 유리한 조건을 선택해야합니다. 주차 80분 미만 까지는 친환경차 주차요금 할인이 유리하고요. 80분~3시간 까지는 관람티켓 할인이 더 유리합니다.
오늘은 예술의 전당 한가람미술관에서 열리고 있는 '불멸의 화가 반 고흐' 관람후기 였습니다.
반 고흐의 원화를 처음으로 만나고, 그의 자화상을 보는데에 의미를 둔다면 볼만한 전시회가 되겠지만, 저에게는 추천하기 어려운 불편함이 있는 전시회로 기억 됩니다.
잠실 롯데월드타워에 위치한 롯데 뮤지엄에서 이번주부터 열리고 있는 'The Art of Jewellery: 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회' 관람후기 및 관람팁 입니다. 내용이 길어 오늘은 아트주얼리 전시회 도슨트, 티켓할인, 주차장, 오디오가이드, 아트샵 등 관람정보 공유합니다.
지금부터 전시회정보 및 꿀팁 공유합니다.
| 전시정보 (입장료 및 할인) / 편의시설
전시명 : The Art of Jewellery: 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회
전시기간 : 2024.12.06 - 2025.03.16 / 매일 10:30-19:00ㅣ입장마감 18:30 가격 : 성인 20,000원 ㅣ 청소년 16,000원 ㅣ 어린이 12,000원
저는 아트 오브 주얼리 전시회를 얼리버드 티켓팅을 통해 50% 할인된 가격인 10,000원에 구입했습니다.
| 관람요금 할인
오늘 소개하는 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회 할인요금 가이드입니다.
2명이상 자녀가 있는 다자녀 가구의 경우 50% 할인이 지원됩니다. 얼리버드 할인과 동일한 혜택입니다. 애국자에게는 이정도 지원은 해야죠. 다음은 매월 마지막주 수요일인 '문화가 있는날'에는 40% 할인이 가능합니다. 송파구민도 20% 할인이 가능합니다.
| 물품보관함은 백화점 물품보관함을...
이번 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회가 열리는 롯데뮤지엄 티켓박스 옆 물품보관함이 위치해 있는데요. 특히 겨울에 두꺼운 옷등을 가지고 오셨다면 이곳에 보관하시고 편하게 전시회 감상이 가능합니다.
다만 한 시간까지는 무료이고, 이후 한 시간 단위로 2,000원의 사용요금이 부과되는데요. 보통 전시회 관람에 두 시간 이상 소요되니 항상 유료로 이용하게 되네요. 차라리 백화점 1층에 있는 무료 물품보관함을 이용하시는 것을 추천 드립니다.
| 롯데 뮤지엄 주차장 및 주차요금 할인
롯데뮤지엄은 롯데월드 타워 7층에 위치해 있으며, 에비뉴엘아트홀 6층과 연결되어 있는데요. 주말의 경우 에비뉴엘아트홀에서 접근하면 다소 번잡합니다. 롯데월드타워에서 엘리베이터를 타고 올라오시는 것을 추천 드립니다.
728x90
| 롯데월드몰 주차장 GATE 3 > 주차 상황은 지옥
이번 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회가 열리고 있는 롯데 뮤지엄 주차장은 롯데월드몰 주차장 게이트 3에서 가장 접근하기 좋습니다. 특히 지하 2~3층 A-D 구역을 추천하는데요.
이곳 롯데월드타워 주차장은 장애인과 전기차 구역을 제외하고는 지하3층부터 6층 주차장까지 한 대도 주차할 수 있는 공간이 없네요. 그런 와중에도 입차는 계속 됩니다.
결국 주차장 진입후에도 20분 넘게 빙빙 돌가가 운 좋게 지하 4층에 자리가 나와서 주차했네요.
가능하다면 대중교통으로 방문하시는 것을 추천 드립니다.
| 주차요금 할인
주말기준 롯데월타워 주차요금은 주말기준 10분에 500원 입니다. 롯데 뮤지엄 전시회 관람에는 2시간 정도 소요되니 주차요금도 보통 7~8천원 정도 나옵니다.
다만 롯데시네마, 아쿠아리움, 뮤지엄 당일 티켓 소지자의 경우 10분당 200원 최대 4시간까지 주차요금 할인이 지원됩니다. 주차요금 할인 방법은 티켓에 인쇄된 바코드를 주차정산 기계의 바코드할인에 인식하시면 됩니다.
저는 롯데월드타워에 주말 2시간 37분 주차장을 이용해서 정상 주차요금 8,000원이 청구 되었는데요. 전시회 관람 할인을 받으니 주차요금은 3,200원 나왔네요.
잠실 롯데 뮤지엄 주차할인은 최대 4시간 4,800원 까지 지원됩니다.
| 도슨트, 오디오 가이드
이번 The Art of Jewellery: 고혹의 보석. 매혹의 시간 도슨트와 오디오가이드 모두 지원합니다. 그것도 무료로...
| 더 아트 오브 주얼리 오디오 가이드
오디오 가이드는 바이브 (VIBE) 앱을 통해 무료로 들을 수 있습니다. 200여점의 전시물중 25점에 대한 설명이 진행되는데요. 전반적인 작품을 이해하기에 충분합니다. 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회 오디오가이드 청취 위해 이어폰 꼭 챙겨오세요. (현장에서 블루투스 무선 이어폰 대여해 주시기는 합니다만, 남들 사용하던 이어폰은...)
| 하루 4번 주말에도 진행되는 도슨트
아트 주얼리 : 고혹의 보석. 매혹의 시간 도슨트는 11:00, 13:00, 14:00, 16:00시로 오전에 두번 오후에 두번 무료 도슨트가 진행됩니다. 또한 토요일과 일요일에도 아트 주얼리 전시회 도슨트를 만나볼 수 있습니다.
도슨트 시간은 약 50~55분 정도 소요됩니다. 재가 방문한 날에는 채보미 도슨트님께서 수고해 주셨습니다.
| 전시회 구성 : 11개 섹션, 최소 2시간
이번 아트 주얼리 전시회는 9개의 전시 섹션과 2개의 특별섹션으로 구성되어 있습니다.
이번 전시는 세계에서 가장 중요한 주얼리 컬렉터인 카즈미 아리카와가 지난 40여 년 동안 수집한 주얼리를 국내 최초 공개하며 고대시대부터 중세, 르네상스, 아르누보 아르데코까지 유럽 역사를 아우르는 각 시대 대표 주얼리 200여 점을 선보이는데요. 관람시간은 최소 2시간 고려하셔야 합니다.
이번 The Art of Jewellery: 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회 구성은 아래와 같습니다.
전시회에 대한 작품 등 자세한 소개는 다음 포스팅에서 다룹니다.
전시장 중간에 있는 특별 섹션도 마련되어 있습니다.
| 다소 어두운 구성
이번 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회 전시공간은 다른 보석 전시회와 비슷하게 상당히 어두운 조명에서 진행되고 있습니다. 일부 공간은 상당히 어두운 부분도 있고, 전시장에 턱도 있으니 주의해서 관람요청 드립니다. 전시장 구성은 비교적 고급스럽고 동선 배치도 무난하게 잘 설정되어 있습니다. 평균점 드립니다.
반응형
| 전시작품 설명은 상당히 불성실한...
이번 롯데뮤지엄 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회에서 가장 아쉬운 부분입니다. 자품에 대한 설명안내가 글씨가 너무 작고, 유리관 뒤에 숨어있고, 조명도 어둡다 보니, 가독성이 너무 떨어집니다. 심지어 작품 제목이나 내용을 보기 위해서는 유리상자에 코를 박아야 할 정도네요.
이번 The Art of Jewellery 전시회 구성은 시대별 구성과 주제별 구성이 혼합되어 구성되어 있습니다.
전시회 뒷부분에서 만나볼 수 있는 티아라 섹션은 상당히 많은 볼거리를 제공합니다.
| 아트샵은 다소 실망
이번 The Art of Jewellery: 고혹의 보석. 매혹의 시간 전시회 아트샵은 보석 전시회에 맞게 보석제품이 준비되어 있습니다만, 이번 전시회와 관련된 주얼리는 아닌 것 같네요. 아마 레플리카도 저작권이나 비용이 만만치...
아트 주얼리 전시회 도록 가격은 100,000원 입니다. 허거거걱!!!
오늘은 내년 3월 16일까지 롯데월드타워에 위치한 롯데뮤지엄에서 열리고 있는 전시회 'The Art of Jewellery: 고혹의 보석. 매혹의 시간' 도슨트 및 주차 등 관련정보 공유했습니다. 다음 포스팅에서는 해당 전시회 관람후기 공유합니다.
오늘부터 국립중앙박물관 기획전시실에서 열리고 있는 '비엔나 1900, 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지' 전시회가 오늘 오픈했는데요. 얼리버드 예매를 통해 오늘 다녀 왔습니다.
오늘은 이번 전시회 티켓할인 및 도슨트, 오디오가이드, 주차장 / 주차시간, 포토존, 아트샵, 물품보관함, 전시회구성 등 관람에 필요한 기본 정보 공유합니다.
| 티켓 예약, 현장발권, 할인정보
| 얼리버드 티켓 할인 & 문화가 있는날 할인
이번 '비엔나 1900, 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지' 전시회 티켓 할인은 종료 되었습니다. 현재는 매월 마지막 수요일(12. 25, 2. 26.) 문화의 날에만 각 권종 50% 할인이 가능하네요.
저는 얼리버드 티켓팅을 통해 할인된 가격인 13,000원에 관람하고 왔습니다.
| 현장발권은 바로 가능
온라인 예매는 마감되었지만, 현장 티켓은 여유 있는 것 같습니다. 제가 방문한 전시회 개막일 날에는 바로 현장에서 전시회 티켓 발권이 가능했네요. 오히려 예약자가 일찍 방문하면 손해보는... 이상한 모습이 나왔네요.
아직 전시회 홍보가 덜 된것인지, 전시회 흥행성이 떨어지는 것인지. (뒤에서 설명하겠지만 입소문 나기는 어려울 듯)
728x90
| 도슨트 & 오디오 가이드 / 모바일 리플렛 : 이어폰 필수
이번 비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지 전시회 도슨트는 없습니다. 다만 가이드온을 통해 별도 유료 오디오 가이드가 제공되니, 이어폰 꼭 챙겨 오세요.
| 가이드온 어플 사전 다운로드 받기
이번 비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 전시회 오디오 가이드는 가이드온 앱을 통해 3,000원에 제공되는데요. 스트리밍 방식이 아닌 다운로드 방식으로 제공됩니다. 오디오가이드 파일 용량이 30Mb, 가이드온 앱이 없다면 추가 설치가 필요하니 현장에서 하기에는 다소 불편한 부분이 있습니다.
출발전에 앱 다운로드 및 파일 결제, 다운로드 하시고 국립중앙박물관 방문하시는 것을 추천 드립니다.
이번 가이드온 오디오 가이드 내용은 만족합니다. 비교적 충실하게 구성되어 있습니다.
다만 저는 사전에 한 번 설명듣고 전시회장을 방문하는데요. 오디오 가이드에 통상 제공되는 텍스트와 작품 이미지 중에 이미지는 제공되지 않아 다소 불편한 부분이 있습니다. (지금은 개선 되었을까?)
| 모바일 리플렛
해당 QR코드를 인식하면 전시회에 전시된 전 작품에 대한 모바일 리플렛이 제공됩니다.
작품에 대한 간단한 내용이 제공되는데요. 오디오가이드에 비해서는 상대적으로 부실합니다. (공짜 감안하면 만족)
| 무료 물품보관함
이번 전시회가 열리고 있는 국립중앙박물관 특별전시실 1에는 물품보관함이 무료로 운영되고 있습니다. 전시장 반입금지 물품이나, 큰 가방, 두꺼운 옷등은 무료 물품보관함 이용하시면 됩니다.
보관함 이용하시고 꼭 보관한 보관함 번호 사진으로 찍어 두세요. 한 커플 고생 하시네요.
| 전시회 관람시 유의 사항 : 사진촬영 가능
비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지 전시회 사진촬영 가능합니다. 동영상 촬영은 제한되어 있습니다. 이외의 다른 전시회 관람 조건은 다른 전시회 수준으로 제한되어 있습니다.
| 포토존
이번 비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 전시회 포토존 소개입니다. 전시장 좋아하는 작품 앞에서 사진 한 장 남기는 것이 가장 좋겠지만 관람객도 많고 대표작은 줄 서 관람하는 상황이어서 어렵습니다.
야외 포토존은 티켓박스와 특별전시실 입구와 실내에 있는 거대한 전시회 현수막을 배경으로...
전시장 안에는 1실과 2실 사이 에곤실레의 작품현수막을 배경으로 많은 분들이 기념사진 남기시네요.
이 외에 휴게 공간이나 전시회 마지막 공간들이 기념사진 촬영하기에 잘 구성되어 있습니다.
저는 이번 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지 전시회 맨 마지막 공간에서 에곤실레 대표 작품과!!!
(다음이 예술품에 대한 검열 수준이 높아 모자이크 처리 합니다.)
| 아트샵 / 기념품
비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지 아트샵은 전시장 건너편에 위치해 있습니다. 입장권이 없어도 아트샵 이용 및 구매 가능 합니다.
신용카드 커버는 신박했다는...
다만 스티커 형식의 카드 커버네요. 교통카드가 해당 버전으로 나왔다면 바로 겟 했을 듯...
가격 6,900원
다른 기념품들은 항상 다른 미술 전시회에서도 볼 수 있는 구성품
| 레오파드 미술관 기념품
레오파드 미술관에서 만날 수 있는 기념품이 한정판매되고 있네요.
이런 구성은 좋은 것 같네요. 다른 전시회도 이런 상품구성은 도입이 시급!!!
| 주차장 및 주차요금 할인
국립중앙박물관 주차장 주차요금은 소형차 기준으로 2본 2시간에 2,000원 매 30분당 500원 주차요금이 부과됩니다.
국가유공자나 경차, 전기차 , 하이브리드차량 등 친환경 차량은 50% 주차요금 할인됩니다.
주말 입차에 한 시간 걸린다고 했지만 10분도...
국립중앙박물관 홈페이지에는 주말의 경우 주차장 진입에 1시간 이상 대기한다고 해서 전시회 예약시간 보다 1시간 30분 여유두고 방문 했는데요. 박물관 입구부터 주차까지 10분도 안걸렸습니다. 뭐 차이는 있겠지만, 안막힘...
경차와 하이브리드 전용 주차공간이 었어 너무나 좋네요. 그것도 전시장 진입로 근처에 있어 좋았네요. 다만 국립중앙박물관 주차장 차간 간격은 여유있지는 않습니다. 중대형차 주차하니...
다만 저공해 하이브리드 차량은 무인정산기 정산되지 않고요. 출차하면서 확인 후 결제가능합니다.
| 전시회 구성
이번 비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지 전시회는 국립중앙박물과 특별전시실 1에서 진행됩니다. 제 1실과 2실에서 7개의 섹션으로 구성되어 있습니다.
이번 포스팅에서는 간단하게 진행합니다. (다음 포스팅에서 작품 하나하나 리뷰 합니다.)
*** 황금빛 클림트를 기대했다면 왕실망~ 실레를 기대했다면 만족!
00. 프롤로그 비엔나에 분 자유의 바람
프란츠 요제프 1세 황제는 비엔나를 유럽의 문화와 예술의 중심지로 만들기 위한 도시 확장 계획을 단행했습니다. 이 과정에서 오늘날 비엔나를 대표하는 관광지로 꼽히는 유명한 건축물들이 지어졌습니다. 그러나 그 결과물은 과거 예술 양식의 모방과 재현에 그쳤습니다. 기대와 실망 속에 논란의 중심이 된 대도시 비엔나에는 각종 분야의 예술가들이 모였고, 토론의 장이 펼쳐졌습니다. 구스타프 클림트는 이때 새로 지어진 건물에 벽화를 그리면서 크게 명성을 떨쳤습니다. 그러나 전통 양식을 그대로 따르는 일은 클림트의 뜻과 맞지 않았습니다. 그는 전통적인 관습에서 벗어나기 위해 새로운 예술의 길을 탐구했고, 뜻이 맞는 동료들과 함께 특별한 예술 운동을 시작합니다. 클림트는 새로운 도전을 꿈꾸던 예술가들의 구심점이 되었습니다. 클림트와 동료들이 만든 비엔나 분리파의 활동으로 이제 비엔나에 ‘자유의 바람’이 불어오기 시작합니다.
01. 비엔나 분리파, 변화의 시작
19세기 말 비엔나에는 다양한 분야의 예술가들이 모여들어 변화의 시대에 걸맞은 새로운 예술에 대한 논의가 한창이었습니다. 보수적인 기득권과 맞서는 젊은 예술가들의 구심점이 된 구스타프 클림트는 동료들과 함께 비엔나 분리파를 결성하여 과거의 관습과 예술 양식으로부터의 ‘분리’를 선언했습니다. 비엔나 분리파의 초대 회장이 된 클림트는 활발하게 전시를 열어 작품에 대해 자유롭게 토론하는 교류의 장을 만들었습니다.
또한 회화뿐 아니라 공예, 삽화, 책 표지와 우표 디자인 등 일상의 여러 분야로 예술의 지평을 넓혔습니다. 그들의 예술 철학과 외국의 예술 동향을 알리는 잡지인 『베르 사크룸(성스러운 봄)』도 발행했습니다. 여러 예술 장르를 합쳐 하나로 완성된 아름다움을 구현한다는 ‘총체예술’의 개념은 비엔나 분리파의 바탕이 되었습니다.
02. 새로운 시각, 달라진 오스트리아의 풍경
비엔나 분리파의 대다수 회원은 유럽으로, 일부는 아시아 지역까지 여행하며 새로운 예술을 접하고 다양한 분야의 예술가들과 소통하기 위해 노력했습니다. 또한 전시회를 열어 유럽의 다른 나라들에서 어떤 예술 운동이 벌어지고 있는지를 보여주고자 했습니다. 이러한 영향 속에서 새로운 방식으로 오스트리아를 그린 풍경화가 나타났습니다.
전통 양식을 따르던 보수적인 아카데미는 예술에 대한 새로운 도전을 탐탁치 않아 했고, 당시 유럽에 퍼져 나갔던 예술적 자극에 대한 수용을 거부했습니다. 하지만 비엔나 분리파는 새로운 시도와 자극을 두려워하지 않았고, 모방이 아닌 그들만의 독창적인 양식을 만들고자 했습니다. 이들의 예술 철학과 도전은 이후 비엔나 예술계가 모더니즘으로 나아가는 데 큰 힘이 되었습니다.
구스타프 클림트와 그의 동료들은 공예도 예술과 동등한 지위를 가져야 하며, 일상에 영향을 미치지 못하는 예술은 없다고 주장했습니다. 비엔나 분리파 전시회에서는 회화, 공예, 조각, 포스터 등 다양한 장르의 작품을 함께 전시하였고, 예술은 모든 사람을 위한 것임을 대중에게 알렸습니다. 1903년 콜로만 모저와 요제프 호프만은 일상의 물건도 예술적으로 아름다워야 한다는 생각을 바탕으로 비엔나 디자인 공방을 설립했습니다.
비엔나 디자인 공방의 초기 디자인은 19세기 말 유럽에서 유행한 장식 미술과 아르누보의 영향을 받았습니다. 특히 자연에서 영감을 받은 곡선 형태가 두드러졌습니다. 그러나 곧 기능성과 미학의 조화를 강조한 영국 *예술공예운동의 영향으로 기하학적 단순함을 중시하는 디자인을 추구하게 됩니다. 이들의 철학은 이후 기능주의를 추구하며 설립된 예술학교 **바우하우스를 비롯해 여러 방면의 디자이너와 건축가에게 영향을 미쳤습니다.
04. 강렬한 감정, 표현주의의 개척자들
보수적인 아카데미의 교육 방식에 불만이 많았던 에곤 실레는 1907년 구스타프 클림트를 만난 뒤로 예술 인생에 큰 변화를 맞이합니다. 클림트는 실레의 재능을 한 눈에 알아보았고, 그를 주변에 소개하고 후원을 받게 함으로써 독립적인 예술가로 성장할 수 있도록 도와주었습니다.
1909년 아카데미를 그만둔 실레는 동료들을 모아 새로운 예술을 추구하는 ‘신예술가그룹’을 결성했습니다. 개인의 감정을 색채와 형태로 표현하는 방법을 탐구한 신예술가그룹 화가들은 비엔나 예술계를 모더니즘으로 이끄는 데 중요한 역할을 했습니다. 이들은 자유롭게 자신만의 예술 세계를 개척하며 비엔나 예술계에 세대교체의 바람을 일으켰습니다.
05. 선의 파격, 젊은 천재 화가의 예술 세계
20세의 어린 나이에 자신만의 독창적인 예술 세계를 확립한 에곤 실레는 1900년 비엔나의 표현주의 선구자들 중에서도 독보적인 존재였습니다. 그의 예술 인생은 짧았지만 인간의 감정을 그림으로 표현한 독창성은 모더니즘 예술의 선구적인 시도로 평가됩니다. 특히 에곤 실레는 자아 정체성, 고독, 욕망 등 심리적이고 실존적인 주제를 자신만의 선과 색으로 담아냈습니다.
죽음에 대한 공포, 혼자라는 두려움과 고독감, 한없이 불안한 마음 등 인간이라면 누구나 느끼는 내면의 고통과 갈등을 자신만의 방식으로 작품에 표현했습니다. 이제 누구보다 솔직하게 인간을 탐구하고 그려냈던 예술가, 에곤 실레의 작품 세계로 들어가 보겠습니다.
오늘은 국립중앙박물관에서 오늘 오픈한 비엔나 1900 꿈꾸는 예술가들 - 구스타프 클림트부터 에곤 실레까지 전시회 관람후기 1부 전시정보 리뷰입니다. 2부에서는 전시작품 소개 중심으로 리뷰 합니다.
지난주 예술의전당에서 오픈한 ‘빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들’ 전시회 관람후기입니다. 레오나르도다빈치, 미켈란젤로와 함께 이탈리아 3대화가로 손꼽히는 카라바조의 작품과 동시대를 살았던 거장들의 작품들을 만나볼 수 있는 좋은 경험이었습니다만 아쉬운 부분도 상당한 전시회입니다. 오늘은 카라바조 전시회 관람후기와 도슨트, 오디오가이드, 아트샵 등 전시회관련 모든 정보 공유합니다.
| 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 & 반고흐 전시회
이번 겨울 예술의 전당에서는 두 개의 대형 전시회가 열리고 있거나 준비중에 있습니다. 오늘 소개하는 카라바조 전시회와 현재 전시회 준비중인 ‘불멸의 화가 반 고흐’ 전시회인데요. 두 전시 모두 포기할 수 없는 전시회입니다.
전시회는 예술의전당 한가람 미술관 2층에서 ~ 2025.03.27.(목) 까지 열릴 예정입니다.
19시까지 전시회가 진행되며 입장 마감은 18:00시 입니다. 한 시간만 더늦게 종료하면 평일에도 방문할 수 있는데... 카라바조가 우리나라에는 상대적으로 잘 알려진 작가가 아니어서 그런지 전시회 초반인데 이 아주 많지는 않습니다. 오히려 입소문 나야 하는 전시회로 생각됩니다.
| 6개의 섹션 – 관람 시간은 최소 2시간 이상
이번 전시회는 카라바조 작품 10점을 포함해서 동시대 작가의 작품 70여점이 선보입니다. 총 6개의 섹션으로 구성되어 있으며, 상당히 여유있게 작품 배치를 해서 편안한 감상이 가능합니다. 각각의 작품에 많은 이야기와 감상포인트가 있어 최소 2시간의 시간은 생각하셔야 합니다.
주요 작품만 감상해도 두 시간 가까이 걸리네요. 모든 작품을 꼼꼼하게 감상하신다면, 3시간은 생각하세요.
| 도슨트 및 오디오 가이드
| 유료 도슨트 15,000원 / 1일 4회 진행
이번 전시회는 오디오가이드와 유료 도슨트로 진행됩니다. 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회 도슨트는 오전 10시와 11시 30분, 16시 17시 30분 총 4회 진행됩니다. 도슨트 시간은 약 50분이 소요되며, 무료가 아닌 유료로 진행됩니다. 가격은 15,000원
| 오디오가이드 3,000원 - 필수
카라바조 전시회 오디오 가이드는 현장에서 오디오가이드 기기대여 또는 H.Point 앱을 통해 이용이 가능합니다. 두 가지 모두 3,000원에 대여 가능한데요. 이어폰 챙기고 앱으로 청취하시는 것을 추천 드립니다.
이번 오디오가이드는 25개로 제공되는데, 지금까지 들어본 오디오가이드 중에서 내용 충실도가 상당히 높은 편입니다. 또한 미알못인 저는 이번 전시회에 전시된 작가 대부분을 모르기에 더욱 더 필요하네요.
| 카라바조 전시회 티켓 할인
정상요금은 성인 기준 22,000원 인데요. 저는 두 달 전에 슈퍼얼리버드 티켓팅으로 55% 할인된 가격인 9,900원에 관람하고 왔습니다. 아쉽게도 현재는 별도 할인 프로모션은 없네요. 아마도 전시회 중후반이 지나야 할인 티켓이 나올 것으로 예상됩니다.
그럼 본격적으로 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회 소개합니다.
첫 공간은 작품이 전시되어 있는 것이 아닌 어두운 방안에 창에서 빛이 들어오고 있습니다.
| PROLOGUE
창문에서 들어오는 한 줄기 빛을 느껴보세요. 그 빛이 닿는 순간, 강한 그림자를 만들어 내며, 빛과 어둠이 빛는 드라마틱한 공간이 됩니다. 여러분이 서 계신 이 곳은 카라바조의 대표작 중 하나인 <성 마태오의 소명> 속 모티프에서 영감받아 구현한 공간입니다.
카라바조의 작품에서 상징적으로 쓰이는 ' 빛'과어둠'을 통한 강렬한 명암 대비 효과, 즉. '테네브리즘'을 사용하여 마치 연극 무대의 한 장면처럼 보이게 한 카라바조의 작품 세계를 직접 몸으로 경험하신 여러분은 이제 카라바조의 세계관에 더 깊이 빠질 준비를 제공하네요.
728x90
| 1. 카라바조의 예술적 뿌리를 찾아서
이번 전시회 첫 섹션은 후기 르네상스와 매너리즘 화풍으로부터 더 나아가고자 변화를 꾀하던 화가들을 만나며, 카라바조 작품 세계에 영감을 준 작품들을 만나볼 수 있는 공간입니다.
성 바오로의 회심
루드비코 카라치. 1587
이번 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회 첫 작품은 카라바조와 동시대 활동하며 라이벌 구도를 형성한 안니발레 카라치의 사촌 형, 루드비코 카라치가 그린 '성 바오로의 회심'입니다. 이 작품의 원작은 볼로냐 국립 회화관에 소장되어 있습니다.
작품은 유대인을 핍박하던 사울이 기독교로 개종하는 순간을 담고 있는데요, 유대교회당에서 기독교인을 체포할 수 있는 허가를 받기 위해 다마스쿠스로 가던 사울은 갑자기 하늘에서 떨어지는 빛에 눈이 멀어 땅에 떨어집니다. 그리고, 하늘에서 메시아의 음성을 듣습니다. "사울아, 사울아, 왜 나를 핍박하느냐?" 사울은 이후 바오로라는 이름으로 바꾸고 "이방인의 사도"로서 비기독교인들에게 복음을 전도하는 일에 헌신하는 삶을 삽니다.
이 작품에서는 16세기 이탈리아 북부 거장들의 고전주의와 이탈리아 남부 베네치아 색채주의에서 발견되는 절제된 빛 표현이 잘 나타납니다. 또한, 우아하면서도 밝은 그림을 그리는 루드비코 카라치의 전형적인 작업 방식을 그대로 드러내는데요, 사울이 입고 있는 옷과 말의 풍성한 꼬리 묘사 등 섬세한 표현과 풍부한 색채의 질감, 화면을 가득 메우는 역동성은 카라바조에게 영향을 주었고, 훗날 카라바조가 '성 바오로의 낙마'를 그릴 때이 작품을 참고합니다.
마르타와 마리아의 집에 있는 그리스도
프란체스코 바사노. 1586
프란체스코 바사노는 베네치아 색채주의의 영향을 받아 따뜻한 색감과 풍부한 붓질로 섬세한 표현을 자랑하는 화가입니다. 시골 야외에 펼쳐진 풍경 아래 농민과 사냥꾼, 목동, 어부 등 소박하지만 품위 있는 도시민의 일상을 즐겨 그렸는데요. 구름 낀 하늘 아래 언덕이 펼쳐져 있고, 벽난로에서 피어오르는 연기와 요리 준비에 분주한 농장 마당을 배경으로 바사노는 인물화와 풍경화가 결합된 내러티브를 화폭에 담아냈습니다.
두터운 물감 층, 인물의 섬세한 묘사, 따뜻한 색조의 사용과 명암을 강조하는 방식 등 그의 전형적인 작업 스타일을 보여주는 이 작품은 루카의 복음서 10장 38절에 기록된 베다니아의 마리아와 마르타 자매의 집을 방문한 그리스도를 묘사하고 있습니다. 분주하게 손님 접대를 준비하는 마르타가 일손을 돕지 않는 동생 마리아를 향한 불만을 표출하자 예수께서 그녀를 꾸짖으며 이렇게 말씀하십니다. "마르타야, 너는 많은 일에 다 마음을 쓰며 걱정하지만 실상 필요한 것은 한 가지 뿐이다. 마리아는 참 좋은 몫을 택했다. 그것을 빼앗아서는 안 된다."
이렇듯, 작품은 각자 역할과 책임에 대한 교훈을 전달합니다. 이는 북유럽 미술에서 유래한 기법의 일환으로, 시골과 도시의 일상을 담은 장면을 통해 복음서의 이야기, 속담, 도덕적 교훈을 담은 메시지를 전하는 것인데요, 이러한 사실적인 묘사 기법은 롬바르디아에서 활동하던 젊은 카라바조에게도 알려지면서 그가 작품세계를 구축하는 데 영향을 미쳤습니다.
| 2. 카라바조와 거장들의 작업실
강렬한 느낌의 초상화가 전시되어 있는 공간입니다.
앞에서도 언급했지만 이번 예술의전당에서 열리고 있는 '빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회' 는 70여점의 작품을 6개의 섹션으로 구분하고 각 섹션별로 상당이 여유있게 작품 감상이 가능하도록 구성되어 있습니다.
사람들에게 치이지 않고 편하게 감상했다는...
성 체칠리아
안티베두토 그라마티카 1620.
안티베두토 그라마티카는 카라바조의 양식을 따랐던 화가입니다. 카라바조의 작품에서 보여지는 강렬한 명암 대비와 사실적인 인물 묘사는 그라마티카의 인물화에서도 자주 활용되었습니다.
그라마티카는 음악을 주제로 한 작품을 많이 그렸는데, 그 중에서도 주요작으로 평가받는 '성 체칠리아'는 음악의 수호성인 체칠리아가 오르간 건반 앞에 앉아 노래를 부르고 있는 모습을 묘사한 작품입니다. 그라마티카는 고전적이고 차분한 모습과 성스러움을 강조하기 위해 음악의 상징물로서 오르간이나 악보를 함께 그려 넣었습니다. 또한 터번으로 머리를 감싸 올려 노래를 읊조리는 듯한 입 모양이 더욱 돋보이게 표현한 점이 눈에 됩니다.
앞서 만났던 시모네 페테르차노의 경우처럼, 이 시기의 회화는 종교적 장면을 보다 현실감 있고 감정적으로 표현하려는 경향이 있었는데, 이 작품 역시 작품 속 성녀의 표정과 몸짓를 보다 극적으로 묘사하면서 그녀의 내면적 경건함과 순수한 신앙심을 표현하고자 하는 노력을 반영하고 있습니다.
예수의 성전 봉헌
시모네 페테르차노.1588.
카라바조의 스승이었던 시모네 페테르차노의 제단화 '예수의 성전 봉헌'입니다. 작품은 유대인의 전통에 따라 아기 예수를 성전에 처음으로 봉헌하고 있는 순간을 그린 것인데요, 제의를 입은 사제는 성모 마리아의 팔에 안긴 아이를 받으려 하고 있고, 이 장면을 요셉과 다른 이들이 곁에서 지켜보고 있습니다. 화면의 하단에는 제물로 받쳐질 비둘기 두 마리를 들고 있는 젊은 여성과 한 소년이 서 있습니다.
신선하고 다채로운 색감과 빛을 받은 인물의 뚜렷한 윤곽이 화면에 생동감을 불어넣고, 엄숙함과 경건함이 전반적으로 밝은 분위기 속에 펼쳐지고 있는데요, 스승 티치아노의 혁신적인 색채 사용과 붓질의 질감, 베네치아 색채주의의 영향을 받은 페테르차노는 이 작품에서 파울로 베로네세의 고전적 건축미와 파리 보르도네의 온화한 인물 묘사를 능숙하게 융합하였습니다. 단순한 구성을 취한 이면에는 카를로 보로메오 추기경이 밀라노 공국에서 주도한 반종교개혁의 엄격한 교리에 부응해야 했던 시대적 요구가 깔려 있습니다. 그 결과, 작품은 고요하고 상징적이며, 시대를 초월하는 품격을 지니게 되었습니다.
또한 이 작품은 매너리즘적 우아함을 기반으로 하면서도 당시 종교 의식을 사실적으로 재현하는 데 탁월함을 보여줍니다. 특히 인물들의 생동감 넘치는 묘사와 성스러운 분위기를 현실감 있게 담아내어 종교적인 감동을 강조하는데요, 이와 같은 특징은 페테르차노가 추구했던 현실적 회화의 중요한 성과로 평가받으며, 이후 카라바조가 자신의 스타일을 형성하는 데도 큰 영향을 미치게 됩니다.
죽은 그리스도에 대한 애도
주세페 체사리(카발리에르 다르피노). 1610
당시 화가라면 한 번 이상은 그려봤을 소재의 작품. 느낌이 묘해서...
| 이번 전시회에서 가장 아쉬운 부분
예술의 전당에서 열리고 있는 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회에서 가장 아쉬운 부분입니다.
작품에 대한 설명이 너무 작고 작은 글씨로 부착되어 있어, 사실상 읽어보는 것이 불가능한 수준입니다. 거의 코가 닿을 정도의 거리까지 다가가야 보이네요. 많은 사람들이 이 부분에 대해서는 상당히 불편과 불많이 많은 것 같습니다.
그래서 오디오 가이드는 필수가 되었네요.
| 3. 정물화의 변모
카라바조의 초기작인 '과일바구니'를 시작으로 정물화는 하나의 장르'로서 자리잡게 되었습니다. 종교화나 초상화에서 배경으로만 사용되던 정물을 독립적인 주제로 다룬 것은 당시에 매우 혁신적인 방식이었으며, 이로 인해 카라바조는 오늘날 정물화의 선구자로 평가받고 있습니다.
도마뱀에게 물린 소년
카라바조.1595
작품은, 곱슬머리 소년이 도마뱀에게 손가락을 물려 깜짝 놀란 상황을 묘사하고 있습니다. 소년은 놀라움과 아픔에 몸을 뒤로 젖히고 고통스러워하고 있습니다. 이 작품은 전통적인 회화와는 달리, 카라바조만의 독창적인 요소들을 담고 있습니다. 그는 순간적 감정과 반응을 사실적으로 포착해 관객이 그순간에 몰입할 수 있게 만듭니다. 단순한 초상화나 장면을 그린 것 이상의 접근법으로 일상의 순간에 내재된 감정적인 드라마를 부각시키고 있죠. 또한, 카라바조는 어두운 밑바탕 위에 음영을 효과적으로 사용하여 물감 소모를 줄이면서도 깊이 있는 표현을 했습니다.
빛을 활용하는 방식도 인상깊은데요, 유리병에 비친 창문 밖 밝은 풍경과 어두운 실내로 들어오는 강렬한 빛은 순간의 긴박함과 감정의 고조를 끌어올리는 조명 효과 역할을 합니다. 한편, 테이블 위에 놓인 과일과 꽃들은 단순한 배경을 넘어 상징적인 존재로 자리잡고 있습니다. 붉은 체리는 사랑과 다산의 기쁨을, 장미 줄기의 가시는 사랑의 고통을, 특히 도마뱀은 유한한 인생과 덧없음을 상징합니다.
이 작품의 다른 두 가지 버전은 피렌체의 로베르토 롱기 미술사 연구재단과 런던 내셔널 갤러리에 소장되어 있습니다. 세 작품을 비교해 보면, 작품의 구도는 비슷하지만, 도마뱀이나 소년의 볼과 입술의 붉은 정도, 체리의 색 등 디테일에서 차이를 보입니다. 이 작품의 경우, 소년의 눈 아래 눈물이 맺혀 있지만, 다른 두 버전에서는 눈물이 거의 보이지 않거나 존재하지 않습니다.
아래는 작년 영국내셔널갤러리 특별전에서 만난 카라바조의 같은 듯 다른 작품
아니 확실히 다르다!
배가 있는 정물화
페데 갈라치아. 1605
페데 갈라치아는 미니어처 화가인 아버지의 영향을 받아 정물화에 뛰어난 역량을 발휘한 작가입니다. 여성 화가였던 탓에 교회나 공공예술 작품의 공식적인 의뢰는 적은 편이었으나 그럼에도 지성인들, 예술가들과의 관계가 활발했던 그녀는 밀라노의 영향력 있는 인사들 및 스페인 귀족들과 교류하며 활동했습니다. 정작 그녀가 두각을 보인 것은 인물화나 종교화가 아닌 자연의 사물들을 그리는 것이었는데요, 카라바조의 '과일바구니'에 깊이 매료된 그녀의 정물화는 자신만의 정물화 특징을 지닙니다.
과일 껍질을 벗기는 소년
카라바조. 1595
카라바조가 그렸을 것으로 추정되는 이작품은 정물화와 인물화를 결합한 대표적인 예로, 조심스럽게 과일 껍질을 벗기는 단순한 일상적 행동이 매우 섬세하게 표현된 작품입니다. 사색에 잠긴 듯한 표정의 소년 주위로 빛과 어둠의 대조가 감정의 깊이를 더해 줍니다. '도마뱀에게 물린 소년'과 같이 왼쪽에서 대각선으로 흐르는 강렬한 빛과 그림자의 극적인 대비는 키아로스쿠로의 초기 사례를 보여줍니다.
또한 이 작품은 카라바조가 이후 발전시켜 나갈 자연주의적 화풍을 엿볼 수 있는 주요 초기작으로 알려져 있는데요, 당시 전통적인 이상화된 그림과 달리 일상적인 인물의 감정을 포착하는 데 초점을 맞추고, 사실적으로 묘사한 과일과 소년의 모습이 이후 그가 이끌어낼 정물화 장르의 발전에 기여한 점에서 중요한 의미를 갖는 작품입니다. <도마뱀에게 물린 소년>과 마찬가지로 과일은 생명, 유한함, 혹은 인간의 덧없음을 상징합니다.
어린 바쿠스에게 와인을 주는 실레노스
술의 신 바커스는 실레노스(현자이자 물의 요정)에게 포도주를 양조하는 법을 배웠다고 신화에서 그러는데...
이번 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회에서 느김 좋았던 그림 중 한점
| 4. 온건한 고전주의
고전주의 미술(Classicism)은 17세기 후반부터 19세기 초까지 유럽 미술에서 나타난 주요한 예술 사조로, 고대 그리스와 로마의 미술과 문화에서 영향을 받아 정제된 아름다움과 이상적인 비례, 균형, 조화, 이성적 표현을 강조한 특징을 지닙니다. 고전주의 미술은 르네상스 미술의 이상을 계승하면서도, 바로크와 로코코 같은 화려하고 감성적인 스타일에 대한 반발로 발전하였습니다.
성 카를로 보로메오
카를로 사라체니. 1612~1615
카를로 사라체니(Carlo Saraceni, 1579–1620)는 이탈리아의 바르크 예술가이자 초기 바로크 화가로, 특히 로마에서 활동한 화가로 잘 알려져 있습니다. 그는 바르크 미술 운동의 주요 인물 중 한 명으로, 당시 이탈리아에서 유행했던 강렬한 명암 대비와 사실적 표현을 특징으로 했습니다.
사라체니는 카라바지즘을 적극적으로 받아들였으나, 그의 작품에는 카라바조와는 다른 섬세함과 감성적인 면이 강조된 점이 있습니다. 예를 들어, 카라바조의 작품들이 종종 강렬한 드라마와 충격적인 이미지로 가득 차 있었다면, 사라체니는 조금 더 정제된 감정을 표현하려 했습니다. 그의 작품은 로마에서 큰 인기를 끌었으며, 카라바조와 비슷한 방식으로 감정을 강하게 전달하면서도, 더 우아한 기법과 디테일을 보였습니다.
황홀경의 성 프란체스코
귀도레니. 1625
귀도 레니(Guido Reni, 1575–1642)는 이탈리아의 바로크 시대 화가로, 특히 로마와 볼로냐에서 활동한 중요한 예술가입니다. 그의 작품은 바로크 미술의 대표적인 스타일 중 하나로, 우아함과 감성적인 표현, 그리고 세밀한 기법을 강조하며, 카라바조의 극적인 명암 대비와는 대조적으로 보다 부드럽고 이상적인 아름다움을 추구했습니다.
다친 탄크레디를 발견한 에르미니아
구에르치노
이탈리아 르네상스 시인 토르콰토 타소의 서사시 '해방된 예루살렘'속 중요한 장면을 담고 있습니다. 에르미니아와 바프리노가 전투에서 부상당해 쓰러져 있는 탄크레디를 발견하고 그를 돌보는 장면을 그린 이 작품은, 등장인물의 생동감 았는 포즈와 그들의 감정을 극적으로 표현하며, 바로크 특유의 극적인 사실주의를 잘 보여줍니다.
에르미니아, 탄크레디, 바프리노가 마치 살아 움직이는 것 같아 보이는데요,구에르치노는 타소의 서사시가 가진 장엄한 내러티브를 화폭에 담아 등장인물들의 감정과 서사적인 긴장을 생생하게 전달합니다. 특히 에르미니아의 눈에서 흐르는 눈물은 작품의 비극적인 분위기를 더욱 부각시키며, 인물들의 감정이 절정에 이르는 순간을 포착해 보는 이를 매료시킵니다. 여기에 더해, 자연의 요소인 구름, 안개, 식물들이 인물의 감정과 어우러지며 자연과 인간 감정의 조화를 극적으로 표현하고 있습니다.
성가족과 아기 성 세례자 요함
안니발레 카라치. 1595
우선, 섬세하게 그려진 이 작은 크기의 우아한 '성가족과 아기 성 세례자 요함'은 안나빌레 카라치가 로마 활동 시기에 몬탈토 추기경을 위해 제작한 것입니다. 라파엘로의 '참나무의 성모'를 재해석한 작품으로서 양식적인 우아함, 라파엘로와 코레지오를 연상케 하는 구성을 취하고 있습니다. 그리스도와 가족들 간의 일상적인 가정의 모습을 고전적인 분위기로 연출하는 가운데, 성스러우나 친밀하고 자연스러운 분위기를 담고 있습니다.
| 5. 카라바조의 동료와 대립자들
시기와 질투가 서로를 발전시키기도 하지만, 대부분 파멸로 끝나는...
묘하게도 이번 섹션에 전시된 작품들의 내용들도 그러하다.
가시관을 쓴 그리스도
토마소 살리니.1620.
발리오네와 마찬가지로 토마소 살리니 역시 카라바조와 갈등을 빛은 인물입니다. 전통적인 이상화된 미적 기준을 따르던 살리니에게 카라바조의 사실주의와 자연주의적 접근은 받아들이기 힘든 것이었습니다. 특히 카라바조가 성경 속 인물을 현실적이고 거칠게 묘사한 것에 대해 살리니는 큰 반감을 가지고, 카라바조와 대립한 작가들과 그를 향한 반대의 목소리를 높였는데요
이번 전시에 만날 수 있는 토마소 살리니의 작품은 성경에 기록되어 있는 예수의 재판 과정 중 참혹했던 마지막 단계의 모습을 묘사한 '가시관을 쓴 그리스도' 입니다. 예수를 법정 안뜰로 호송한 로마의 병시들이 다른 사람들을 불러모은 뒤 예수에게 왕족들에게만 허락된 자주색 옷을 입혀 그의 머리에 가시 면류관을 씌운 다음, 지팡이를 손에 쥐게 하고 "유대인의 왕이시어, 만세!" 라며 조롱했습니다.
작품을 가까이서 살펴보면, 폐쇄적이고 어두운 감옥을 배경으로 잔인한 고문자와 반쯤 발가벗겨진 고통받는 메시아 신체 일부에만 반사된 빛이 실내를 밝히고 있습니다. 고문자의 냉담한 분위기와 체념한 듯한 예수의 표정이 침묵 속 가해자와 희생자 사이의 불편한 감정을 고조시키고 있습니다. 얼굴과 옷주름의 사실적인 묘사와, 키아로스쿠로가 잘 드러나는 빛과 어둠의 명암 대조 등을 통해 그가 카라바조 화품의 영향을 받았음을 알 수 있습니다.
삼손과 데릴라
조반니 발리오네. 1625
조반니 발리오네(Giovanni Bellini, 1430년경 – 1516년)는 이탈리아 르네상스 시대의 대표적인 화가 중 한 명으로, 주로 베네치아파의 중요한 인물로 알려져 있습니다. 그는 베네치아 미술의 발전에 큰 영향을 미쳤으며, 그가 남긴 작품들은 예술사에서 중요한 위치를 차지합니다. 특히 그의 작품은 빛과 색에 대한 독창적인 접근법, 섬세한 감정 표현, 그리고 인물 묘사에서 높은 수준의 기술을 보여줍니다.
초기에는 카라바조의 영향을 받아 그의 화풍을 따르기도 했으나, 카라바조의 비난과 조롱이 두 사람의 관계를 완전히 갈라놓았지요. 결국 발리오네는 카라바조와 젠틸레스키를 명예훼손으로 고소하기에 이르렀습니다.
발리오네는 비평가로서도 활동하며 그의 저서에 카라바조를 강하게 비판하기도 했습니다. 이 둘의 관계는 단순한 예술적 경쟁을 넘어 당시 미술계에서 카라바조의 다혈질적인 성격과 혁신적인 천재성이 전통 화가들에게 어떻게 받아들여졌는지를 보여주는 중요한 사례로 남아 있습니다.
이번 전시에서는 조반니 발리오네의 작품 '삼손과 데릴라'는 발리오네의 도상학은 구약성서에서 유래한 여성 미덕의 본보기나 교훈을 주는 우화를 그렸는데요, 사사기 16장 19절에 등장하는 삼손과 데릴라의 이야기는 1620년대와 30년대, 특히 이탈리아에서 큰 인기를 끌었습니다. 작품은 무적의 영웅 삼손이 연인 데랄라에게 배신당해 힘의 원천인 머리카락을 잃는 유명한 이야기를 통해 육체의 유혹에 굴복하는 위험을 경고하는 작품입니다.
모욕당하는 그리스도
오라치오 젠틸레스키. 1605
바로크 회화 예술계에서 가장 많이 알려진 여성 화가인 아르떼미시아 젠틸레스키의 아버지입니다. 두 부녀는 모두 카라바조의 사실주의적 표현과 극적인 명암법을 따르는 카라바조 화파로 분류되며, 그의 스타일을 발전시킨 중요 인물로 손꼽힙니다. 특히 오라치오 젠틸레스키는 카라바조와 어울리며 뒷골목 건달들처럼 함께 어울려 다니기도 했습니다.
이 작품은 예수의 수난의 세가지 순간 중 모욕당하는 모습을 그린 것인데요, 이 상황은 마르코의 복음서 15장 16절에서 20절에 기록되어 있습니다.
"군인들은 예수를 끌고 브라이도리온, 즉 총독 관저 안으로 들어가 온 군대를 모으고, 예수에게 자색 옷을 입히고 가시관을 엮어 씌운 후. '유대인이 왕이여, 평안할지어다'라고 경의를 표했다. 그들은 갈대로 그의 머리를 내리치고 침을 뱉으며 무릎끓어 절하였다. 희롱을 마친 후 자색 옷을 벗기고 도로 그의 옷을 입힌 뒤 십자가에 못 박으려고 끌고 나갔다."
작품은 견고한 구성적 바탕으로 통일된 색채 팔레트를 지니고 있습니다. 섬세하게 묘사된 풍경과 치밀하게 처리된 표면이 돋보이며, 시간의 흐름에서 벗어난 듯한 장면의 고요한 분위기는 그리스도의 침묵 속에서 절제된 아름다움을 자아냅니다. 과장된 수사나 불필요한 장식 없이 명료하고 담백하게 이미지를 묘사하고 있습니다.
성 토마스의 의심
카라바조. 1601-1602
작품은 사실주의와 강렬한 명암 대비가 돋보이는 카라바조의 대표작 중 하나로 요한복음 20장 24-29절의 장면을 묘사하고 있습니다. 이 장면은 예수가 실제로 토마스에게 자신의 상처를 보여주며 그의 손가락을 상처에 대어 보게 하는 순간을 그린 것입니다. 카라바조는 이 장면을 극도로 현실감 있게 표현했습니다. 부활한 예수가 제자들 앞에 나타났을 때, 예수의 부활을 믿지 않았던 성 토마스가 예수의 옆구리에 깊이 손가락을 넣고 그의 상처를 직접 확인하자 놀라움과 의심의 감정을 동시에 내비칩니다. 종교화의 성스러움에 풍속화의 사실주의를 도입한 카라바조의 대담한 화풍이 마치 눈 앞에서 일어나는 일처럼 생생하게 표현되었고, 강렬한 명암 대비로 예수의 신성한 존재감과 인간적인 상처가 강렬하게 대비됩니다.
이 그림은 예수 부활 이후의 장면을 그린 작품으로 카라바조의 작품 중에서도 가장 많이 복제되고 모방된 것 중 하나로 알려져 있습니다. 17세기에 이미 20개 가량의 복제본이 만들어 졌다고 하는데요, 이 시리즈의 원형이 되는 작품은 독일 포츠담에 위치한 산수치 궁전에 소장되어 있습니다.
1922년 재발견된 우피치 미술관 소장본은 1666년 카를로 데 메디치 추기경의 유품 목록에 "성 토마스가 그리스도의 상처에 손가락을 넣는 장면이 묘사된 네 명의 인물이 있는 그림"이라는 설명과 함께 기록되어 있습니다. 우피치미술관 소장본은 원형으로 추정되는 포츠담의 작품과 크기가 같고, 회화의 예술적 품질이 매우 높아 카라바조 양식으로 제작된 뛰어난 복제본이라 평가되고 있습니다. 특히 빛과 인체의 해부학적 표현에서 뛰어난 솜씨를 보여주며, 포츠담 작품과 매우 유사하지만, 그리스도의 머리카락 표현 같이 몇 가지 작은 차이점 또한 존재합니다.
이어서 예술의 전당 '빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회' 마지막 이자 가장 넓은 공간으로 이동합니다.
| 6. 카라바조의 유산과 카라바조주의자글
만약 카라바조가 조금만 더 바른생활?을 하고 장수하고 많은 작품을 남겼다면, 미켈란젤로나 라파엘로 보다 더 유명하고 뛰어난 작품을 남겼을까?
결국 자기관리가 가장 중요하다는...
마지막 섹션에서는 현대 회화의 길을 개척한 카라바조의 영향력은 로마와 이탈리아를 벗어나 전 유럽으로 확대되며 글로벌 현상으로 이어졌습니다. 이번 전시에서 소개하는 테오도르 롬바우츠, 페드로 누네스 델 발레, 마티아 프레티, 루카 조르다노, 지아키노 아세레토 등 젊은 카라바조주의자들이 로마로 모여들었습니다. 이번 섹션은 카라바조의 영향력과 그가 남긴 예술적 유산을 조명합니다.
그리스도의 체포
카라바조. 1602.
로마에서 카라바조의 후원자인 마테이 가문의 궁전을 장식하기 위해 카라바조는 이번 전시에서 소개하는 <그리스도의체포>와 <묵상하는 성 프란체스코>를 그리게 되는데요, 우피치미술관의 소장품 <그리스도의 체포>를 살펴보면, 이 작품은 예수가 겟세마네 동산에서 유다의 배신으로 본디오 빌라도의 로마 병사들로부터 체포되는 순간을 묘사하고 있습니다
특히 어두운 배경 위로 병사들의 붉은 망토와 그들이 입고 있는 튜닉과 바지에서 보여지는 세 가지 붉은 톤이 눈길을 사로잡는데요, 플랑드르 바탕처리된 캔버스에 철과 납, 망간을 섞은 벽돌색과 주홍색을 기반으로 한 컬러 팔레트와 윤곽을 이루는 엠버 계열의 갈색 안료의 강한 색채 대비가 인물의 존재감을 더욱 부각시킵니다. 아스팔트와 석탄을 사용해한 얇은 색조를 덧입히는 베일링 기법을 통해 배경의 흙과 갈색 그을음과 자연스럽게 섞이는 과정에서 그리스도의 망토 부분에는 오래된 세척제가 용해되면서 생긴 청금석이 유리화된 흔적이 드러나게 되었습니다.
반응형
화면 왼쪽에서 입을 크게 벌리고 고통스러워하는 인물은 성 요한 복음사가입니다. 화면 오른쪽 상단에서 등불을 들고 체포 장면을 바라보는 인물이 성서에 등장하는 말쿠스일 가능성이 높습니다. 이 인물은 카라바조의 자화상으로 추정됩니다. 최근 복원 작업을 통해 덧칠한 부분이 제거되면서 이 자화상의 증거가 다시 드러났습니다.
무엇보다도 작품은 카라바조의 극적이고 독창적인 스타일을 잘 보여줍니다. 예수는 고요하면서도 체념한 듯한 표정을 짓고 있는 반면, 예수를 배신하는 유다는 강조되어 있고, 주변 병사들은 긴장감과 폭력성을 드러냅니다. 카라바조는 이 작품을 통해 배신, 고뇌, 인간의 감정을 강렬하게 표현하고자 했습니다.
묵상하는 성 프란체스코
카라바조. 1603
이 작품은 프란체스코회 성인들의 전통적 도상학을 따르고 있습니다. 가령, 성인이 기도와 묵상을 즐겨 했던 동굴의 바위를 배경으로 설정하고, 화면 앞쪽에 성인을 배치하고, 그의 머리위에는 성스러움을 상징하는 후광을 그려 넣었습니다. 성인은 에수의 처형을 상징하는 나무 십자가 옆에 무릎을 끓고 묵상하고 있습니다.
성인이 손에 든 해골을 응시하는 모습은 카라바조만의 독창적인 도상적 발명으로, 해골은 죽음을 상징하며 "메멘토 모리" 즉, 반드시 죽는다는 것을 기억하라 라는 라틴어 구절을 떠올리게 합니다. 그의 고독한 형상은 신상한 빛에 휩싸여 마치 은둔지의 어둠속에서 떠오르는 듯한 인상을 줍니다. 갈색 계열로 단순화된 색조는 프란체스코의 얼굴, 해골, 그리고 바위 위에 놓인 십자가를 비추는 강렬한 빛과 선명하게 대비를 이루고 있습니다.
이 상징물들은 성 프란체스코의 삶과 가르침을 전달합니다. 그렇기 때문에 프란체스코회 주제의 그림들은 16세기 말에서 17세기 초에 특히 인기를 끌었는데요, 당시 유럽을 휩쓴 포르테스탄트 종교개혁 운동과 가톨릭 반종교개혁 간 갈등과 연관 지어져, 신앙을 강조하고 교회의 메시지를 전달하는 중요한 수단으로서 사용되었습니다.
빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회 마지막 섹션공간의 배치
마치 유럽의 미술관과 같은 느낌을 주고 있습니다. 작품 하나하나 방해받지 않고 집중할 수 있는...
성 로렌초와 성 프란체스코가 있는 예수 탄생
파울로 제라치, 1627-1628
파울로 제라치는 화려한 색감과 대규모의 인물 배치로 유명한 16세기 이탈리아를 대표하는 화가이자 카라바조의 화풍을 계승한 화가 중 한 명입니다. <성 로렌초와 성 프란체스코가 있는 에수 탄생>은 제라치가 카라바조의 동명의 작품을 복제한 후 제작한 작품으로 '성탄'을 주제로 아기 예수가 마구간에서 태어나는 순간을 그린 것입니다. 안타깝게도 이 작품 원본은 1969년 팔레르모의 성 로렌초 기도실에서 발생한 도난사건 이후 흔적도 없이 사라졌습니다
이번 빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회에 전시된 이작품은 전문용어로 짝퉁이라고 한다.
카라바조의 화풍을 계승한 대표 작가인 제라치는 이 작품에 강한 명암 대비 기법인 카라바조의 테네브리즘을 통해 어둠속에서 인물들을 뚜렷하게 부각시킵니다. 특히 빛이 예수에게 집중되는 방식으로 표현되어 신성한 느낌을 강조하고, 주변 인물들은 그 빛에 의해 부드럽게 드러나며, 작품의 중심에 예수가 있음을 보여줍니다. 또한, 예수와 성모, 요셉을 중심으로 여러 인물이 둘러싸고 있는 역동적인 인물 배치가 작품에 생동감을 불어넣는데요.
특히 가난과 겸손, 자연과의 조화를 상징하는 성 프란체스코와 초기 기독교 순교자로서 희생과 신앙을 상징하는 성 로렌초를 함께 배치하여, 예수의 신성과 인간성을 강조합니다. 무엇보다도 직품은 카라바조의 영향을 받은 제라치 특유의 색감과 더불어 시각적으로 풍부한 감동으로 다가옵니다.
전시장 마지막 부분 지친 관람객을 위한 의자가 배치되어 있는데. 모조품 앞에 설치된 부분은...
성 세바스티아노
카라바조. 1606
성 세바스티아노는 중세와 르네상스 미술에서 자주 등장하는 순교자입니다. 많은 화가들이 그를 주제로 작품을 남겼는데요, 카라바조는 이 작품 성 세바스티아노의 삶에서 중요한 순간, 즉 순교의 순간을 빛과 명암을 대비를 활용해 강렬하게 포착했습니다. 정면으로 떨어지는 강한 빛으로 성 세바스티아노가 자신이 순교 당할 것임을 깨닫는 순간을 마치 사진처럼 생생하게 담아 냈습니다.
작품은두명의 부하가 그의 손과 발을 나무에 묶고 있는 가운데, 그의 몸에 첫 번째 화살이 꽃히는 순간을 묘사합니다. 이때 성인은 화살을 향해 고개를 떨구고 있죠. 얼굴은 고통과 놀라움이 뒤섞인 표정으로 심하게 일그러졌습니다. 드라마틱한 빛을 마치 조명처럼 사용하여 극적인 분위기를 연출한 것이 인상적입니다.
저는 이번에 전시된 카라바조 작품 중에서 가장 느낌이 좋았던 두 점 중 한 작품...
여기서 우리는 카라바조가 이 처형 장면에 처형인을 등장시키지 않았다는 점에 주목해야 합니다. 처형인이 화면에 나타나지 않은 이유는 카라바조가 관객인 '우리'에게 그 처형인의 자리를 넘겨 주었기 때문이지요. 카라바조 작품의 특징은, 마치 현장에 있는 것 같은 생생한 분위기와 감정을 전달하는 것인데, 마치 무대연출을 위해 작품의 구도와 조명을 세팅한 것처럼, 관객인 우리를 성 세바스티아노가 묶여 있는 공간으로 끌어 들이고 있습니다. 카라바조는 관객이 단순히 작품을 감상하는 데 그치지 않고, 그들이 작품의 일부로 직접 참여하도록 유도하고 있는 것이지요. 성 세바스티아노가 고통받게 하는 가해자이자 작품에서 보이지 않는 등장인물인 처형인은 다름 아닌 우리 자신입니다.
아브라함과 세 천사
아르테미시아 젠틸레스키. 1654
아르테미시아 젠틸레스키는 이탈리아 바로크 회화 예술에서 가장 널리 알려진 여성 화가입니다.또한, 우리가 앞서 만났던 오라치오 젠틸레스키의 딸이기도 합니다. 그녀는 카라바조의 극단적인 명암 대비와 사실적인 인물 묘사를 이어받아, 극적인 구성과 강렬한 감정 표현을 작품에 녹여내며, 17세기 당시 남성 중심의 미술계에서 자신만의 자리를 굳혔습니다.
그녀는 주로 성경 이야기나 고대 신화에서 영감을 받은 작품을 그렸습니다. 그녀가 이탈리아 남부 나폴리에서 작업실을 체계적으로 운영하며 일련의 작품 제작 시스템을 갖춘 공방으로서 입지를 다져가던 무렵, 그녀의 작업실에는 재능 있는 젊은 작가들이 자주 드나들었습니다. 그 중 한명인 오노프리오 팔룸보와 협력하여 '아브라함과 세 천사'를 제작하게 됩니다.
이 작품은 구약성서 창세기의 이야기를 기반으로 하고 있으며, 아브라함이 세 명의 천사를 환대하는 장면을 그린 것입니다. 젠틸레스키의 감정적이고 역동적인 인물 표현과 팔룸보의 세밀한 배경 묘사가 잘 어우러 지는데요, 천사들의 신성한 모습과 아브라함의 경건한 자세가 강렬한 대비를 이루며 인상적인 장면을 연출합니다.
루트를 연주하는 자화상
테오도르 룸바우츠. 1625 - 1630
플랑드르 출신의 테오도르 룸바우츠는 자칭 카라바조의 추종자라고밝힐 정도로 카라바조 화풍을 계승한 대표적인 카라바제스키, 즉 카라바조주의자입니다. 특히 카라바조의 명암 대비 기법과 극적인 조명 활용, 시실적인 인물 표현에 많은 영향을 받은 롬바우츠는 인물의 감정과 사건의 드라마를 극대화하는 방식으로 일상의 장면을 주로 그렸는데요, 카라바조의 테네브리즘과 플랑드르 바로크 미술을 결합하여 자신만의 독창적인 스타일을 확립했습니다.
전시에 소개하는 '루트를 연주하는 자화상'은 그가 가장 많이 다룬 주제 중 하나이자 17세기 플랑드르 지역에서 유행하던 음악을 테마로 그린 작품입니다. 이 시기 네덜란드 회화에서 흔히 나타나듯, 아이러니와 패러디는 더 깊은 의미를 숨기면서도 관객을 매료시켰습니다.
작품에서는 악기를 조율하고 있는 자신을 거친 군인 병사의 모습으로 그리고 있는데, 조율하는 일이 결코 쉬운 일 같지 않다는 것을 그의 표정이 말해주고 있습니다. 심지어 악기의 줄 하나하나와풍부한 광택을 지닌 울림판, 그리고 줄을 튕기며 연주하고 있는 손을 정밀하게 묘사하며 놀라운 사실감을 통해 운율감을 전달합니다.
조롱 당하는 예수
마티아스 스톰 (Matthias Stom)**은 17세기 네덜란드의 바로크 화가로, 특히 종교화와 초상화 분야에서 활동한 인물입니다. 그의 작품은 어두운 배경과 강한 빛의 대비를 특징으로 하며, 이는 바로크 미술의 특성을 잘 반영합니다. 마티아스 스톰은 카라바지오의 영향을 받은 카라바지오파 화가 중 한 명으로, 사실감 넘치는 인물 묘사와 드라마틱한 빛과 그림자의 사용으로 유명합니다.
마티아스 스톰은 카라바지오의 영향을 받아 강렬한 자연주의적 미술을 그렸으며, 네덜란드 바로크 미술에 중요한 기여를 했습니다. 특히, 그의 빛과 그림자 사용은 그 시대의 미술에서 중요한 발전을 나타냅니다. 그는 비교적 작은 경력과 활동 범위에도 불구하고, 그의 작품들이 그 후 바로크 화가들에게 중요한 영향을 끼쳤다는 평가를 받습니다. 오늘날 그의 작품은 많은 미술관에서 전시되고 있으며, 특히 카라바지오파 화가로서 그만의 독특한 스타일을 인정받고 있습니다.
요게 카라바조 작품이라고?
기도하는 성 성 예로니모
익명의 촛불화 거장
1960년, 연구를 통해 일련의 작품들을 하나로 모아 소위 '익명의 촛불화 거장'으로 불리는 북유럽 출신의 화가의 존재를 찾아냈습니다. 인공적인 빛이 강하게 스며들어 있으면서도 비일상적 소재들을 반복적으로 작품에 활용했던 이 익명의 작가는 시적이면서도 아주 어두운 경향을 띄며 등장인물들 곁에 정물이 함께 놓이기도 하는 작품들을 주로 그렸습니다.
성 예로니모는 교회의 신부이자 문법, 수사학, 철학에 조예가 깊었던 학자였습니다. 칼키스에서 은둔자로 3년간 지내며 그리스어와 히브리어를 연구하던 그는 전갈이나 야생동물과 함께 지내며 성서를 읽고 기도하고 가슴을 돌로 치는 행동을 하며 참회의 삶을 살았습니다.
작품은 금욕적인 성 예로니모의 연구실, 왼쪽에 쌓인 책더미 위로 놓인 단 하나의 촛불로 밝히는 신비로운 장면을 보여줍니다. 매우 유연하고도 밀도 있는 물감 층이 돋보이는 가운데 십자가 앞에서 손 사이로 두개골을 꼭 쥐고 기도하고 있는 성 예로니모의 늙은 몸을 비추는 부드러운 빛에 따라 그림자도 따라 뚜렷해집니다. 예로니모의 손에 들려 있는 해골은 덧없음을 상징하는 네덜란드 정물화의 바니타스의 주요 상징을 떠올리게 합니다.
골리앗의 머리를 든 다윗
카라바조. 1606
이 작품은 1606년경 보르게세 추기경의 의뢰로 카라바조가 제작한 것으로 보고 있습니다. 보르게세 미술관의 소장 기록에 따르면 카라바조는 <골리앗의 머리를 든 다윗>을 두 점 그리는데, 하나는 현재 보르게세 미술관에 소장되어 있고, 다른 하나가 이번 전시에 소개하는 개인 소장 작품입니다. 두 버전은 스타일 면에서 뚜렸한 차이를 보이는데요, 두 작품 모두 같은 주제와 구도, 동일한 구성을 지녔지만, 완성도 면에서는 이번 전시에 소개된 작품이 더 뛰어납니다. 보르게세 작품은 미완성 상태로 남아있기 때문이지요.
한편, 이 작품에 수정 흔적을 확인할 수 있는데요, 다윗의 오른쪽 눈이 이전 스케치를 덮고 그려졌다는 점, 목선의 윤곽이 여러 번 수정된 점, 그리고 본래의 도안보다 커진 코의 형태 등이 카라바조가 다윗의 머리 방향을 처음에는 다르게 설정했을 가능성을 보여줍니다. 또한 다윗이 잘린 머리를 들고 있는 왼손에서도 초기에는 손가락 전체가 다른 방식으로 그려졌으며, 손목 역시 수정된 흔적이 보입니다. 원래 손이 더 오른쪽에 있었고, 다른 각도로 돌려져 있었음을 추정할 수 있습니다. 다윗의 왼쪽 팔뚝에도 어두운 곡선 형태의 수정 흔적이 나타나는데, 이는 골리앗의 머리카락이 더풍성하게 그려졌음을 보여주죠. 즉, 처음에는 골리앗의 머리가 더 크게 묘사되었다는 의미로 해석할 수 있겠습니다. 골리앗의 입 역시 눈에 띄게 수정되었는데, 초기에는 입이 더 크게 표현되었다는 것을 알 수 있습니다.
카라바조를 연구하는 이들은 피가 흐르는 골리앗의 잘린 머리가 카라바조 자신의 자화상이라고 여깁니다. 이것은 단순한 회화적 표현을 넘어, 작가 자신이 이미지에 내면적 투영을 한 것으로 해석됩니다. 젊은 시절 자신이 지은 죄, 특히 다윗의 겸손함과 극명하게 대비되는 교만이라는 치명적인 결함을 자각하고 늙고 목이 잘린 골리앗에 현재의 자신의 모습을 투영시킨 자기 고백의 일환으로 이 작품을 그린 것으로 보입니다.
그런데 이 카라바조 작품은 도록이나 인터넷에서 본 것보다. 실 작품으로 본 느낌이 더 별로... 약간 실망의 그런 느낌이 드는 이유는 뭘까?
이 뽑는사람
카라바조. 1608
작품에서는 12-14세기 의학서의 삽화에서 찾아볼 수 있을 만한 장면이 연출되고 있습니다. 이는 16세기 초 플랑드르 화가들이 묘사한 치과 치료 장면을 재해석한 것인데요, 어두운 벽을 배경으로 8명의 인물이 화면을 가득 메우고 있고, 화면의 중앙에는 갈색 머리에 콧수염이 있는 치과의사가 펜치를 단단히 움켜쥐고 있습니다.
환자는 고통에 몸부림치고 있고, 입에서는 피가 흘러내립니다. 환자의 표정은 고통과 불안감을 느끼게 하며, 치과의사의 태도는 전문적이지만 동시에 냉정한 모습으로 표현됩니다. 이렇듯 카라바조는 인물 간의 상호작용을 강조하여, 환자의 고통과 치과의사의 집중력을 강하게 드러냅니다. 이들의 생동감 넘치는 몸짓과 표정, 현실감 있게 그려진 치과의사의 손에 들린 도구, 구경꾼들이 모여 있는 화면의 배치, 극적인 조명의 사용 등이, 보는 우리로 하여금 작품속으로 빨려 들어가게 하며 현장의 긴박함과 불편함, 피해자의 고통스러운 감정에 공감하게 합니다.
| 연표와 멀티미디어 공간
빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들 전시회 작품 전시가 끝나고 전시장 마지막은 작가의 연표와 이번 전시회에서 만나보지 못한 카라바조의 다른 작품들이 멀티미디어로 재생되고 있습니다.
1571년 출생 1610년 사망 40살을 넘기지 못하고 다이 하심
참고로 미켈란젤로는 88세에 사망
카라바조의 다양한 도록들이 전시되어 있고. 양초는 어떤 의미인지는 잘...
물론 진짜 양초는 아니다. 불나면 어쩌려고...
그리고 벽면에서 카라바조의 작품들이 디지털로 재생되고 있다.
이중에서도 카라바조의 메두사는 진품을 꼭 보고 싶다는...
| 아트샵과 도록
이번 카라바조 전시회 도록은 55,000원. 느낌에는 도록 가격은 살인적인 물가 상승률보다도 더 오르는 것 같다.
다소 아쉬운 부분은 이번 '빛의 거장 카라바조와 바로크의 얼굴들' 전시회 아트샵에서 만날 수 있는 기념품은 구성이 다소 아쉽네요. 확 느낌이 오는 그런 기념품이 없다는...
12월 날 잡아서 하루 예술의 전당 데이트 추천
2주 후인 11월 30일에는 카라바조 전시회가 열리고 있는 예술의 전당 한가람 미술관에서 반 고흐 전시회도 열립니다. 오전에는 카라바조 전시회 보고 맛점 하고 오후에는 고흐 전시회 보는 것도 하루 데이트 코스로 좋을것 같네요.
내년 2월까지 올림픽공원 소마 미술관 1관과 2관에서는 조각을 주제로 두 전시회가 열리고 있습니다. 오늘은 1관에서 열리고있는 전시회인 '장소와 통로 고리타분한 조각이야기' 관람후기 입니다.
| 장소와 통로_고리타분한 조각이야기 전시회
이번 소마미술관 1관 1~5전시실에서 열리는 '장소와 통로: 고리타분한 조각 이야기'는 지난 1988년 '제1·2차 국제야외조각심포지엄'과 '국제야외조각초대전'을 통해 조성된 올림픽 조각공원의 역사적 의미와 그 안의 조각 작품을 현재의 시점으로 재조명하기 위해 기획된 전시회라고 합니다. 이번 전시회에서는 국내·외 작가 48명의 조각 및 영상 등 100여점의 작품을 만날 수 있는데요. 특히 올림픽공원에 전시된 조각품들과 관련된 작가들을 만나볼 수 있는 좋은 기회입니다.
장소와 통로_고리타분한 조각이야기 입장료는 개인 성인(만25-64세) 5,000원, 청소년(만13-24세) 4,000원, 어린이(만7-12세) 3,000원 입니다. 통신사나 카드 할인은 없는데요. 소마미술관 2관 전시회와 같이 티켓팅을 할 경우나 강동-송파구민은 1,000원 할인됩니다. 그래서 저는 4,000원에 전시회 관람 했습니다.
| 도슨트 & 오디오가이드
이번 소마미술관 전시회 '장소와 통로_고리타분한 조각이야기' 도슨트는 매일 15시부터 30분간 진행됩니다. 무엇보다도 토요일과 일요일인 공휴일에도 도슨트가 진행되는 것은 소마미술관 매력인데요.
728x90
저는 도슨트 시작 한시간 전에 방문해서 먼저 전시회 관람하다가 도슨트가 진행되는 전시장 입구로 내려왔습니다만, 도슨트 시작 5분 전에 집에서 일이 있다고 전화가 와서 도슨트를 듣지 못했네요.
| 5개의 전시공간, 관람 시간은 약 90~120분
이번 장소와 통로 : 고리타분한 조각 이야기 전시회는 소마미술관 1관 5개의 전시공간에서 만나볼 수 있습니다. 관람 시간은 최소 90분 정도는 고려하셔야 합니다.
| 전시회 개요
서울올림픽 개최를 기념하기 위해 열린 '세계현대미술제'의 근간이 되는 '제1, 2차 국제야외조각심포지엄'과 '국제야외조각초대전'은 유럽, 아메리카, 아프리카, 아시아, 오세아니아 대륙과 다수의 공산국가들이 포함된 전 세계와 각 나라를 대표하는 조각가들이 대거 참가한 전무후무 한 국제야외조각 행사였다. 기획 전시 '장소와 통로:고리타분한 조각 이야기'전은 위의 세 행사에 참여한 작가와 작품을 살펴봄으로써 현재, 2024년 올림픽공원의 어젠다(Agenda)인 '서울올림픽 레거시(Legacy)'와 공원의 명소화'를 위해 공원과 미술관의 과거와 현재를 조망(부별) 해 보고자 한다. 이는 올림픽조각공원의 역사와 정체성을 재조명하고, 현재와 미래의 공원의 의미를 자리매김하는 중요한 전환점이 될 것이다.
| 제 1전시실
이번 '장소와 통로 : 고리타분한 조각 이야기' 전시회는 5개의 전시공간에 작가들의 작품들이 전시되어 있습니다. 특정한 주제를 기분으로 그룹핑 된것은 아닌 것 같고요. 조각에 대한 문구와 작품들이 배열되어 있습니다.
전시회 구성은 올림픽공원 야외공원에 전시된 조각품 작가에 대한 소개와 그의 전시작품과 대표 작품을 소개하고 있습니다. 올림픽공원을 산책해본 관람객이라면 상당히 친근한 작품과 작가를 만나볼 수 있는 기회입니다.
ㅌ
이반 루세프
국제야외조각초대전 작가 <구성> 1988, 대리석, 180 x 1420 x 270 cm
불가리아의 조각가 이반 루세프(1954- )는 돌을 깎아내는 과정을 통해 재료의 본질과 표면 너머의 심층적 의미를 전달하고자 한다. 작가에게 조각 행위는 물질에 정신성을 불어넣는 행위로서 작품은 그 자체로 물질화된 정신으로 구현된다. 구성을 최소화하고 재료의 물성을 극대화하여 인간과 자연, 정신과 물질 사이의 조화를 표현한다.
Ivan Russev Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Composition, 1988, Marble, 180 x 1420 x 270 cm
<구성>은 구체적으로 다듬어지지 않은 세 개의 대리석 덩어리가 서로 간격을 둔 채 하나의 작품을 구성한다. 인간의 모습을 한 세 형상들은 원재료인 대리석과 완전히 분리되지 못한 채 한 덩이를 이루며 마치 돌과 인간이 운명을 같이 하는 한 가지 존재임을 말하고 있는 듯하다. 작가는 이 작품으로 진보와 문명의 상징인 인간이 현대 사회 속에서 지녀야 할 책임에 대해 질문하고자 했다.
아마도 이번 전시회에 소개되는 일부 작품은 올림픽공원 야외에 전시된 작품들을 실내로 이동해서 전시하고 있는 것 같습니다.
강은엽
국제야외조각초대전 작가 <떨어지는 것은 날아오른다> 1988, 철, 유리, 4.5 x 4x2.5 m, 만남의 광장
<밤과 낮> 1989, 오석, 구리막대, 알루미늄 합금막대, 120 x 150 x90cm
물질의 새로움을 발견하는 것이 조각가의 역할이다.' 이 말처럼 강은엽(1938- )은 재료의 물성을 탐구하는데 집중해 왔다.물성에 대한 탐구는 나아가 하나의 물질과 다른 물질 사이의 관계를 파악하고 새로운 맥락을 생성하는 작업으로 이어진다. 주로 이질적인 사물들을 연결하여 공명시키고, 거기서 파생되는 효과들이 모티프가 된다. <밤과 낮>, <떨어지는 것은 날아오른다> 모두 이러한 조형 원리에 따라 제작되었다. <밤과 낮>은 강철과 구리를 사용하여 바위를 X자로 관통하게 구성한 작품이다. 문명과 자연을 상징하는 물질들을 교차시켜 상반되는 것들 간의 조화를 예술적으로 승화하고 있다. <떨어지는 것은 날아오른다>에서는 유리와 철제 구조물이라는 두 산업 재료를 대조시킨다. 재질에서 극명한 대비를 이루며 맞물려 있는 두 물질은 시각적 긴장감 속에서 새로운 의미를 생성해낸다.
Kang Eun-Yup Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Night and Day, 1989, Soapstone, copper rods, aluminum alloy rods, 120 x 150 x 90 cm What Falls is Flying, 1988, Iron, Glass, 4.5 x 4x 2.5 m, Meeting Plaza
박종배
제2차 국제야외조각심포지엄 작가 <다른 두 개의 교차> 1988, 청동, 3.2 x7.5 x3m, 체조경기장 주변
<천국의 계단> 1980년대, 청동, 174 40 x44 cm 박종배(1935- )는 홍익대학교 조소과를 졸업하고 1969년 미국으로 유학을 떠난 이후 줄곧 미국에서 생활하고 활동했다. 30년 넘게 그의 작업을 관통하는 특징은 청동으로 만들어 낸 유기적인 형상들 사이의 연결성 혹은 연속성이다. 서로 교차하거나 통과하여 연속된 구조를 이루는 그의 조각은 마치 앞선 형태에서 다음의 형태가 잉태되는 듯한 느낌을 주는데, 이와 같은 생동감은 작품에 생명력을 부여한다.
<다른 두 개의 교차>는 부드러운 곡선이 내재한 둥근 형태를 기하학적 구조체가 관통하며 긴장감을 조성한다. 작가는 이를 통해 동서양의 조우를 상징적으로 표현한다. 이처럼 <다른 두 개의 교차>가 서로 대비되는 두 형태를 교차시키며 미감을 형성한다면, <천국의 계단>은 마치 이전의 형상에서 다음의 형상이 탄생하는 듯 수직으로 연쇄하는 하나의 조형 단위를 통해 강한 상승감과 운동감을 전달한다
아래 작품은 박종배의 '강'
Park Chong-Bae Artist of the 2nd International Open-Air Sculpture Symposium Stairway to Heaven, 1980s, Bronze, 174 x 40 x 44 cm Crossing, 1988, Bronze, 3.2 x 7.5 x 3 m, Around the Gymnastics Arena
| 제 2 전시실
이어서 소마미술관 제 2전시실로 이동합니다. 이곳에서 '장소와 통로_고리타분한 조각이야기 전시회' 다음 공간이 진행됩니다. 올림픽공원 전시 작품 중 대표 작품 중 하나인 세자르 발다치니 작품을 만나볼 수 있는 공간
필립 스크리브
국제야외조각초대전 작가 <함정이 있는 통행로와 건널목> 1988, 나무, 160 x 680x 120 cm
캐나다의 조각가 필립 스크리브(1927-)는 돌, 플라스틱 등 다양한 재료를 활용해 작업하지만 그중에서도 목조는 그가 가장 즐겨 활용하는 방식이다. 어릴 적 숲과 함께 자라며 벌목 일 등을 했던 경험이 반영되어 자신에게 친숙한 재료를 찾게 된 것이라 할 수 있다.
Philippe Scrive Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Passage and Crossing with Ambush, 1988, Wood, 160 x 680 x 120 cm
여러 개의 나무 블록을 수직으로 높게 올려 내면서 작품을 만들어 내는 작가는 <함정이 있는 통행로와 건널목> 역시도 그런 방식으로 제작했다. 1관 2전시실 중앙을 가로지르고 있는 이 작품은 9개의 나무 블록이 연결되어 하나의 긴 통행로 내지 건널목을 이룬다. 사람과 사람, 문명과 문명 사이의 교차를 상징하는 건널목은 좌우에 세자르 발디치니의 <압축>과 심문섭의 <목신>을 세워둔 채 동서양의 만남을 기념하는 독특한 기념비가 된다
세자르 발다치니
제2차 국제야외조각심포지엄 작가
<엄지손가락> 1988, 청동, 6x3.6x2.7 m, 미술관 주변
찾아보니 사진이 요거 한 장 있다는...
올림픽공원 만남의 광장에 세워진 <엄지손가락>은 엄지를 유기적인 신체에서 분리하여 6 미터에 달하는 거대한 크기로 확대시킨 청동 조각상이다. 이처럼 신체의 일부분을 확대하는 방식은 현실에서 추상과 상징으로 나아가는 작가만의 방식이며, 그렇게 거대해진 엄지손가락은 기능적으로 손과 연결된 신체 일부로서의 의미에서 벗어나 절단된 덩어리로서 그것만의 존재감을 지니게 된다.
아마도 올림픽공원에 전시되어 있는 여러 조각들 중에서 빅 5에 속하는 작품 중 하나라는...
<압축(만치니) II> 1993, 채색된 압축 양철통, 155 x65 x65 cm
César Baldaccini Artist of the 2nd International Open-Air Sculpture Symposium Compression (Mancini) II, 1993, Painted Compressed Tin Can, 155 x 65 x 65 cm The Thumb, 1988, Bronze, 6 x 3.6 x 2.7 m, Around SOMA
프랑스의 조각가 세자르 발다치니(1921-1998)는 폐자동차, 철근, 쇳조각, 볼트 등 산업 폐기물을 이용한 작업을 선보여 누보 레알리슴 조각의 한 축을 담당하는 작가로 손꼽힌다. <압축(만치니) II >는 수력 프레스로 양철통들을 압축하여 만든 작품으로, 작가는 이를 통해 현대 소비사회의 단면을 보여주며 그에 대한 비판적인 입장을 견지한다.
심문섭
제1차 국제야외조각심포지엄 작가 <현전> 1987, 화강암,3 x15 x4 m,88마당
심문섭(1943- )은 70년대부터 전통 조각 개념에 반발하는 반()조각의 기치 아래 전위적인 작업을 전개해 왔다. <현전> 시리즈와 <목신> 시리즈가 대표적인데, 심문섭은 재료의 물성'을 고스란히 살린 작품을 통해 물질 너머의 비물질적인 정신성을 표현하고자 한다.
<목신 9137>은 전통적인 장승이나 농기구를 연상시킨다. 나뭇결과 옹이 같은 나무 자체의 본성을 그대로 살려냄으로써 나무속에 숨쉬는 정신,즉 <목신'을 드러낸다. 고인돌이나 비석 등 태고의 종교적 의식에서 영감을 받아 제작된 <현전> 역시 화강암의 물성을 통해 잊혔던 인간성과 의식을 재생해 낸다. 두 작품 모두 재료에 최소한으로 개입해 물질 스스로가 목소리를 내도록 하는 작가의 어법을 형상화한다.
<목신 9137> 1991, 나무, 169.5 x 105 x 37.5 cm
Shim Moon-Seup Artist of the 1st International Open-Air Sculpture Symposium Wood Deity 9137, 1991, Wood, 169.5 x 105 x 37.5 cm Before the Present, 1987, Granite,3 x 15 x4 m, 88 Garden
소마미술관 1관 제1, 2 전시실 소개를 마치고 윗층에 있는 3~4전시실과 로비 전시공간 소개입니다.
| 로비 전시공간
해당 공간에는 사람의 신체를 주제로 작업한 구상조각과 함께 멀티미디어 정보가 제공되고 있습니다. 인체를 형상화한 3점의 작품 모두 개성있고 상당히 매력적으로 다가옵니다.
림베 음푸앙가 리욜로
국제야외조각초대전 작가
<무희> 1988, 청동, 170 x60 50 cm
콩고민주공화국 출신의 조각가 림베 음푸앙가 리욜로(1943-2019)는 현대적인 조각 양식을 아프리카에 소개한 선구자적 인물 중한 명이며, 평생 아프리카의 미술 환경을 개선하고 새로운 예술가들을 육성하는 데 힘썼던 교육자이자 행정가이기도 했다. 그는 서양의 전통적인 기념비 형식에 아프리카의 토속적인 색채를 결합한 독창적인 형식의 기념비들을 콩고민주공화국 전역에 남겼다. <무희>는 리을로의 대표적인 주제와 형식이 나타나 있는 작품이다.
aaaaa
반응형
그는 가족, 댄서, 음악가 등 고전적인 조각의 주제를 선정하되, 아프리카 사람들의 모습을 모델로 해서 서구와 아프리카의 전통을 결합한다. 간략화되고, 비대칭적인 신체와 매끄러운 곡선을 통해 인물의 동세가 강조되며 작품에 리듬감을 부여한다.
Limbe M'puanga Liyolo Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Dancer, 1988, Bronze, 170 x 60 x 50 cm
호세 수비라 푸이그
국제야외조각초대전 작가
<신비한 인물> 1988, 나무, 230 x50 50 cm
스페인에서 태어나 프랑스 파리에서 활동했던 조각가 호세 수비라 푸이그(1925-2015)는 1960 년대 초반부터 나무를 활용한 조각 작업을 이어왔다. 인간의 감정, 자연의 유기적 형상에서부터 영감을 얻어 여러 개의 나무 판자나 막대를 조립하는 방식으로 추상적인 조각 작품을 제작한다.
조립되는 나무들이 이어 붙으면서 작품 표면에는 자연스럽게 짧고 긴 고랑들이 만들어지고 그렇게 형성된 주름들은 빛과 조명 아래 다양한 각도의 음영을 만들어 내면서 시각적 운율과 함께 신비한 분위기를 만들어 낸다. <신비한 인물>은 마치 나무로 된 사제복을 입고 있는 듯한 모습의 인물상이다. 옷에 가려 세세한 표현과 굴곡이 생략된 신체와 표정 없이 형태만이 갖춰진 머리는 비스듬하게 허공을 응시하면서 신비한 분위기를 강조한다
José Subira Puig Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Mysterious Person, 1988, Wood, 230 x 50 x 50 cm
작품에 거미줄이 보인다. 작품 관리가 어떻게 되는 것인지...
빌란트 포르스터
국제야외조각초대전 작가
<여인의 흉상> 1988, 콘크리트, 170 x 70 x50 cm
독일의 조각가 빌란트 포르스터(1930-)는 어릴적 겪었던 전쟁의 상흔을 조각에 기록한다. 전쟁의 트라우마는 신체 일부분이 없거나 오그라들어 속박된 듯한 인간의 형상으로 표현된다. 그의 작품에서 반복되는 모티프는 희생자'이며, 슬픔, 고통, 무력함의 정서가 짙게 배어난다. 하지만 작가는 깊은 절망에 빠지기보다 슬픔의 주조 안에서 사랑과 생명력을 말하고자 한다. 가령 작가의 모든 조각 작품의 형상적 모티프가 되는 '달갈'은 그러한 생명력을 상징한다.
Wieland Forster Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Upright Torso, 1988, Concrete, 170 x 70 x 50 cm
내부에 응축된 잠재성을 품고 있는 달갈처럼 포르스터의 조각은 웅크리고, 또 속박되어 있지만 그 안에서 우리는 무궁한 생명력을 찾아볼 수 있다. 부분적으로 생략된 팔다리와 비틀려 늘어진 상체로 특징지어지는 <여인의 흉상> 은 인물이 무언가에 억압된 상황에 처해 있음을 보여준다. 하지만 그러한 비자유 속에서도 허공을 응시하는 인물의 시선을 통해 생명과 삶에의 의지 혹은 희망이 전달된다
| 제 3 전시관
로비에 전시되어있는 작품 감상을 마치고 장소와 통로_고리타분한 조각이야기 제3전시관으로 이동합니다. 소마미술관 1관 제 3 전시관에는 단 한점의 작품만 전시되어 있는데요.
Robert Roussil Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Creation of A Place, 1988, Wood, 440 x 180 x 100 cm
로버트 루실
국제야외조각초대전 작가 <장소의 창조> 1988, 나무, 440 x 180 x 100 cm
캐나다의 조각가 로버트 루실(1925-2013)은 나무, 청동, 돌 등을 주로 활용하여 추상적인 기념비를 제작한다. 기쁨과 관능이라는 일관된 주제로 작업하는데, 그의 조각이 지닌 주요 특징, 즉 가느다랗고 뾰족한 선과 곡선이 들어간 모서리는 불꽃, 새의 꼬리 혹은 날개를 연상시키며 주제를 강조한다.
홀로 3전시실을 가득 채우고 있는 <장소의 창조>는 36년 전 전 세계의 작가들을 서울올림픽공원으로 모이게 만들었던 '세계현대미술제'의 정신을 상기시키고,지금 여기서 다시 한 번 축제의 장이 열리고 있음을 말한다. 형식적으로는 북아메리카 원주민의 전통 문양이나 토템의 형상을 떠올리게도 하는 이 작품은 정치, 사회, 인종의 구별 이전에 있었던 원초적 장소로 관객들을 초대한다
<장소의 창조>는 36년 전, 전 세계의 작가들을 올림픽공원으로 모이게 만들었던 <세계현대미술제> 의 정신을 상기시키고, 지금 여기서 다시 한번 축제의 장이 열리고 있음을 말한다."
Creation of A Place evokes the spirit of the Olympiad of Art that brought artists from around the globe to the Seoul Olympic Park 36 years ago and signifies that once again a festival is unfolding here and now.
소마미술관 제3전시실은 뒷 공간을 막아버린 것 같기도 하네요.
| 제 4 전시실
이번 소마미술관 전시회 '장소와 통로_고리타분한 조각이야기'의 작품전시 마지막 공간입니다. 제 5전시실은 다소 다른 콘셉의 전시가 열리고 있는데요. 이곳 제4전시실에서는 올림픽공원에 전시된 대표 조작품 작가들이 작품을 만나볼 수 있습니다.
이곳에서는 올림픽공원에 전시되어 있는 국내외 작가들의 작품들을 만나볼 수 있는 공간입니다.
헤수스 라파엘 소토
제2차 국제야외조각심포지엄 작가
올림픽공원에 왔다면 해당 작품을 보지 못한 사람은 없을 듯...
<가상의 구> 1988, 알루미늄, 24 x 17x17 m, 장미정원
바로 올림픽공원 장미광장에 위치한 가상의 구 작품. 올림픽공원 동서남북으로 상징적인 조각품들이 전시되어 있는데, 바로 헤수스 라파엘 소토의 가상의 구도 그 작품 중 하나!!! 특히 올림픽공원 장미축제가 열리면 그의 작품은 아주 중요한 배경이 되곤 하는데...
A Virtual Sphere, 1988, Aluminum, 24 x 17 17 m, Rose Plaza
공원의 명물인 <가상의 구>는 한국의 태극 문양을 떠올리는 약 32,000개의 빨간색과 파란색 알루미늄 파이프들이 중첩되며 구성되어 있다. 그러나 이 작품을 통해 관람객들이 확인할 수 있는 것은 실재하는 요소로서의 파이프가 아니라 그것들의 반복과 겹침, 너울거림이 만들어 내는 착시와 소리가 혼재된 가상의 효과이다.
<회색의 가치> 1994, 패널, 나무에 채색, 152 x203 cm
Jesus Rafael Soto Artist of the 2nd International Open-Air Sculpture Symposium Values in Grey, 1994, Panel, Painted Wood, 152 x 203 cm
베네수엘라 출신의 프랑스 조각가 헤수스 라파엘 소토(1923-2005)는 시각적 착시 현상을 활용하는 키네틱 아트와 옵아트로 알려져 있다. 색의 전진과 후퇴, 그리고 반복되는 조각적 요소들을 활용한 설치를 통해 착시와 환영을 일으키는 효과를 의도한다. <회색의 가치>는 흰색과 검은색을 포함한 여러 가지 색의 사각면과 검은 줄무늬가 교류하며 일으키는 착시 현상을 담아낸다.한 가지 색에 집중하거나 앞뒤로 관람 거리를 달리하며 감상할 때마다 다른 색이 전진하거나 후퇴하는 것 같은 착각을 하게 된다.
이슈트반 허러스치
국제야외조각초대전 작가 <플라밍고> 1988,철, 5.8x2 x2.3 m, 대초원
< No. 2>
1988, 철, 244 x 52 x 76 cm
헝가리 작가 이슈트반 허러스치(1934-2022)는 기계 조각과 키네틱 조각,즉 움직이는 조각으로 잘 알려져 있다. 전문적인 미술 교육을 받지 않았던 이력과 기술공, 인테리어 디자이너, 연극 무대 감독으로 일했던 경험은 그가 당대 주류 미술에서 벗어나 자신만의 독특한 세계를 펼칠 수 있었던 기반이 된다.
새로운 재료와 기술을 받아들이는 데 거리낌 없었던 그는 철, 플렉시글라스 등의 재료로 모빌과 같은 단순한 구조물부터 기계 시스템을 떠올리게 하는 형상, 거대한 철 구조물에 이르기까지 자신의 독특한 기계 미학을 펼쳤다. <모빌 No. 2>와 <플라밍고> 모두 관람객의 능동적인 참여를 통해 움직임이 달라질 수 있는 키네틱 조각이다. 별다른 장식 없이 간결하게 뻗은 철 구조물들은 실재하는 운동을 통해 변형과 허구, 새로운 의미를 만들어 내면서 관람의 색다른 재미를 부여한다
Istvan Haraszty Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Mobile no. 2, 1988, Iron, 244 x 52 x 76 cm
aaaaa
은갈레스 아세미엔
국제야외조각초대전 작가
<결합> 1980, 콘크리트, 160 x70x70cm
코트디부아르 출신의 조각가 아세미엔(1947-)은 아프리카의 전통적 이미지에 현대조각의 요소를 가미하여 작업한다. 인체와 자연으로부터 모티프를 가져와서 추상화 경향을 띤 구상 조각을 주로 제작하며, 작품에서 보이는 특유의 굴곡과 볼륨감을 통해 아프리카의 강렬하면서도 관능적인 느낌이 전달된다. 서울올림픽을 기념하면서 제작된 <결합>은 문화적, 사회적, 인종적 다양성을 조화롭게 하나로 묶고자 하는 작가의 의지를 표현한다.
개인의 정체성과 공존의 개념이 현대적인 조각 형식 안에 녹아 들어가며 화합과 연대라는 올림픽 정신을 다시 한 번 상기시킨다. 개인적으로 이번 올림픽공원 소마미술관 전시 장소와 통로_고리타분한 조각이야기에서 마음에 들었던 작품 중 하나
세자르 발다치니
제2차 국제야외조각심포지엄 작가
<엄지손가락> 1988, 청동, 6x 3.6x 2.7 m, 미술관 주변 앞에 이어 다시 등장하는 세자르 발다치니의 작품. 올림픽공원에 전시된 조각품 중 원톱을 겨루는 작가중 하나일 듯...
<날개> 1955,청동, 110 x 97 x54 cm
César Baldaccini Artist of the 2nd International Open-Air Sculpture Symposium Wing, 1955, Bronze, 110 x 97 x 54 cm
세자르 발다치니의 <날개>는 산업 폐기물과 고철 등을 모아 용접하여 새, 곤충, 물고기 등을 연상시키는 새로운 형상을 만들어 내던 시기의 대표적인 작품이다. 그 이후 60년대부터 세자르는 그를 세상에 알린 프레스 조각' 즉 폐자동차나 산업 폐기물을 프레스 방식으로 압축시켜 문명비판적 시각을 드러내는 조각 작품을 제작하게 된다.
이 외에도 올림픽공원에서 만나볼 수 있는 여러 작가들의 작품과 이야기를 만나볼 수 있는데요.
Dennis Oppenheim Artist of the 2nd International Open-Air Sculpture Symposium Glasses, 1988, Fabric, Bolts, Nuts, 100.5 x 45 x 41 cm, Each Impersonation Station, 1988, Iron, Concrete, 9 x 9.8 x 13 m, Meeting Plaza
데니스 오펜하임(1938-2011)은 일정한 형식에 얽매이지 않고, 자신의 개념을 전달하는 일에집중하여 그에 알맞은 예술 형식을 선택한다. 그 개념이란 일반적인 상식과 논리를 깨뜨리는 것으로 오브제를 조합해 실재하지 않는 새로운 공간을 창출하거나 인식과 실재 사이의 어긋남을 조명하는 일을 포함한다. <위장지>는 무언가로 분장해 있는 장소, 즉 실재를 감춘 채 꾸며져 있는 환영적 장소로 드러난다. 우리는 여러 오브제들이 기묘하게 조합되어 있는 그 공간을 둘러보며 실재와 환영의 관계에 대해 생각해 볼 수 있을 것이다. <유리잔>은 여러 장의 두꺼운 천 조각이 철막대에 끼어져 유리잔의 모습을 하고 있는 작품이다. 유리잔이라는 이름 아래 관객들이 상상할 수 있는 일상적인 사물에서 의도적으로 벗어남으로써 실재와 허구에 대해 생각하게 한다.
데니스 오펜하임
제2차 국제야외조각심포지엄 작가 <유리잔> 1988, 헝겊, 볼트, 너트, 100.5x45x41cm, Each <위장지> 1988, 철, 콘크리트,9x9.8x 13 m, 만남의 광장
폴란드 바르샤바에서 미술 교육을 받은 마그달레나 아바카노비치(1930-2017)는 제2차 세계대전과 나치의 침공 속에서 자연의 생명력'과 '인간성'을 주제로 한 작업을 발전시켜 나갔다. <안드로진과 바퀴>는 나무로 짠 수레 안에 몸통 조각을 실어 놓은 작품이다. 조각난 신체는 '안드로진(andro-gyne)'이라는 이름처럼 몰개성화된, 중성화된 인간의 형상을 통해 전쟁의 참혹함과 생명의 존엄성을 역설적으로 표현한다. 야외 공원의 <용의 공간> 역시 멀리서 보면 모두 유사한 동물의 머리처럼 보이지만, 그 사이사이를 걸으며 유심히 살핀다면 그것이 모두 다른, 미묘한 차이를 지닌 개별 생명체임을 알 수 있다. 작가는 이를 통해 '차이를 반복'하여 생산하는 자연의 신비한 힘을 표현한다.
존 닉슨
국제야외조각초대전 작가 <금속그림> 1988,동판에 부식, 90 x61 x0.3 cm <자화상> 1988, 청동, H 2.4m, 조각의 숲
소마미술관 제4전시실에서는 서양의 유명 조각가들의 작품과 함께 동양 특히 우리나라 조각가들의 작품들도 함께 만나볼 수 있습니다.
박석원
제1차 국제야외조각심포지엄 작가 <초토> 1968, 철, 112 x 133 x30 cm <축적 87-07> 1987, 화강암, 7 x 11.6x 15m, 88호수 옆
박충흠
국제야외조각초대전 작가 <환> 1987, 청동, 28 x 153 x 122 cm <무제> 1988, 화강암, 2.4x20x10 m, 피크닉장
이종각
제2차 국제야외조각심포지엄 작가
<확산공간 88> 1988,청동, 5x 10x5m, 88마당 앞 확산공간은 이종각(1937-)은 1960년대 후반부터 50년이 넘는 기간 동안 형상을 부단히 변주해 가며 자신만의 조각 실험을 지속해 왔다. <페인트>가 만들어진 1960년대에 작가는 인물과 동물을 모델로, 그들이 생동하는 한순간을 포착해서 그로부터 본질을 꿰뚫어 보려 했다. <확산공간 88> 은 1980년대의 <확산공간> 연작 중 하나로,
aaaaa
박스형 '덩어리'와 '파이프'를 기본 꼴로 해서 서로 연결된 하나의 전체를 만들어 낸다. 기초 형태로 단순화된 형상들을 공간에 배치하여 새로운 공간감을 만들어 내고, 어디로든 확장되거나 수축할 수 있는 팽팽한 긴장감을 드러낸다
주말에 산책하면서 해당 작품앞을 지나가곤 하는데 항상 강하다 라는 느낌을 받는 작품
<페인트> 1968,동, 123 x 60 x4.5 cm
이처럼 존재와 그 본질에 집중하고자 하는 태도는 <페인트>에서도 찾을 수 있다.이 작품은 페인트가 공중에서 아래로 떨어지는 장면을 포착한다. 통상 공간과의 어우러짐이 중요한 조각상들과 달리 낙하 순간의 시공간을 자신 안으로 흡수하여 축소함으로써 조각이 무엇인지에 대해 질문한다.
소마미술관 장소와 통로_고리타분한 조각이야기가 열리고 있는 제4전시실 관람이 끝나고, 마지막 전시실로 이동합니다.
4전시실을 나와 5전시실로 이어지는 중간에 전시된 두 점의 작품
미구엘 오르티스 베로칼
국제야외조각초대전 작가 <E.S> 1988, 시멘트, 120 x 70 x50cm
이스마일 파타
국제야외조각초대전 작가 <기념비> 1988, 청동, 120 x 40 x 30 cm
마리아나 로마노프스카야
국제야외조각초대전 작가
<삶의 숙명> 1988,도기, 150 280 x40 cm
러시아의 조각가 마리아나 로마노프스카야(1929-2009)는 신화적인 이야기나 신화 속 상징들을 현대적인 시각으로 재해석하여 조각, 설치미술 등으로 표현한다. 초현실적이고 상징적인 요소들로 구성되는 그의 작품들은 꿈속에서나 등장할 법한 신비스러운 이미지들을 통해 인간의 무의식과 깊은 내면세계를 탐구한다. <삶의 숙명>은 운명의 불가피함과 그것으로 인해 인간이 겪어야 하는 근원적인 고통을 표현한다. 세라믹으로 만들어져 쩍쩍 갈라져 있는 발의 표면은 운명의 수레바퀴 위에 올라탄 인간의 위태로움과 괴로움을 더욱 강조한다.
Marianna Romanovskaia Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition You Can Not Escape Fate, 1988, Ceramic, 150 x 280 x 40 cm
느낌 좋았던 작품
| 제 5전시실
이번 전시회의 마지막 공간이 제5전시실로 들어갑니다. 소마미술관 1관에서 가장 넓은 공간이자, 항상 전시회의 마무리를 짓는 역할은 하는 공간...
5전시실은 올림픽공원에서의 조각 작품의 위상과 역할을 제고하고, 조각공원으 역사성과 정체성, 나아갈 방향을 모색하는 아카이브 전시 공간으로 구성하였다. 조각공원의 원작을 만들기 전에 제작되었던 마케트(Maquette)를 국립현대미술관에서 대여하여 원작 사진 및 포스터와 비교하며 관람하고 이해할 수 있도록 연출하였다. 이외에도 조각공원 소장 조각가들의 구술 채록 인터뷰 영상, 조각공원 조성 당시의 문서, 공사 사진, 서신 등 다양한 자료들을 만나 볼 수 있다.
마우로 스타치올리
제1차 국제야외조각심포지엄 작가
아마도 올림픽공원에 전시된 가장 큰 조형물이자 많은 사람들의 시전을 끄는 작품이 바로 마우로 스타올리의 88서울 올림픽 작품이 아닐까 합니다. 올팍조각품 중 베스트 5에 포함되는 작품이라는 생각...
<88 서울올림픽> 1987, 콘크리트, 27 x37x2 m, 체조경기장 주변
<무제> 1970년대 후반, 대리석, 철, 100.5 x 50.5 x 30 cm
이탈리아의 조각가 마우로 스타치올리(1937-2018)는 작품이 설치된 장소와 물리적, 문화적으로 내밀한 연관 관계를 맺는 공공조각 작품을 제작해 왔다. '사인 조각(sign-sculpture)'이라고 불리기도 하는 그의 조각은 '단순할수록 완전하다'는 원칙하에 절제된 형식으로 제작되었으며, 그 단순한 형식은 외려 표현을 극대화하고 추상적 메시지를 명료하게 전달한다. <무제> 또한 감정이 절제된 기하학적 형식을 띤다. 살짝 기울어진 사각뿔과 중간에 박힌 뾰족한 철조각은 그가 오랫동안 관심을 가져온 폭력성의 문제를 순수한 방식으로 표현한다. 뒤집어진 아치의 형상을 하고 있는 <88 서울올림픽>은 장소성과 현장성을 중시하는 작가답게 높이와 길이 모두 세밀한 측정을 바탕으로 주변 환경과 조응하도록 만들어졌으며, 거대한 광장 가운데 놓여 움직임과 정지, 불안정함과 균형 사이에서 의미를 만들어 내고 있다.
Mauro Staccioli Artist of the 1st International Open-Air Sculpture Symposium Untitled, Late 1970s, Marble, Iron, 100.5 x 50.5 x 30 cm Seoul 88 Olympics, 1987, Concrete, 27 x 37 x 2 m, Around the Gymnastics Arena
또한 이번 소마미술관 전시 '장소와 통로_고리타분한 조각이야기'에서는 해당 작품의 스케치와 함께 작품이 만들어지는 과정을 사진으로 만나볼 수 있습니다. 이건 거의 노가다 작품이라는 생각이...
이렇게 올림픽공원에 전시된 작품과 관련된 이야기도 만나볼 수 있습니다.
알렉산드루 컬리네스쿠 아르기라
제1차 국제야외조각심포지엄 작가
<열림> 1988, 철근 콘크리트,7x 10.9x5 m, 대초원
해당 작품은 소마미술관옆 잔디공원에 위치해 조각 근처에서 많은 사람들이 휴식을 취하거나 뛰어놀기도 합니다. 미술관 창에서 바라보는 작품도 새로운 느낌을 주네요.
루마니아 태생의 조각가 알렉산드루 아르기라(1935-2018)는 주변 환경이나 건축 요소들을 재구성하여 새로운 조화를 만들어 내는 기념비적 조각이나 공공 프로젝트로 유명하다. 그의 작품이 지닌 주요 특징 중 하나는 평면적 장소에 3차원의 공간성을 부여하고, 새로운 차원으로의 열림, 무한으로의 도약 등과 같은 정신적인 주제를 담아낸다. 올림픽 공원의 나직한 언덕 위에 자리한 <열림>은 자신을 둘러싼 잔디밭과 조응하면서도, 고요한 땅으로부터 분리된 채 하늘로 치솟아 오르며 대지의 평면성을 깨뜨린다.
<창> 1987, 청동, 90 x 22.5 x6cm
주변 경관과 더불어 의미가 확장되는 <열림>과 달리 <창>은 그 자체로 완결된 하나의 청동 조각이지만, 두 작품은 그 의미에서 서로 맞닿아 있다. '창'이라는 제목처럼 오브제를 통해 굳게 닫힌 청동벽 너머의 열린 공간으로 이행하는 듯한 작품에는 새로운 지평으로의 확장, 영혼의 해방, 무한으로의 열림이라는 형이상학적 모티프가 담겨 있다
모한드 아마라
제1차 국제야외조각심포지엄 작가 <대화> 1987, 화강암, 3.3 x6x1.8 m, 대초원 옆
알제리 태생의 모한드 아마라(1952- )는 예술이 사람과 사람 사이를 이어주는 훌륭한 의사소통 수단이 될 수 있다고 생각한다. 작가는 예술을 통해 서로의 대화를 가로막는 물리적, 문화적 장해물들을 넘어 소통할 수 있다고 생각한다. 미술관에서 백제학연구소로 이어지는 길에 자리한 <대화>는 위와 같은 작가의 신념을 표현한 작품이다. 귀가 맞닿을 듯 상반신을 서로에게 기울이고 있는 두 조각상을 통해 지리 언어, 문화, 인종의 장벽을 뛰어넘는 대화의 가치를 강조한다.
모한드 아마라의 대화 작품 또한 올림픽공원에 전시된 수 많은 작품중에 대표적인 작품 중 하나입니다. 당시에는 상당히 독특한 작품으로 신문 지면을 장식하기도 했는데요. 아쉽게도 이 작품앞을 그렇게 많이 다니면서도 찍어놓은 사진 한 장 없네요. 다음에는 꼭 작품을 다시 한 번 자세하게 감상해야 겠네요.
<무제> 1987, 청동, 16x34 13 cm
이처럼 작가는 추상적인 모티프를 가지고 오면서노 구체적인 형상과 이미지를 살려 작업하는데, <무제> 역시 철갑을 입은 코뿔소를 사실적으로 형상화한 작품이다. 머리와 몸통을 강조하고 상대적으로 다리와 꼬리는 작게 표현하여 시각적인 재미를 부가했다
Mohand Amara Artist of the 1st International Open-Air Sculpture Symposium Untitled, 1987, Bronze, 16 x 34 x 13 cm Dialogue, 1987, Granite, 3.3 x 6 x 1.8 m, Trail next to the Prairie
소마미술관 1관 제5전시실 마지막 공간은 그동안 진행되었던 자료들과 멀티미디어 자료가 상영되고 있습니다.
사히드 사자드
국제야외조각초대전 작가
<고민하는 여인> 1988, 나무, 190 x 40 x40 cm
파키스탄의 조각가 사히드 사자드(1936-2014)는 주로 나무와 금속을 활용하여 인체를 주제로 한작품을 제작했다. 인체와 인간의 감정을 깊이 있게 탐구한 그는 파키스탄의 사회적, 문화적, 정치적 문제와 함께 그 속에서 인간으로서 느낄 수 있는 강렬한 감정을 조각으로 표현한다.
Shahid Sajjad Artist of the International Open-Air Sculpture Invitation Exhibition Woman in Agony, 1988, Wood, 190 x 40 x 40 cm
<고민하는 여인>은 특히 여성에 대한 사회적 불평등과 여성으로서 감내하는 고통을 사실적으로 표현하고 있다. 이처럼 단순한 미적 아름다움을 넘어 인류의 보편적인 감정을 탐구하고, 사회적인 메시지를 전달하고자 하는 이 작품은 관객들에게 강렬한 감정적 호소력을 갖는다
오늘은 소마미술관 1관에서 열리고 있는 '장소와 통로_고리타분한 조각이야기' 소개였습니다. 강동 송파구 거주하면서 종종 올림픽공원 산책하시는 분들은 너무나도 쉽게 무심결에 지나치게 되는 수많은 조각품들이 이런 이야기를 가지고 있다는 것을 다시 한 번 확인할 수 있는 좋은 기회네요. 시간내서 꼭 한 번 관람하시는 것을 추천 드립니다.
개천절인 어제인 10월 3일 오픈한 '유코 히구치 특별展 : 비밀의 숲' 전시회 개막일 관람후기입니다.
1,000여점의 작가 작품을 만나볼 수 있다는 엄청난 매력도 있지만, 전시장 구성 및 캡션처리 등은 전시회 규모에 비해 상당히 수준 떨어지는 전시회 였습니다.
물론 저의 지극히 주관적인 전시회 관람후기이니 잘 판단하고 결정 하세요.
오늘은 유코 히구치 특별전 전시회 소개는 물론 티켓할인, 주차장, 무료주자, 아트샵, 도슨트, 관람팁 정보 공유합니다.
| 얼리버드 및 티켓 할인 : 20~50% 할인
이번 유코 히구치 특별展 성인기준 입장료는 20,000원 입니다. 저는 7월 말 얼리버드 티켓팅을 통해 50% 할인된 가격에 유코 히구치 전시회를 관람하고 왔는데요.
현재는 현대백화점 앱을 설치하고 회원가입하면 유코 히구치 특별전 20% 할인권 두 매를 받을 수 있습니다. 현대백화점 카드를 발급하면 50% 할인이라고 하는데 정보를 다시 찾을 수 없네요.
저는 3매의 얼리버드 티켓 예약 후 전시회장 방문해서 아래와 같이 유코 히구치 작품이 들어간 아트 카드를 스페셜 기프트로 받았습니다.
| 도슨트 : 하루 두 번 + 주 2회 + 주말 없음
유코 히구치 특별전 도슨트는 10월 11일 (금)부터 운영됩니다. 개막일인 이번주와 다음주 까지는 사실상 도슨트 운영이 없다고 보시면 됩니다.
아쉽게도 유코 히구치 전시회 도슨트는 수요일과 금요일 오후 2시와 4시 2회만운영되며, 주말 도슨트는 없습니다. 직장인인 저는 웁니다. 그렇다고 전시장 안내가 친절한 것도 아니고. 작품 이해하기 위해서는 도슨트 필요한데.
오디오 도슨트는 망
현대백화점 H.Point 앱을 설치하고 가입하면 사운드갤러리에서 유코 히구치 전시회 오디오가이드를 무료로 들을 수 있습니다만, 역시나 공짜 수준을 벗어나지 못합니다. 섹션 소개도 아니고 작품소개는 없고 딸랑 9개의 음원파일로 1천여점의 작품을 이해하려고 노력해봐야 핣니다.
반응형
| 당분관 관람은 피해라 : 사람 너무 많아서...
제가 방문한 10월 3일 오전 유코 히구치 특별전이 열리고 있는 더 서울 현대 ALt1 전시장 입구입니다. 입구에 선 긴 줄과 입장했다고 해도 도저히 앞으로 나아가지 못하는 관람객... 1천여점의 작품을 무슨 화장실 타일처럼 붙여 놓았으니 관람하기도 힘들지만, 도저히 관람객이 앞으로 빠지지 못합니다. 사람을 본 것인지 작품을 본 것인지...
저라면 10월 지나서 방문하겠음
기프트샵 결제줄도 20~30분은 대기해야 했습니다. 중간에 구매 포기하는 분들도...
과연 이번 '유코 히구치 특별展 : 비밀의 숲' 전시회 인기가 얼마나 유지될 지 모르겠지만 전시회는 내년 1월까지 계속될 예정이니 저는 최소한 10월 방문은 피하겠어요.
| 전시회 섹션 구성은 정말로 최악
이번 전시회는 공식적으로 8개의 섹션으로 구성되어 있습니다만, 이번 유코 히구치 특별전시회 전시장에는 아래 전시회 설명 부분을 제외하고는 어떠한 구역 안내나 설명도 없습니다. 심지어 '유코 히구치' 작가에 대한 설명조차 없네요.
이런 불친절한 전시회는 처음 보네요. 최근 GNC 미디어 전시회에 실망하는 경우가 계속 나오네요.
대부분의 작품에 캡션은 없다.
유코 히구치 특별전에서 가장 큰 불만사항입니다.
전시공간은 물론 작품에 대한 설명이 너무 부실합니다. 극히 일부 작품에는 친절한 설명이 있지만, 대붑분 작품은 관람객의 상상력에 의존해야 합니다.
더구나 작품속에 일본어로 작업된 작품들이 종종 있는데, 일본어 모르는 저는 뭐... (문자인식도 안되는...)
이 작품들에 설명은 1도 없다.
전시회 홍보는 참 잘하는데, 점점 전시회장 구성에는 노력이 들어가지 않는 것 같다는...
물론 이 정도 적용된 공간도 있지만....
포토존
유코 히구치 특별전 포토존은 전시장 곳곳에 위치해 있습니다.
전시장 벽면도 다른 전시히와는 다르게 작가의 작품으로 구성되어 있고 곳곳에 재미 요소를 부여 했습니다. 이를 배경으로 인증샷 찍기에 충분합니다.
사진에서 보이는 곳에서는 작품 배경으로 꼭 추억사진 남겨 보세요.
728x90
유코 히구치 특별전 : 비밀의 숲 쇼핑백은 400원이다. 그런데 도록 넣었더니 터질 것 같음
| 더현대 서울 주차요금 및 할인
주차는 더현대 서울 주차장에 주차하시고 엘리베이터를 이용 6층 알트원 전시장으로 오시면 됩니다.
유코 히구치 전시회 무료주차는 최대 2시간 가능하며, 구매수와 상관 없이 최대할인 시간입니다만, 오늘은 전시회 대기 및 이동에 소요된 시간만도 1시간이 넘어가는 것 같네요. 또한 아트샵에서 구입한 금액은 현대백화점 주차 할인에 추가되지 않습니다. 초과시 주차요금 지불하셔야 한다는...
| 아트샵 & 도록
유코 히구치 특별전 전시장 구성은 형편 없었지만 아트샵 구성은 아주 그냥 최선을 다해서 구성 했네요. 지갑 안 털리고 나왔다면, 당신은 분명...
어이 없게도 이번 '유코 히구치 특별전 : 비밀의 숲' 도록은 없습니다.
제작 조차 하지 않은 것 같고요. 일본에서 출간된 서커스와 바벨 도록만 판매하고 있네요. 물론 옛날 판형으로 이번 전시회에 소개된 작품은 일부만 담겨 있습니다.
| 작가의 특성을 잘 보여주는 차별화된 기념품
더현대서울 유코 히구치 전시회 아트샵에는 볼펜이나 마그넷, 마우스패드, 엽서 등의 일반적인 기념품들도 준비되어 있지만, 상당히 고급스럽고 차별화된 기념품도 준비되어 있습니다. 작품 설치에 아트샵에 들인 노력의 절반만 투자 했어도...
지난 주말에 여의도 더현대 서울 알트원 (ALT.1)에서 열리고 있는, '서양미술800년전 : 고딕부터 현대미술까지' 전시회를 가족과 다녀 왔습니다. 오랜만에 알트원 전시장을 다녀 왔는데요.
오늘은 서양미술800년전 전시회 도슨트 및 오디오가이드, 주차, 티켓예약, 할인정보 공유합니다.
A. 전시회정보
| 도슨트 평일만 - 오디오가이드 무료
서양미술800년전' 도슨트는 7월 기준 월요일부터 금요일까지 평일에만 진행됩니다. 오후 14시와 16시 두 번 진행되며, 아쉽게도 주말 토요일과 일요일 도슨트는 진행하지 않습니다.
다만 현대백화점 하이포인트 (H.Piont) 앱에서 무료로 오디오가이드 사용이 가능합니다. 사전에 앱 다운로드 받으시고 배터리 만 땅에 이어폰은 꼭 가지고 오세요. 서양미술800년전 오디오가이드 기기 대여는 없습니다.
| 주차장 및 주차요금 할인 - 2시간
이번 전시회가 열리는 장소는 여의도 더현대 서울 6츨 ALT.1 입니다. 주차장은 더현대서울 주차장을 같이 이용하며, 주차요금도 현대 정책에 따라 부과됩니다. 무료 할인 시간이 초과되면 10분에 2,000원, 한 시간 12,000원 이라는 엄청난 주차요금이 부과되는데요.
이번 '서양미술 800년전: 고딕부터 현대미술까지' 관람객은 티켓팅시 차량번호를 말씀하시면 2시간 무료 주차요금이 지원됩니다. 여기에 현대백화점 앱이 있다면 2시간 추가 무료주차가 가능합니다.
| 전시회 40% 할인
저는 사전 얼리버드 티켓팅을 통해 50% 할인된 가격인 10,000원에 관람하고 왔는데요. 현재는 현대백화점 앱을 설치하면 2매 까지 서양미술 800년전 티켓을 40% 할인된 가격에 티켓 구입이 가능합니다.
| 전시장 애티켓 & 사진촬영 제한없음
전시회 입구에 있는 관람시 주의사항입니다. 기본적인 내용이며 서양미술 800년전: 고딕부터 현대미술까지 사진촬영에 제한 없습니다. 입장시에도 별도 안내 없으며, 실내에서도 제한없는 것으로 봐서 중간에 정책이 변경된 것 같습니다.
전시장내 통화금지와 함께 대화금지도 필요해 보이네요. 여친에게 큰 소리로 잘난척하는 커플이 계속 뒤에 오는데 상당히 시끄럽네요.
| 물품보관함 무료
전시장 안에는 커다란 가방이나 음료 또는 읍식물 반입은 제한됩니다. 티켓창고 왼쪽으로 물품 보관함이 무료로 운영되고 있으니 이용하시면 됩니다. 열쇄없이 비밀번호로 운영되니 락커 및 비번 꼭 기억하시고요.
| 800 Years of European Arts
이번 전시회는 로빌란트 보에나 갤러리 (robilantvoena)의 소장 작품으로 구성된 전시회입니다.
한글 제목은 서양미술... 이지만 영문 제목은 'From Gothic to Contemporary Art : 800 Years of European Arts'입니만, 특정 지역과 작가에 다소 편중된 포트폴리오로 보이네요.
반응형
| 9개의 섹션 최소 120분
이번 서양미술 800년전: 고딕부터 현대미술까지 전시회는 9개의 섹션으로 구성되어 있고 각 섹션별로 최소 10분에서 20분 소요됩니다. 멀티미디어 전시공간은 없으며, 최소 2시간 관람은 생각 하셔야합니다.
전시회 구성은 종굠술인 고딕미술을 시작으로 유럽 중흥기의 작품을 건너, 20, 21세기 근 현대미술까지 대부분의 주요 미술사조를 작품으로 설명하고 있습니다.
| 아트샵
서양미술 800년전 아트샵은 전시장 출구와 연결되어 있습니다.
이번 전시회 도록과 포스터 엽서 그 외의 몇 몇 기념품으로 구성되어 있는데요. 상품이 다양하지는 않습니다. 도록 가격은 매력 있네요.
B. 전시회 내용
본격적으로 전시회 소개 들어 갑니다.
총 9개 섹션의 시작은 고딕 종교미술로 시작합니다.
1. 금빛 예술, 고딕 종교 미술
Fourteenth and Fifteenth Centuries : Gothic Devotional Art 14세기의 예술 작품들은 삶과 종교가 분리될 수 없는 시대에 제작된 것이다. 이번 전시에서 볼 수 있는 십자가 작품은 여러 방향에서 볼 수 있도록 양면에 그려진 것을 볼 때 종교 행렬에 사용하기 위한 목적으로 그려졌으며, 성인과 성( )가족의 모습을 담은 그림들은 교회 내부에 전시하거나 개인적인 예배를 위한 용도로 그려졌을 것이다. 이 작품들에 사용된 금박의 따뜻한 광채는 성스러운 분위기를 자아낸다. 이 그림들은 주로 '템페라'를 사용하여 그려졌다. 템페라는 수용성 용매로, 계란 노른자를 안료와 섞어 만든 물감이다. 이 물감은 매우 빠르게 마르고 내구성이 강하기 때문에 화가는 작업을 신속하게 해야만 했으며 표현할 수 있는 색채의 수에는 한계가 있었다.
세례 요한, 대 야고보와 함께 있는 성모 마리아와 아기 예수
Madonna and Child with Saints John the Baptist and James the Greater / c. 1415
알바로 피레즈 데보라 (b. Évora, active 1411-34) 패널에 템페라와 금 / Tempera and gold on panel 73 x 49 cm (28 3/4 x 19 1/4 in.)
14세기부터 21세기 현대미술까지, 800년의 세월을 아우르는 서양 미술의 역사를 한 자리에서 만나볼 수 있는 '서양 미 술 800년 전'을 찾아와 주셔서 감사합니다. 서양 미술의 흐름을 혁신적으로 변화시킨 수많은 예술가들과 그 작품들을 총 9개의 세부 주제를 통해 만나 보시기 바랍니다 첫 번째로 만나볼 작품, "세례 요한, 대(츠)야고보와 함께 있는 성모 마리아와 아가 예수" 는 삶과 종교가 분리될 수 없었던 시 대, 14세기에 탄생하였습니다.
이 작품은 달걀 노른자를 안료와 섞어 만든 물감인 '템페라'와, 금으로 그려졌는데 특히 금빛 의 따뜻한 광채는 성스러운 분위기를 자아냅니다. 작가는 직물의 세세한 부분과 주름까지도 정교하게 묘사했습니다. 양 옆 에 성인들을 두고 있는 성모 마리아와 아기 예수의 모습은 이 시기 작품들 속에서 자주 볼 수 있는 구도이지만, 아기 예수가 성 모의 손을 잡고 있는 모티프는 피렌체 화파에서만 나타나는 특징입니다
성좌에 앉은 성모 마리아와 아기 예수
Madonna and Child Enthroned / c. 1380
대리석 Marble 73 x 44.5 x 16 cm (28 3/4 x 17 1/2 x 6 1/3 in.)
보니노 다 캄피오네 Bonino da Campione ( b. 1350년, 이탈리아에서 사망 1390, 이탈리아)
성모 마리아와 아기 예수는 기독교 믿음 가운데 일반인들을 교화하고 이끌 수 있는 친숙한 소재였기 때문에 이 시기 곳곳에서 익숙하게 볼 수 있었습니다. 전 유럽에 걸쳐 회화 뿐 아니라 교회와 궁정을 장식하는 조각들 또한 주목받았는데, 그 중 이 작품은 당대 가장 중요 한 조각가 중 한 명인 보니노 다 캄피오네 작품입니다. 조각가가 대리석을 다루는 인상적이고 혁신적인 방식을 잘 보여주는 작품으로 부드러움이 잘 표현된 조각 방식으로 성모 마리아와 아기 예수 사이의 온화한 느낌이 잘 전달되고 있습니다.
그려진 십자가
Painted Crucifix / late 14th/early 15th century
패널에 템페라 /Tempera on panel,44 x 34cm (17 3/8 x 13 3/8인치)
산 자코포 아 무치아나의 대가 Master of San Jacopo a Mucciana (b. Florence, active 1390–1420)
이 양면으로 그려진 십자가의 직사각형에는 십자가에 못 박힌 그리스도가 마돈나와 복음주의자 성 요한이 나란히 있고 꼭대기에는 그리스도가 축복의 표시로 한 손을 들고 다른 한 손에는 책을 들고 있는 모습이 그려져 있는데, 이는 문자의 중요성을 상징합니다.아랫부분에는 털로 된 빨간 예복을 입고 모자를 쓴 성인이 성 코스모스나 성 데미안을 상징하는 것으로 생각됩니다.
질병, 특히 전염병에 대한 보호자들인 그들은 르네상스 시대 메디치 가문의 수호성인이었고 1400년 이후 피렌체 회화, 특히 봉헌 작품에 자주 등장합니다.십자가의 뒷면에는 십자가에 못 박힌 그리스도가 네 명의 복음주의자들에게 둘러싸여 그들의 이름이 표시된 현수막을 들고 있습니다.
십자가상이 양쪽에 모두 그려져 있다는 것은 원래 기독교 의식에서 사용되었을 것이라는 것을 나타냅니다.제단 위에 고정된 배치를 위한 것이 아니라 행렬용으로 제작된 이 고도로 정제된 십자가는 그 품질과 기원으로 인해 중요한 위원회의 일부가 되었음을 증명합니다.
2. 르네상스 16세기를 그리다.
Renaissance and Counter Reformation : Painting in the Sixteenth Century
15세기 말에 이르러, 네덜란드 화가들이 발명한 유화 물감이라는 매체는 유럽 전역으로 퍼져 나갔다 이탈리아의 화가들은 물감을 섞거나 덧칠하고 다양한 색상을 표현할 수 있을 뿐 아니라 훨씬더 세부적인 묘사를 할 수 있는 이 신기술을 적극적으로 포용했다. 대부분은 여전히 종교적인 주제를 다뤘지만, 유화 물감은 다양한 구성 및 보다 세련된 배치와 장식을 가능하게 함으로써 화가들에게 개인적인 스타일을 발전시킬 수 있는 기회를 제공했다. 당시, 원근법을 이해한 화가들은 보다 사실적인 표현을 통해, 그림을 주문한 후원자들을 위한 더 인상적이고 가치 있는 작품들을 창조할 수 있게 되었다.
참회하는 성 제롬
The Penitent Saint Jerome, c. 1585-91
Oil on canvas 110 x 88 cm (43 1/4 x 34 5/8 in.)
아코포 다 폰데, 일명 아코포 바사노 / Jacopo da Ponte, called Jacopo Bassano
(b. 1510, 이탈리아 바사노 델 그라파 d. 1592년 이탈리아 바사노 델 그라파)
자코포 바사노의 전기와 경력은 그가 사망한 이후 몇 세기 동안 많은 연구와 논평을 해 왔으며, 그의 초기 전기 작가 중에서, 지암바티스타 베르시는 아마도 예술가에 대한 우리의 현대적 이해에 가장 중요할 것입니다. 베르시는 또한 바사노의 예술적 발전에 대한 예리한 분석을 제공하여 그의 경력 전반에 걸쳐 4가지 뚜렷한 매니에르(스타일)를 식별하고 그에 따라 그의 예술 작품을 분류했습니다. 20세기에 알레산드로 발라린은 베르시에 의해 분류된 것들에 다섯 번째 매니에라를 추가했는데, 이는 바사노의 후기 작품들(1585–92)에 해당하며, 유사한 양식적 요소들을 보여주는 일련의 주요 작품들로 대표됩니다.
가족, 성모 마리아, 성 요셉과 아기 예수
The Holy Family c. 1523
Oil on wood panel 36.5 x 30 cm (14 3/8 x 11 3/4 in.) With frame: 55.5 x 48.5 cm (21 7/8 x 19 in.)
페르난도 야녜스 데 라 알메디나
Fernando Yáñez de la Almedina b. Almedina de la Mancha, (active from 1505 d. 1536, Valencia)
스페인 알메디나에서 1475년경 태어난 페르난도 야네즈는 이탈리아 르네상스 양식을 스페인에 도입한 핵심적인 화가입니 다. 1501년 젊은 시절에 이탈리아를 여행했던 그는 피렌체를 방문하여 레오나르도 다빈치와 라파엘로의 작품들을 탐구했 던 것으로 보입니다. 다빈치의 회화는 야녜즈에게 매우 큰 영향을 미쳤는데, 성모 마리아, 성 요셉과 아기 예수의 모습을 담 은 이 작품, '성( )가족'은 다빈치에 대한 경의를 표하고 있는 작품입니다.
작품 속에서 야네즈는 성 요셉을 노인의 얼굴로 표 현하고 있는데, 이러한 특징은 작가가 다빈치의 관상학 연구로부터 영향을 받은 것으로 보입니다. 작품의 왼편에 두 명의 목동 들이 등장하는데, 예수 탄생 직후 목동들이 성(트)가족을 방문해 예수의 도래를 예언했던 상황을 묘사하고 있습니다.
띠를 손에 쥔 성모 마리아와 누르시아의 성 베네딕토, 성 토마스, 성 프란체스코 그리스고 성 율리아노
Madonna of the Girdle with Saints Benedict of Nursia, Thomas, Francis and Julian the Hospitaller c. 1505–16
Oil on panel 216 x 180.5 cm (85 x 71 in.)
프란체스코 그라나치, Francesco Granacci ( b. 1469, Florence d. 1543, Florence)
여기서 다루고 있는 사건은 13세기 야코부스 데 보라진이 집필한 황금 전설에 나오는 이야기로, 늦게 도착해서 성모 마리아의 죽음과 승천을 목격하지 못한 성 토마스 앞에 다시 나타난 성모의 모습을 그리고 있습니다. 성모 마리아는 승천하면서 그녀의 허리띠로 사용하는 천으로 만든 끈을 성 토마스에게 떨구어 주고 있습니다.
반응형
햇살에 둘러싸여 구름 성 좌에 앉은 성모를 세 명의 아기 천사들이 하늘로 올려 보내고 있으며, 그 중 한 천사는 자신의 머리로 성모의 왼발을 받쳐 주고 있습니 다. 왼편에는 검은 수도복을 입은 성 베네딕토가 성수를 뿌리는 데 사용되는 성수체와 함께 베네딕토 규칙서를 들고 있습니다. 이 규칙 서는 베네딕토 수도회 소속 수도사들에게 소박하고 순종적이며 독실한 삶을 살아야 한다고 가르치는 지침서입니다.
헤라르도 지아바리니의 25세 초상화
Portrait of Gerardo Giavarini at Twenty-Five Years Old 1598
라비니아 폰타나가 이 작품들을 그리기 위해 선택된 바로 그 순간, 스물세 살의 귀도 레니가 교황 행렬의 경로를 따라 배치될 장식들에 대한 경쟁에서 루도비코 카라치와 다른 후기 매너리스트 예술가들을 제치고 우승한 볼로냐에서,수많은 뛰어난 남성 경쟁자들에게 둘러싸인 라비니아의 승리를 의미합니다.
헤라르도 지아바리니(Gerardo Giavarini)는 4분의 3 프로필과 4분의 3 길이로 서 있으며, 그의 자랑스러운 시선은 시청자와 마주하고 있습니다.그는 군복을 입고 있으며, 오른쪽에는 기사의 깃털이 달린 헬멧이 기하학적 모티프로 장식된 터키 카펫으로 장식된 탁자 위에 놓여 있는데, 이는 이 시대에 이탈리아와 동양 사이의 활발한 국제 무역, 특히 사치품 무역을 나타냅니다. 동시에 그것은 지아바리니 가문의 부를 표현합니다.그리고 그런 이국적인 광산에 접근할 수 있는 수단과 연결고리가 있습니다.지아바리니(Giavarini)는 비너스(Venus)와 큐피드(Cupid)가 테이블 위에 놓여있는 작은 그림을 가리킵니다.폰타나는 이 주제를 여러 차례에 걸쳐 그렸고 그러한 구성과의 유사성은 쉽게 식별할 수 있습니다.
3. 빛과 그림자가 만드는 이상, 17세기 미술
The Caravaggesque and the Seventeenth Century 17세기 초는 거장 카라바조의 혁신적인 천재성으로 대변되는 시기인데, 그가 작품에서 구현한 급진적인 특징은 빛과 그림자의 매우 극적인 대비였다. 그의 영향은 이탈리아 전역 뿐 아니라 유럽 전체로 퍼져 나갔다. 바르톨로메오 카바로치는 사물에 대한 사실성과 꼼꼼한 세부 묘사를 통해 이 급진적인 화풍을 보여주었고, 네덜란드의 화가 디르크 반 바뷔렌은 로마에서 긴 시간을 체류하며 이탈리아 대가의 양식을 바탕으로 자신만의 고유한 스타일을 발전시켰다. 카라바조 화풍과 함께 이탈리아 바로크 양식이 확산되고 있을 때, 이와 동시에 풍경화의 역사에서도 중요한 장이 열리고 있었다. 그 중에서도 예술가로서의 일생 대부분을 로마에서 보낸 프랑스 화가 니콜라 푸생은 고전주의 풍경화 장르의 선구자로 손꼽힌다
참회 하는 막달라 마리아
The Penitent Magdalene c. 1625/30
Oil on canvas 81 x 68.5 cm (31 7/8 x 27 in.)
아르테미시아 젠틸레스키 Artemisia Gentileschi b. 1593, Rome d. after 1654, Naples
아르테미시아 젠틸레스키는 17세기의 대표적인 여성 화가입니다. 로마에서 태어난 작가는 로마, 피렌체, 베네치아, 나폴 리, 런던에서 활동했으며 스페인의 필리페 4세를 포함해 당시 유럽 사회에서 가장 저명한 인물들의 후원을 받았습니다. 이 작 품 참회하는 막달라 마리아'는 자신의 죄 많은 과거를 묵상하는 막달라 마리아를 절제된 방식으로 담아내고 있습니다.
막달라 마리아는 흰색 슈미즈를 입고 세밀하게 묘사된 주름진 짙은 주황색 천을 곁에 두른 채, 왼쪽 팔꿈치는 은색 연고 병 옆 벨 벳 쿠션에, 오른손은 해골 위에 없은 상태로 앉아 있습니다. 삶의 공허함을 상징하는 해골은 짙은 갈색 빛으로 배경에 녹아 들 어 그 섬똑함이 누그러 들었습니다. 한 팔로 머리를 받치고 있는 여인의 이미지는 초기 르네상스 이래 과거에 대한 침울한 묵 상을 의미하게 되었습니다. 이 작품은 작가가 작품 속 여성 주인공을 섬세하게 다루는 것을 보여주는 아름다운 작품으로 손꼽 힙니다.
홀로페르네스의 머리를 든 유디트
Judith with the Head of Holofernes c. 1620s
Oil on canvas 127.5 x 101 cm (50 1/4 x 39 3/4 in.) With frame: 149 x 126 x 6.5 cm (58 5/8 x 49 5/8 x 2 1/2 in.)
안드레아 바카로 Andrea Vaccaro b. 1598, Naples d. 1670, Naples
구약성경에 나오는 유디트의 책에 따르면 아시리아 장군 홀로페르네스는 베툴리아의 유대인들을 파괴하려 했다고 합니다. 그런데도 주디스라는 아름다운 유대인 미망인에게 반해, 그는 그녀를 유혹할 목적으로 그녀를 자신의 장막으로 초대했지만, 그녀의 아름다움에 취해 술에 취해 잠이 들었고, 주디스는 그녀의 여종 아브라의 도움으로 장군을 자신의 칼로 목을 베었습니다. 그래서 주디스는 용기 있게 그녀의 사람들을 해방시켰습니다.
이 그림은 1610년 카라바조가 나폴리에 두 번째 체류했을 때 그린 세례 요한의 머리가 있는 살로메에서 꽤 명확하게 영감을 받았으며, 현재는 런던 국립 갤러리의 컬렉션에 있습니다(그림 1). 특히 주디스의 하인의 머리 가리개와 얼굴은 살로메의 나이 든 동반자인 주디스와 살로메 모두 흰색 카미시아 위에 어두운 드레스를 입고 있으며 카라바조의 그림에서는 처형자의 주먹에 있는 머리카락과 바카로의 주디스의 머리를 잡고 있는 모습도 유사합니다.
아폴론과 다프네
Apollo and Daphne 1625–26
Oil on canvas 63 x 77 cm (24 3/4 x 30 1/4 in.) With frame: 84 x 100 x 6 cm (33 1/8 x 39 3/8 x 2 3/8 in.)
니콜라 푸생, Nicolas Poussin b. 1594, Les Andelys, Normandy d. 1655, Rome
니콜라 푸생은 예술가로서의 생애 대부분을 로마에서 보낸 프랑스 화가로 고전주의 풍경화의 대표적인 작가입니다. 부드러운 색과 빛 의 아름다운 처리는 젊은 시절 푸생이 매우 선망했던 티치아노의 풍경화를 면밀히 연구한 결과입니다.
이 작품은 오비디우스의 변신 이야기J 에서 영감을 받았으며, 사랑의 신인 에로스의 개입으로 님프 다프네와 사랑에 빠진 그리스 신 아폴론이 다프네를 뒤쫓는 모습을 그리고 있습니다. 신화에서 다프네는 아폴론의 구애를 거부하며 아버지이자 강의 신인 페네우스에게 간절히 도움을 청합니다. 이에 페네우스는 다프네가 원치 않는 아폴론의 구애로부터 영원히 벗어날 수 있도록 다프네를 월계수 나무로 변신시킵니다. 목가적 풍경 속에서 아폴론과 다프네는 추격전을 벌이는 중이며, 얼마 뒤 다프네는 아폴론의 뻗은 손을 피해 월계수 나 무로 변합니다.
석조 선반 위의 과일 바구니
Basket of Fruit on a Stone Ledge c. 1615–25
Oil on canvas 90 x 122 cm (35 3/8 x 48 in.)
바르톨로메오 카바로치, Bartolomeo Cavarozzi b. 1587, Viterbo d. 1625, Rome
바르톨로메오 카바로치는 일찍이 카라바조의 영향을 받은 화가들 가운데 한 명으로, 카라바조가 명성을 얻고 유명한 후원자들을 만나 게 된 로마에서 활동했습니다.
카바로치의 명상적인 정물화 석조 선반 위의 과일 바구니는 카라바조가 1610년에 사망한 후 몇 년 지나 지 않아 제작되었습니다. 사물에 대한 사실적이고 꼼꼼한 세부 묘사는 초창기의 이 급진적인 새 화풍을 보여주는 좋은 예시입니다. 돌 선반이라는 평범한 배경에 과일 바구니를 배치한 것 역시 오늘날 밀라노 암브로시아나 도서관에 있는 카라바조의 가장 유명한 그림들 가운데 하나로부터 영향을 받은 것으로 보입니다.
성전에서 대금업자들을 몰아내는 예수
Christ Driving the Money Lenders from the Temple c. 1618
Oil on canvas 170 x 217 cm (66 7/8 x 85 3/8 in.)
디르크 야스페르스 반 바뷔렌
Dirck Jaspersz Van Baburen b. c. 1592/93, Utrecht d. 1624, Utrecht
디르크 야스페르스 반 바뷔렌은 네덜란드 위트레흐트 출신으로, '위트레흐트 카라바지스티(카라바조의 화풍을 추종하는 사람들)'라 불 린 작가들 중 한 사람입니다. 그는 로마에서 긴 시간을 체류하며 이탈리아 대가의 양식을 바탕으로 자신만의 고유한 스타일을 발전시켰 습니다. 성전에서 대금업자들을 몰아내는 예수는 카라바조가 세상을 떠난 후 10년 사이에 걸작으로 복음서에 나오는 이야기를 열정적, 감동적으로 묘사합니다. 눈부신 조명, 자연스럽고 역동적인 인물들의 묘사는 카라바조의 가르침을 자신만의 독창적인 언어로 화폭에 녹여내고 있음을 보여 주고 있습니다.
헤라클레스 동상이 있는 신전풍경
View of a Temple with a Statue of Hercules c. 1650
Oil on canvas 132 x 172 cm (52 x 67 3/4 in.)
비비아노 코다찌 & 미켈란젤로 케르쿠오치
Viviano Codazzi & Michelangelo Cerquozzi View of a Temple with a Statue of Hercules c. 1650
이 그림은 코다찌의 초기 로마 시대인 1650년경의 것으로, 1990년대에 처음 시장에 모습을 드러냈을 때코린토스 수도회의 이상화된 고대 사원을 묘사한 펜던트와 함께 선보였습니다.14개의 도리아 기둥으로 구성된 신전이나 사당 주위의 네 계단 위에는 헤라클레스의 조각상이 높은 주춧돌 위에 서 있고 예배자들이 그에게 제물을 가져다 줍니다.
둥근 사원에 대한 영감은 로마의 베스타 신전과 티볼리의 시빌 신전과 같은 고대 유적에서 유래합니다. 비슷한 건물들은 몇 년 전에 도메니코 가르기울로의 협력으로 그려진둥근 사원(개인 소장품, 그림 2)과 같은 코다찌의 다른 그림들에 나타납니다.두 그림의 비교는 나폴리 시대와 로마 시대의 차이점을 분명히 보여줍니다: 나폴리 그림에는 어두운 색조와 더 간결한 처리가 나타나고 더 기념비적인 고전 양식이 현재 작품의 특징입니다.
과일 정물과 정원 배경속 푸토와 아이들
Putti and Children with a Still Life of Fruit and Formal Gardens Beyond 1660s
Oil on canvas 167.5 x 163.6 cm (66 x 64 3/8 in.)
아브라함 브뤼헬과 기욤 쿠르투아
Abraham Brueghel and Guillaume Courtois
이 아름답게 장식된 그림은 인물들을 그린 기욤 쿠르투아와 정물적 요소들과 풍경들을 실행한 아브라함 브뤼헬의 합작품입니다.두 예술가들 모두 경력의 대부분을 이탈리아에서 보낸스트라니에리였습니다; 쿠르투아는 원래 프랑스 출신이고 유명한 플랑드르 화가 왕조의 일원이었습니다.서로 다른 전문성을 가진 예술가들 사이의 이러한 유형의 협업은 17세기 로마에서 일반적인 관행이었고, 브뤼헬과 시칠리아의 수집가 안토니오 뤼포 사이의 1660년대 후반부터 살아남은 일련의 편지들에서,브뤼헬은 그의 작업 방법과 쿠르투아, 조반니 바티스타 가울리(일 바치시오로 불림), 지아신토 브란디와 같은 그가 협력한 예술가들에 대해 자세히 씁니다.
실제로 브뤼헬은 동시대의 가장 저명한 수집가들을 위해 이와 같은 작품을 제작했고, 그의 그림들은 치기 가문, 팜필지 가문, 콜론나 가문, 보르헤 가문을 포함한 가장 중요한 로마 가문의 컬렉션에 기록되어 있습니다.밝은 색으로 칠해진 꽃과 과일의 코누코피아가 있는 브뤼헬의 호화로운 구성은 17세기 전반의 자연주의적 정물화에서 크게 벗어났고, 전면적인 바로크의 풍요로움을 받아들였습니다.
4. 상상과 실재 사이, 18세기의 풍경
ighteenth Century View Paintings and Capricci 로마는 18세기에도 여전히 문화, 정치의 중심지였지만 이 시기에는 베네치아 역시 황금기를 맞았다 베네치아는 막대한 부와 권력에 힘입어 정치, 상업, 문화, 예술의 중심지로서 그 입지를 구축하였다 이 맥락에서 '베두테(vedute)'라 불리는 건축 풍경화가 하나의 중요한 장르였는데, 그 작품들은 주요 도시의 아름다움과 위엄을 묘사하였다. 이번 전시에 소개되는 조반니 파올로 파니니의 작품에서 볼 수 있듯, 작가들은 '카프리치(capricci)'라는 기법을 통해 상상의 풍경을 그림으로써 멋진 건축물을 묘사하거나, 다른 장소에 실재하는 여러 기념물들을 하나의 구성 안에 모두 배치하기도 하였다 카날레토와 같은 화가들이 이 장르의 대중화에 핵심적 역할을 했다. 그들은 베네치아의 그림 같은 운하 경이로운 건축물, 활기찬 분위기를 놀라울 정도로 정밀하고 정교하게 묘사하였다
콜로세움과 콘스탄티누스 개선문
The Colosseum and Arch of Constantine from the East 1707
Oil on canvas 48.5 x 108 cm (19 1/8 x 42 1/2 in.) With frame: 61.5 x 121.5 cm (24 1/4 x 47 7/8 in.)
가스파르 반 비텔, Gaspar van Wittel, called Vanvitelli b. 1652/53, Amersfoort, near Utrecht d. 1736, Rome
반비텔리' 라는 이름으로 더 잘 알려진 작가 가스파르 반 비텔은 18세기에 유행했던 풍경화 양식의 혁신자로 평가받고 있습 니다. 이 작품은 18세기 초 당시의 풍경을 생생하게 보여주고 있는데,
작가는, 고대 로마의 유명한 건축물을 바탕으로, 18세 기 당시의 동시대적 요소를 묘사하여 작품 속에 활기를 불어넣었습니다.작품 속에 등장하는 다양한 인물들 사이에 붉은 옷 을 입은 화가가 앉아서 콜로세움을 그리고 있습니다.
작품의 오른편에는 강아지와 함께 있는 또 다른 화가가 보이는데, 스케치 북을 옆구리에 끼고 막 도착한 모습입니다. '반비텔리'는 '야외에서 그림을 그리는 화가'라는 모티프를 자신의 작품 속에 자 주 그렸는데, 그 모습은 '반비텔리'의 자서전과 같은 기록이기도 했습니다.
말게라 탑
The Tower of Malghera c. 1756
Oil on canvas 31.5 x 46.2 cm (12 3/8 x 18 1/4 in.) With frame: 45.5 x 60 cm (18 x 23 1/2 in.)
안토니오 카날, Antonio Canal, called Canaletto b. 1697, Venice d. 1768, Venice
'카날레토'라 불렸던 작가 '안토니오 카날'은 18세기에 널리 이름을 알렸던 베네치아 화가들 중 한 명으로, 황금기 베네치아 의 활기찬 모습을 묘사한 작품들로 잘 알려져 있습니다.이탈리아어로 '풍경',^전망' 이라는 뜻을 가지고 있는 '베두타' 라는 말 은 18세기 베네치아파 화가가 베네치아의 경관을 원근법적 구성으로 그려낸 작품을 일컫는 표현이기도 합니다.
'베두타' 화가 로 유명한 '카날레토'의 작품들은 정교한 세부 묘사 뿐만 아니라 베네치아 운하의 분위기를 훌륭하게 담아 낸 것으로 평가받 고 있습니다. 그의 작품 '말게라 탑'은 베네치아 요새의 일부였던 탑이 있는 풍경을 그린 작품입니다. 이 요새는 베네치아 방어 에 매우 중요한 역할을 했으며 수세기에 걸쳐 다양한 적들의 공격을 받다가 1842년경 파괴되어 현재는 작품 속에서만 그 모 습을 확인할 수 있습니다.
베니스 베니스: 산채교회 전경을 볼 수 있는 대운하
Venice: The Grand Canal with a View of the Church of San Stae 1730s
Oil on canvas 83.4 x 114 cm (32 7/8 x 44 7/8 in.)
미켈레 마리에스키, Michele Marieschi b. 1710, Venice d. 1744, Venice
더현대 서울 ALT 1. 서양 미술 800년_고딕부터 현대미술까지 중간정도 도착 했습니다.
다음 전시공간을 이어주는 이 통로에서는 고딕부터 현재까지의 미술 사조와 연대에 맞춰 이번 전시에 전시된 작품들을 소개하고 있습니다.
반응형
5. 고전주의와 사실주의
Eighteenth Century Classicism and Realism 회화에서 고전주의 이상의 특징은 질서와 균형 명료함을 강조하는 고전 미술의 원칙으로의 복귀다. 이 시기에는 고대 그리스, 로마의 미학에 대한 관심이 되살아났을 뿐 아니라 윤리적 주제와 이상화된 인간 형태의 묘사에 집중하였다. 루이 가브리엘 블랑쉐는 고대 미술에서 영감을 구하면서도 프랑스의 우아한 감각으로 이를 녹여내, 조화와 절제라는 신고전주의 이상을 표상하였다. 동물과 정물 화가로 알려진 장 바티스트 우드리 또한 이 시기 고전주의에 기여하였다. 고전주의의 유행이 대단했던 한편, 당대 사회 특히 빈곤층에 대한 관심도 높아지기 시작했다. 일상적인 주제에 집중하는 이러한 '장르' 회화는 당시 늘어나고 있던 중산층 사이에 큰 인기를 얻게 되었다
라 퐁텐 우화 속 어부와 작은 물고기
The Fisherman and the Little Fish from Fontaine’s Fables 1739
Oil on canvas 122 x 172.8 cm (68 1/8 x 48 1/8 in.) With frame: 150 x 202 x 9 cm (79 1/2 x 59 1/8 x 3 1/2 in.)
장 바티스트 우드리, Jean-Baptiste Oudry b. 1686, Paris d. 1755, Beauvais
장 바티스트 우드리는 18세기 프랑스에서 '동물화'로 가장 중요한 화가였습니다. 그는 17세기 "장 드 라 퐁텐"의 [우화집] 에 나온 이야기들을 소재로, 276점의 완성도 높은 소묘화를 먼저 완성하였습니다. 우드리는, 이 소묘 작품들과는 매우 다르 게, 캔버스 위에 그린 유화를 통해 화가로서 자신의 역량을 발휘했습니다. 꼼짝 않고 물고기에 고정된 개의 강렬한 시선, 풍성 한 초목, 그물, 바구니, 미끄러운 물고기가 풍부한 질감으로 표현되어 있습니다.
특히, 표범 가죽을 걸친 채, 극적인 포즈를 취 하고 있는 남자의 모습은, 물고기가 걸려 팽팽하게 휘어진 낚싯대 만큼이나 긴장감으로 가득 차 있습니다. 당시 왕립 아카데미 에서는 해부학적으로 정확하게 남성의 신체를 표현해 내는 것이 작가의 예술적 기량을 가늠하는 잣대로 여겨졌는데, 우드리 는 이 작품을 통해 아카데미 화가로서의 입지를 다지려고 했던 것으로 보입니다.
조각가 에드메 부샤르동 (1698-1762)으로 추정되는 초상
Presumed portrait of Edme Bouchardon (1698–1762) c. 1730
Oil on canvas 91.5 x 78 cm (36 x 30 3/4 in.)
루이 가브리엘 블랑쉐 Louis-Gabriel Blanchet b. 1701, Versailles d. 1772, Rome
1648년 파리에서 만들어진 '회화 조각 왕립 아카데미'는 18세기에 그 영향력이 최고조에 달해 회원과 학생들에게 엄격한 고 전적 교육을 시행하였습니다. 회화에서의 고전주의는 질서와 균형, 명료함을 강조하는 고전 미술로의 회귀를 의미합니 다. 이 시기에는 고대 그리스 로마의 미학에 대한 관심이 되살아났을 뿐만 아니라 윤리적 주제와 이상화된 인간 형태의 묘사 에 집중하였습니다. 이러한 움직임과 관련된 중요한 화가들 가운데 한 사람이, 바로 루이 가브리엘 블랑쉐입니다. 그의 작품 은 주로 신화 속 장면과 역사적 주제를 세련된 감각의 구성과 섬세한 색감으로 담아 내고 있습니다. 고대미술에서 영감을 구하 면서도 프랑스의 우아한 감각으로 이를 녹여내, 조화와 절제라는 신고전주의 이상을 추구하였습니다. 호머로 추정되는 석두상 은 이 시기에 미술 교육의 핵심이었던 고전 미술에 대한 동경을 잘 보여줍니다.
아침 단장
The Morning Toilette c. 1750
Oil on canvas 62 x 51 cm (24 3/8 x 20 1/8 in.)
피에트로 롱기 / Pietro Longhi b. 1701, Venice d. 1785, Venice
베네치아에서 활동한 피에트로 롱기는 베네치아 부르주아 시민들의 습관, 관습, 상호작용에 초점을 두고 당대의 삶을 장르적인 풍경 으로 담아낸 대표적인 화가였습니다. 이러한 일상의 환기는 부유한 베네치아 사람들 사이에서 매우 인기가 있었습니다. 이 작품은 배우자가 될 자격을 가진 남자와 하녀의 도움을 받으며 거울로 자신의 모습을 확인하고 단장하는 젊은 여성의 의례적인 일상을 보여 줍니다.
사보이아드 소년
A Savoyard Boy 1760s
Oil on canvas 49 x 40 cm (19 1/4 x 15 3/4 in.) With frame: 65.7 x 57 cm ( 25 3/4 x 22 1/2 in.)
장 바스티즈 그뢰즈 / Jean-Baptiste Greuze b. 1725, Tournus, Burgundy d. 1805, Paris
루이 15세와 루이 16세의 시대에 그뢰즈 이외의 화가들에게 "사보이야드" 소년과 소녀는 유행하는 주제였습니다.예를 들어 프랑수아 위베르 드루아는 사보이아드 드레스를 입은 소년들과 함께 유명한 그림을 만들었습니다.그러한 작품들은 마리 앙투아네트가 베르사유 공원에서 그녀의 농장 마을인 레 하모와 함께 재현하려고 시도한 것과 매우 유사한 프랑스의 이상화된 시골 지역의 이미지로 구상되었습니다.
여기서 묘사된 소년은, 단순한 회색 재킷과 갈색 길트를 입은 채, 소작농 아이로 가장한 상류층 가정의 아이들보다 농부의 아이들이 덜한 것처럼 보입니다.하지만 그뢰즈가 이 어린 소년의 직접적이고 속임수 없는 시선을 통해 그의 묘사에 완벽하게 주입한 것은 어린 시절의 변하지 않은 순수함입니다.
회색 망토를 입은 수염이 난 남자의 초상
A bearded man, bust length, in a grey cape 18th century
Oil on canvas 45.3 x 34.8 cm (17 7/8 x 13 3/4 in.)
우발도 간돌피 / Ubaldo Gandolfi b. 1728, San Matteo della Decima d. 1781, Ravenna
그림은 불특정의 배경을 배경으로 한 평범한 망토를 입은 수염을 기른 남자의 머리 연구입니다. 이 작품은 특정한 개인을 보여주는 것이 아니라 유형에 대한 연구입니다. 그러한 인물 연구는 볼로냐 전통에 따라 간돌피의 수행의 중요한 측면이었고, 종교적 또는 역사적 주제의 더 복잡한 구성에 사용될 대상의 관상과 심리를 연마했습니다. 18세기에 이 작품들은 그 자체로 완성된 예술 작품으로도 각광받았습니다.
다음 작품은 이번 '서양미술 800년전: 고딕부터 현대미술까지' 전시회에서 탐나는 작품 중 하나입니다.
테레즈 프라이프라우 폰 베트만의 초상 프란츠
Portrait of Therese Freifrau von Bethmann, née Freiin Vrints von Treuenfeld 1850
Oil on canvas 130 x 100 cm (51 1/8 x 39 3/8 in.) With frame: 183 x 137 x 16 cm (72 1/8 x 54 x 6 1/4 in.)
프란츠 크사버 빈터할터
Franz Xaver Winterhalter b. 1805, St. Blasien, Electorate of Baden d. 1873, Frankfurt
프란츠 크사버 빈터할터는 19세기 사교계에서 가장 호평을 받은 화가 중 한 명이었습니다. 의복이 신분을 나타내는 주요 상징 이 되었던 당시에 그는, 고운 옷감과 빛나는 실크, 하늘하늘한 망사 소재와 무지갯빛 진주를 회화로 표현하는 방법을 완벽 히 구사했습니다.
인물의 신분과 위엄이 강조되도록 작업했던 왕실 초상화들과는 다르게, 이 작품 <테레즈 프라이프라 우 폰 베트만의 초상>은 밝고 감미로운 분위기를 자아내고 있습니다. 풍성한 드레스, 조각 같은 자세, 백옥 같은 피부와 아 주 정밀하게 묘사된 얼굴을 보면, 작가가 고대 조각에서 찾아볼 수 있는 표현법을 참조했다는 사실을 알 수 있습니다. 이처 럼 인물의 피부, 혹은 직물을 매우 사실적으로 표현한 점, 색채를 사용한 방식 등을 살펴보면 빈터할터는, 위대한 초상화가였 던 "장 오귀스트 도미니크 앵그르"의 영향을 받았던 것으로 보입니다.
유모에게 입맞추는 줄리엣
Juliet Kissing her Nurse c. 1823
Oil on paper laid on cardboard 30.5 x 46 cm (12 1/8 x 18 1/8 in.)
프란체스코 하예즈 / Francesco Hayez b. 1791, Venice d. 1882, Milan
초상화와 함께 기타 장르의 회화 또한 인기를 끌며 중산층의 다양한 취향을 반영하게되면서, 아카데미의 역사와 종교적 주제로부터 멀 어지기 시작했습니다. 그 중 대중 소설을 바탕으로 한 작품들도 있었는데, 셰익스피어의 희곡 [로미오와 줄리엣J 에 등장하는 줄리엣 과 그의 유모를 자세히 묘사한 이탈리아 대표 화가 프란체스코 하예즈의 이 작품을 예로 들 수 있습니다.
6. 낭만주의에서 인상주의 까지
The Long Nineteenth Century' - From Romanticism to Impressionism 1789년 프랑스혁명 이후 제1차 세계대전이 발발한 1914년 사이, 유럽의 국가들은 혁명을 겪고 산업화와 경제 성장도 이룩했다. 이러한 변화는 당대 예술에서도 드러났으며, 18세기 고전주의로부터 탈피해 낭만주의로 옮겨가는 현상이 나타났다. 19세기의 중요 회화 장르 중 하나는 초상화였다. 초상화가 대두됐던 이유는 상류층과 부르주아 계층에 속한 사람들이 초상화를 의뢰함으로써 자신의 지위를 확립하고 문화적 소양을 인정받고자 했기 때문이다 초상화와 함께 기타 장르의 회화 또한 인기를 끌며 중산층의 다양한 취향을 반영하였고, 이 시기의 작가들은 아카데미의 역사와 종교적 주제로부터 멀어졌다. 셰익스피어의 희곡 "로미오와 줄리엣과 같은 대중 소설을 바탕으로 한 작품들도 등장했다
드가의 작품 치고는 다소 매력적인 그림은 아닌 듯...
두 명의 무용수들
Two Dancers c. 1890
Charcoal and pastel on joined paper laid down on card 71.1 x 55.9 cm (28 x 22 in.)
에드거 드가 / Edgar Degas b. 1834, Paris d. 1917, Paris
19세기 말 프랑스 파리는,파리와 유럽 전반 예술계의 심장부로서 활발한 시장을 갖추고 근대 도시의 삶을 관찰하려는 예술가 들이 참고할 만한 주제가 가득한 도시였습니다. 에드가 드가는 파리에서 태어나고 성장했으며, 1850년대 이탈리아에서유학 한 몇 년을 제외하고는 화가로서 경력의 대부분을 파리에서 보냈습니다 그는 발레의 세계에 매료되었는데 관객에게 드러나는 공연보다는의상실에서의 준비 과정, 고된 리허설, 무대 밖 대기 시간의 지루함 등 발레의 드러나지 않는 요소에 집중했습니다. 이 작품의 맨 앞에 배치된 발레리나의 기울어진머리와 그 뒤의 발레리 나가 마치 큐 사인을 기다리듯 앞으로 몸을 뺀 모습은 무대 뒤의 기대감과 에너지를 전달합니다.
녹색모자
The Green Hat 1908 O
il on canvas 128 x 79 cm (50 3/8 x 31 1/8 in.)
비르질리오 코스탄티니 / Virgilio Costantini b. 1882, Cefalù d. 1949, Roquebrune-Cap-Martin
그는 여성의 가장 사적인 순간을 포착하는 여성적인 영역을 섬세하게 구성한 그림을 만드는 데 탁월했습니다.현재 그림은 이러한 주제 유형의 훌륭한 예이며, 작가는 전신 드레스를 우아하게 입은 젊은 여성이 모자를 조정하면서 거울에 비친 자신의 모습을 바라보는 분위기를 연출합니다.작품의 어두운 팔레트는 장면의 친밀함을 강조하며, 작가는 이 사적인 순간을 피사체의 어깨 너머로 살짝 훑어봅니다.회색-녹색 천으로 장식된 화장대는 보이지 않는 창문을 통해 들어오는 햇빛의 축에 의해 빛이 비쳐지는데, 이는 17세기 네덜란드 인테리어 장면을 연상시키는 빛의 효과에 대한 작가의 깊은 관심을 보여줍니다.
거울을 보는 여성의 모티브는 유럽 회화에서 오랜 역사를 가지고 있는데, '거울을 든 티티안의여인' c. 1515 (현재 루브르 박물관에 있음), 그리고 바로크 시대, '거울 앞의 루벤스의비너스' c. 1614/15 (프린슬리 컬렉션,리히텐슈타인)과 벨라스케스의거울에 비친비너스, c. 1647-51(런던 국립 갤러리).19세기에, 그 모티브는 귀족이나 신화적인 주제보다는 현대의 삶을 묘사하는 화가들에게 흔했습니다
비아레조 해수 온천에서
Ai bagni di Viareggio (At the baths of Viareggio) 1866
Oil on canvas 103.2 x 168.3 cm (40 5/8 x 66 1/4 in.)
빈첸초 카비안카 / Vincenzo Cabianca b. 1827, Verona d. 1902, Rome
이 작품의 배경은 해수 목욕으로 유명한 지역이자 인기있는 해안 휴양지인 비아레조의 평온한 해변입니다. 1853년 이 지역에서는 해수 온천(marine baths)이 개장했으며, 그 의학적인 효과로 인기를 끌기 시작해 방문객의 수가 급증했습니다. 카비안카는 이 작품을 그리기 1년 전인 1865년, 신혼여행으로 비아레조에 방문했습니다. 그는 이 여행에서 다수의 스케치를 그렸고 해당 스케치들이 이 기념비적인 작품의 습작이 되었을 것으로 보인다.
해당 스케치들은 그가 살고 있던 파르마의 스케치북에 보관되어 있었습니다. 중앙에 위치한 여성들의 아름다운 의복, 머리에 바구니를 없고 걷는 상인, 오른편에 보이는 교체 중인 천막 등을 포함한 세 밀한 묘사는 그의 예리한 관찰력을 보여 줍니다.
제임스 램지 쿠퍼
James Ramsay Cooper (1778–1804) c. 1791
Oil on canvas 161.6 x 111.1 cm (63 5/8 x 43 3/4 in.) With frame: 183 x 132.5 cm (72 x 52 1/8 in.)
윌리엄 비치 경, R.A./ Sir William Beechey, R.A. b. 1753, Burford d. 1839, London
이 그림의 주인공, 제임스 램지 쿠퍼는 화가이자 판화가였던 리차드 쿠퍼(1740년경-1814년)의 아들로, 이 작품 속에서는 열두 살이나 열세 살쯤으로 추정됩니다. 그는 웰링턴 부대의 부대장으로 복무했으며 1804년 포르투갈에서 전투 중에 걸린 열병으로 사망했습니다.
중산층 출신의 어린 나이에도 불구하고 세련된 복장과 자연스러운 포즈, 신선한 시골 공기를 마음껏 들이마신 듯 발강게 상기된 얼굴 표정이 마치 성숙한 귀족처럼 보이고 싶어하는 듯합니다. 이 초상화를 그의 여자 형제가 물려받은 후 쿠퍼 가문에서 대대로 소장해 왔다는 사실은 그만큼 이 그림이 대단히 뛰어난 작품임을 입 증합니다
7. 20세기 예술, 현대 사회를 반영하다
Twentieth Century Art : Reflections of Modern Society 제1차 세계대전 후 예술가들은 전통적인 회화와 조각 방식으로부터 탈피해 새로운 표현 방식을 찾고자 했다. 오랫동안 활동하며 수많은 작품을 쏟아낸 파블로 피카소는 입체주의의 선구자이다 자신만의 독특한 시각 언어를 창조한 또 한 명의 영향력 있는 화가로 피카소와 동시대 인물이었던 호안 미로를 들 수 있다. 미로의 회화는 초현실주의, 야수주의, 그리고 표현주의의 요소들을 모두 담고 있지만, 그의 작업은 특정 사조로 국한시키기 어렵다. 마리노 마리니의 조각은 추상으로의 움직임이 비단 회화에서만 나타난 것이 아니라 20세기 조각에서도 나타나고 있음을 보여주는 작품이다.
여자의 얼굴 (사라 머피)
Head of a Woman (Sara Murphy) 1923
Indian ink on paper 36.5 x 26.5 cm (14 3/8 x 10 3/8 in.) With frame: 77 x 69.5 cm (30 1/4 x 27 3/8 in.)
파블로 피카소 / Pablo Picasso b. 1881, Málaga, Spain d. 1973, Mougins, France
이 우아한 그림은 피카소가 가장 좋아하는 뮤즈 중 하나인 아름답고 세련된 미국 사교계 명사 사라 머피 (1883–1975)의 세련된 특징을 강한 선으로 포착합니다. 부유한 신시내티 집안에서 잘 자란 젊은 여성인 사라는 1921년 남편 제럴드와 함께 파리로 이주했고, 그곳에서 그들은 F를 포함한 유명한 예술가와 작가들의 모임의 중심이 되었습니다. 스콧 피츠제럴드, 어니스트 헤밍웨이, 콜 포터, 페르낭 레거, 파블로 피카소. 머피 가족은 많은 인물들에게 영감을 주었습니다.
이번 서양미술 800년전: 고딕부터 현대미술까지 전시회에서는
너무나 좋아하는 작가인 마리노 말리니의 회화와 조각 작품을 만나볼 수 있는 기회가 되었다.
퍼레이드 2
La Parata II (The Parade II) 1950
Oil on canvas 81 x 64 cm (31 7/8 x 25 1/4 in.)
마리노 마리니 / Marino Marini b. 1901, Pistoia, Italy d. 1980, Viareggio, Italy
La Parata II (The Parade II)는 말의 형태와 말과 기수의 관계에 대한 마리니의 지속적인 조사를 보여줍니다. 거의 입체파적인 추상화로 마리니는 말들의 행렬의 질서와 혼돈을 동시에 불러일으키며, 보는 사람과 가장 가까운 말 위에 분명히 보이는 기수인 반면, 뒤에 있는 말들은 기수가 없고 불안해 보입니다. 한 짐승이 머리를 들고 행진을 계속하고 싶거나 아마도 퍼레이드의 소음과 혼잡에 압도되었을 것입니다.
반응형
피실험자들의 각지고 단순화된 형태는 잔인함의 기미와 함께 분리를 보여줍니다. 작품의 강렬한 분홍색과 빨간색 팔레트는 강렬한 분위기를 암시하며, 그림에 폭력감과 폭발 가능성을 불어넣습니다. 이러한 주제의 불안한 표현은 제2차 세계대전 이후 몇 년 동안 마리니의 예술적 산출물의 특징입니다.
피콜로 카발로 (작은 말)
Piccolo Cavallo (Small Horse) 1950
Bronze Edition of 6, cast 1950 46 x 56 x 36 cm (18 1/8 x 22 x 14 1/8 in).
마리노 마리니 / Marino Marini b. 1901, Pistoia, Italy d. 1980, Viareggio, Italy
그 예술가는 원래 말 위에 있는 기사들의 중세적 표현과 말에 대한 고전적인 묘사에 노출됨으로써 말의 주제에 집중하도록 영감을 받았습니다.조각가는 '인류와 자연의 전체 역사는 말과 기수의 모습에서 찾을 수 있다'며 그 주제를 자신의 '역사 서술 방식'으로 삼았다고 주장했습니다.
그의 경력 내내 예술가를 사로잡았던 마리니의카발리는 2차 세계대전 이후 크게 발전했습니다.갈등은 마리니에게 지대한 영향을 미쳤고 매끄러운 살집 표면은 1930년대와 1940년대 초 그의 작품을 대표하는 더 날카롭고 각지고 흉터가 있는 형태로 바뀌었습니다.
마리니는 전쟁 기간 동안 모든 평온함과 아름다움이 사라졌다고 믿었고, 그 기간 동안 공포에 질린 이탈리아 농민들이 적의 폭격을 피해 말을 기르는 것을 목격했습니다.수년이 지난 1972년, 그는 '세상 자체가 모두 표현주의자이다: 불안에 열려 있는, 안절부절못하는 세상…'이라고 주장했습니다.카노바의 조각과 같은 아름다운 것이 무섭고 극적인 형태로 변형되었습니다.'
여자와 새
Femmes et Oiseaux (Women and Birds) 1963
Oil and gouache on cardboard 104 x 74.6 cm (41 x 29 3/8 in.)
호안 미로 / Joan Miró b. 1893, Barcelona, Spain d. 1983, Palma, Spain
마을 위의 붉은 당나귀
Ane rouge au dessus de la ville (Red Donkey over the Town) 1978
Oil on canvas 65 x 81 cm (25 5/8 x 31 7/8 in.)
마르크 샤갈 / Marc Chagall b. 1887, Vitebsk, Belarus d. 1943, Saint-Paul-de-Vence, France
마르크 샤갈이 인생의 황혼기에 그린 마을 위의 붉은 당나귀"는 그의 긴 삶을 압축 묘사한 것 같은 작품으로, 샤갈 작품의 특 징이라고 할 수 있는 여러 시각적인 비유와 몽환적인 아름다움이 담겨 있습니다. 하늘 아래 마을의 모습, 기쁨에 찬 어머니 와 아이, 그리고 당나귀가 끌고 있는 썰매가 밤하늘을 가로지르는 모습이 그려진 사색적인 분위기의 이 작품은, 여러모로 샤갈 이 자신의 창작 활동을 자전적으로 묘사한 작품이라고 할 수 있습니다. 어린 시절을 보냈던 고향 마을이 제2차 세계대전 당 시 파괴되면서, 샤갈에게 있어 어린 시절 추억을 더듬어볼 방법은 오로지 그림밖에 없었습니다.
이 작품은 긴 세월 작업을 이 어가는 동안 비극과 환희, 고난과 영예를 모두 경험하고 자신의 뿌리는 동유럽 작은 마을이었음을 잊지 않았던 화가의 지 칠 줄 몰랐던 에너지와 창의력을 보여줍니다. 샤갈 자신은 어떤 방식으로든 초현실주의와 결부되는 것을 거부했지만, 초현실 주의 예술가들은 샤갈을 존경했습니다. 그뿐만 아니라 파블로 피카소 역시, "그가 그림의 영감을 도대체 어디서 받는지 모르 겠다. 그의 머릿속에 천사가 있는 것이 아닐까 싶다." 라는 이야기를 하며 샤갈에 대한 존경심을 표현했습니다.
8. 보다 순수한 미술의 형태를 찾아서
Post-War Italian Art : The Search for a Purer Form of Art 제2차 세계대전은 이탈리아 미술의 분수령으로, 다양한 예술 운동과 전통적인 예술 관행에 도전장을 내밀었던 예술가들로 대변되는 놀라운 혁신과 실험 시대의 시작을 알렸다. 공간주의의 창시자로 가장 잘 알려진 루치오 폰타나는 작품에 시공간 요소를 더함으로써 전통 예술의 경계를 확장했다. 알베르토 부리는 마대, 역청, 플라스틱 등 비전통적인 소재를 작품에 혁신적으로 활용하고 재료를 연소시키는 등 색다른 작품 제작 과정을 도입해 이목을 끈 작가다. 뿐만 아니라, 1960년대와 1970년대 개념미술의 부상은 20세기 후반의 중요한 흐름인데, 줄리오 파올리니 루돌프 스팅겔과 같은 작가들을 손꼽을 수 있다.
Acrylic on three superimposed canvases 100 x 200 x 7 cm (39 3/8 x 78 3/4 x 2 3/4 in.)
파올로 스케지 / Paolo Scheggi b. 1940, Settignano, Italy d. 1971, Rome, Italy
파올로 스케지는 캔버스를 매개로 한 전통 회화의 경계를 새로운 차원으로 확장한 작가로 평가받고 있습니다. 스케지는 서 른 살이라는 젊은 나이에 세상을 떠나고 말았는데, 작품 활동 기간이 길지 않았음에도, 1966년에 베니스 비엔날레에 초청되 는 등 국제적으로 상당한 인정을 받았습니다.
1962년에 그는, 캔버스, 컬러 판지, 플렉시글라스, 알루미늄에 이르기까지, 기 하학적 개구부를 가진 단색 평면들을 서로 겹쳐서, '계면' 이라는 작품을 만들었습니다. 이후 그는 평면과 시야 사이의 깊이 와 그 관계에 관해 탐구한 작품들로 주목을 받았는데, "백색의 둥근 계면" 은 그 중에서도 중요한 작품으로 손꼽힙니다. 이 작 품 "백색의 둥근 계면"에는 44개의 개구부가 캔버스 평면 위에 리듬감 있게 배치되어 있습니다. 개구부의 규칙적인 곡선 과, 캔버스 두 번째 층에 선명하게 그어진 대각선 패턴은 작가가 회화 작품에서 구현하고자 했던 조소적인 공간을 강조하고 있 습니다. 이 작품은 균형, 긴장, 물성을 모두 담은 스케지의 역작이라 할 수 있습니다
검정
Nero (Black) 1969
Vinyl tempera on shaped canvas 121 x 145 cm (47 5/8 x 57 1/8 in.)
아고스티노 보날루미 / Agostino Bonalumi b. 1935, Vimercate, Italy
보날루미의 1969년 네로는 예술 작품에 대한 전통적인 기대와 경험을 방해하면서, 관람자의 공간으로 수축하고 확장하며, 세련된 검은색으로 곡선을 그리고 아치를 그리며 예술 작품에 대한 전통적인 기대와 경험을 방해하는 예술가의 트레이드마크인 에스트로플레시오니의 놀라운 예입니다.
보날루미는 캔버스의 표면을 조작하면서 그림의 표면에서 나타나는 추상적인 구조물을 만들어 주변 공간을 탐색했습니다. 여기서 결과는 작품의 신비로운 윤곽 주위로 눈을 운반하는 운동적이고 흐르는 시각적 경험으로, 작품에서 반사된 빛을 변화시키고 향상시키는 두 개의 수직 비대칭 돌출부와 함께 부풀어 오르고 파문을 일으켜 전체 검은 톤을 드러냅니다.
백색 표면
Superficie Bianca (White Surface) 1965
Acrylic on stretched canvas 156 x 200 cm (61 3/8 x 78 5/8 in.)
엔리코 카스텔라니 / Enrico Castellani b. 1930, Castelmassa, Italy d. 2017, Viterbo, Italy
1968년 팔마 부카렐리가 이끄는 현대미술 담당기관인 소프린덴차 알레 갈레리 로마 2세는 현대 이탈리아 미술을 홍보하기 위한 목적으로 유럽 각국에서 일련의 전시회를 조직했습니다.
Superficie Bianca는 N° 65-027(뒤셀도르프, Museum Kunst Palast) 또는 N° 65-016과 같은 매우 규칙적인 패턴을 가진 작품 그룹의 일부로, 카스텔라니가 다음 해에 처음으로 개인 방을 가졌던 베니스 비엔날레에서 전시했던 그림들을 예상합니다(그림 1).
공간 개념
Concetto Spaziale (Spatial Concept) 1961
Oil, hole, cut and graffiti on canvas 93 x 73 cm (36 1/4 x 28 3/4 in.)
루치오 폰타나/Lucio Fontana b. 1899, Rosario de Santa Fé, Argentina d. 1968, Comabbio, Italy
극적인 빨간색으로 그려진 루시오 폰타나의 콩세토 스파지알레(1961)는 1950년대 후반부터 1968년 사망할 때까지 폰타나의 관행을 지배했던 작가의 주목할 만한 올리 시리즈에 속합니다. 하나 또는 많은 구멍에 의해 거칠게 관통된 대담하게 채색된 단색 캔버스는 예술가의 손의 흔적을 전혀 드러내지 않는 선명한 미니멀리즘, 거의 수술에 가까운 조각으로 같은 시대의 폰타나의 타글리 그림에 독특한 대응점을 제공했습니다. 대조적으로, 올리는 예술에 대한 완전한 공간주의적 이해를 찾기 위해 그림 평면을 방해하려는 폰타나의 노력에 대해 더 원시적이고 원시적인 관점을 제공합니다.
이 특별한 작품의 표면은 하나의 작은 컷과 하나의 작은 구멍으로 구멍이 뚫려 있으며, 에너지 넘치는 그래피티가 이러한 천공을 포괄하고 캔버스의 모양을 느슨하게 따라가는 난형 모양을 추적할 뿐만 아니라 선이 광란적이고 통제되지 않은 것처럼 보이는 통로도 있습니다. 이것은 Fontana의 정확한 예술적 제스처를 무시하고, 페인트는 상처처럼 보이고, 구멍은 붉은 바다 속에서 상처처럼 보입니다.
공간 개념
Concetto Spaziale (Spatial Concept) 1961
Oil, hole, cut and graffiti on canvas 93 x 73 cm (36 1/4 x 28 3/4 in.)
루치오 폰타나 / Lucio Fontana b. 1899, Rosario de Santa Fé, Argentina d. 1968, Comabbio, Italy
분홍색 표면에 하나의 갈라진 틈이 뚫려 있는 루치오 폰타나의 작품 "공간 개념"은 1950년대 후반부터 1968년 그가 세상 을 떠날 때까지 만들어진 놀라운 유화 연작의 일부입니다. 그의 작품 "공간 개념"은 과감하게 단색으로 채색된 캔버스에 거칠 게 뚫린, 하나 이상의 구멍이 있어서, 같은 시기에 제작되었으나 선명하고 미니멀하며 수술 자국에 가까운 절개부를 가진 그 의 또 다른 작품, "탈리"와는 분명한 대조를 이루고 있습니다.
캔버스 가운데에 난 구멍은 분홍색 페인트 표면을 뚫고 분출되 는 것처럼 보이며, 불규칙한 두꺼운 물감이 가장자리로 넘쳐흐르고 있습니다. 그림 표면에 새겨져 있는 원과 고리는 상처 모양 의 구멍 주위를 나선형으로 감싸며, 중앙부의 폭발에서 발산되는 걷잡을 수 없는 에너지를 떠올리게 합니다. 이 작품은 온전 한 공간주의적 이해를 위해 회화적 평면을 파괴하려는 작가의 노력을 보다 거칠고 본능적으로 보여주는 작품입니다.
지도
Mappa / 1989–94 Embroidery on canvas
118 x 227 cm (46 1/2 x 89 3/8 in.) With frame: 135 x 247 x 7 cm (53 1/8 x 97 ¼ x 2 ¾ in.)
알리기에로 보에티 / Alighiero Boetti b. 1940, Turin, Italy d. 1994, Rome, Italy
1969년에 처음으로, 세계 지도라는 형식을 사용하여 작품을 창작했던 '알리기에로 보에티'는, 1971년에 아프가니스탄 카불 의 왕립자수학교와 협업하여 자수 지도를 제작하게 되었습니다. 그 이후 작가는 아프가니스탄의 여성 자수 공예가들과 협업 을 하였는데, 당시 성별 간 교류가 엄격하게 금지되어 있었던 아프가니스탄의 사회적 관습으로 인해, 우회적인 협업의 과정 을 거쳐, 비로소 이 지도' 작품을 완성하게 되었습니다.
작품의 가장자리는 문자로 채워져 있는데, 일부는 보에티가 선택 이 탈리아어이며, 또 다른 일부는 아프가니스탄 자수 장인들의 모국어인 '파르시' 문자입니다. 파르시 문자 자수의 내용을 보 면, 페르시아의 시인(인 '페르도우시'의 문장과, 이 작품의 작가인 보에티에 대한 자수 장인들의 애정 어린 언급을 포함 하고 있습니다. 보에티의 '지도'는 작품이 제작될 시기의 특정한 지정학적 현실을 반영하고 있으며, 국제 관계에 있어 정치적 인 변화와 시간의 흐름이 가져오는 영향을 볼 수 있는 작품입니다.
대역
La Doublure (The Lining) 1972–73 Pencil and nails on primed canvas
줄리오 파올리니 / Giulio Paolini b. 1940, Genoa
라 더블뤼르는 1973년 로마의 갤러리 라티코에서 열린 파올리니의 개인전을 위해 고안된 28개의 캔버스 그룹으로 시작됩니다. 40 x 60 cm에서 80 x 120 cm 및 120 x 180 cm에 이르는 캔버스는 핸드북, 지배 펜 및 나침반을 사용하여 구상된 작품인 Disgno geometrico(1960)의 비례 매개변수에 새겨져 있으며, 작가는 흰색으로 칠해진 캔버스를 정사각형으로 만들기 위해 잉크를 사용했습니다. 이 캔버스는 파올리니의 가장 상징적인 작품들의 특징적인 암호인 흰색으로 나타나며, 그림의 가상의 지상 0도 또는 모든 것이 가능한 출발점을 나타냅니다.
각 캔버스는 자신의 원근법적 허구를 재현하고 가상의 상징적인 공간을 제안합니다. 캔버스 전면에 적용된 못은 하단 가장자리에 있는 기존 못에 해당하므로 동일한 크기의 캔버스에서도 개수가 달라질 수 있습니다. 작가 자신의 말에서 "라 더블루어라는 제목은 레이먼드 러셀이 그의 첫 번째 책(라 더블루어, 1897)에서 묘사한 환상적인 모습을 암시합니다."
이번 더 현대서울 전시회인
서양미술 800년전: 고딕부터 현대미술까지 전시회의 마지막 공간으로 이동합니다.
9. 예술을 실험하다, 컨템포러리 아트
Contemporary Art 현대 미술은 21세기에도 꾸준히 진화하고 다각화되고 있으며, 예술가들은 다양한 주제와 기법 매체를 탐구한다. 갈수록 국제적으로 확대되고 있는 예술계는 여러 작가를 세계적 슈퍼스타토 발돋움시켰고, 그 대표적인 작가들을 이번 전시에서도 소개한다. 데미안 허스트는 세계에서 가장 저명한 예술가 중 한 명이다. 그의 작품 중'나비 회화'로 일컬어지는 작품은 미의 개념과 예술에 대한 작가만의 전복적인 접근과 해석을 상징적으로 보여준다. 아티스트 듀오 길버트와 조지는 재치 있고 불손한 슬로건과 큰 특징 없이 무난한 사진을 사용한 작품들을 통해 사회와 정치 현안을 다룬다. 개념적 실험부터 몰입형 설치까지, 금세기 예술가들의 작업은 끊임없이 관례어 도전장을 내밀고 생각을 자극하며 세계 곳곳의 관객에게 영감을 주고 있다.
키스 미,킬 미
Kiss me, Kill me 2008
Diptych: butterflies, manufactured diamonds, scalpel blades and household gloss on canvas Each: 152.4 x 152.4 cm (60 x 60 in.) Overall: 152.4 x 304.8 cm (60 x 120 in.)
데미안 허스트 / Damien Hirst b. 1965, Bristol
1989년 런던 골드스미스 대학을 졸업한 직후, 허스트는 런던 남부에 있는 자신의 스튜디오에서 fl 소녀들이 주화된 캔버스에 갇혀있는 것을 보고 영감을 얻은 일련의 그림을 작업하기 시작했습니다. 이 아이디어에 영감을 받았지만 위대한 아름다움을 가진 것과 결합하고자 하는 허스트(Hirst)는 단색 광택이 칠해진 캔버스에 버터 fl의 몸체를 fi하기 시작했습니다. 일반적으로 순수 예술품과 관련이 없는 국내 제품인 가정용 광택제의 선택은 허스트가 의도한 '버터 fl가 묻은 페인트의 사고처럼 보이기' 위한 것입니다.
데미안 허스트에게 있어 '나비'는, 죽은 뒤에도 '마치 살아있는 것 같은', 거짓된 이미지를 담아 내는 존재입니다. 작품 "키 스 미, 킬미"처럼 곤충이 무작위로 배치된 단색의 회화는, 허스트 작품들 중에서 대표적인 모티프 중 하나로 발전해 나갔습니 다. 이 작품은 캔버스 위에 고정된 것이 나비만이 아니라는 점에서 특히 눈길을 끄는데, 분홍색 캔버스에는 랩 다이아몬드 가, 검은색 캔버스에는 수술용 칼날이 함께 붙어 있습니다.
캔버스 위의 사물들은 사랑과 욕망을 상징하고, 또 한편으로는 폭 력과 죽음을 암시합니다. 이렇듯 대비를 이루는 주제는, 쉽게 찾아볼 수 있는 평범한 사물을 통해 상반된 감각을 일깨우는 허 스트의 작업에서 종종 발견됩니다. 이 작품은 사랑과 증오라는 뜨거운 감정들의 갈등 뿐만 아니라, 그 유사성까지 파격적이 고 대담한 형태로 담아내고 있습니다.
성 비투스의 춤
St. Vitus’ Dance 2008
Household gloss on plastic skeleton 170 x 42.5 x 43.5 cm (66 7/8 x 16 3/4 x 17 1/8 in.)
허스트의 많은 작품들은 죽음과 종교라는 주제에 초점을 맞추어 인간의 경험의 불확실한 측면을 탐구합니다. 포름알데히드, 죽은 곤충, 두개골의 깁스, 그리고 다른 병적인 물질들에 매달린 동물 사체들의 사용은 많은 논란을 일으켰습니다. 사람의 두개골은 허스트의 오에브르에서 특징적인 모티프이지만, 그는 또한 전체 해골의 형태를 그의 전복적인 예술적 실천에 통합했습니다. 그의 악명 높은 다이아몬드로 둘러싸인 두개골 '신의 사랑'이 있은 지 불과 1년 후인 2008년에 만들어진 이 작품은 다양한 색상으로 가정용 광택으로 그려진 의학과 생물학 학생들에게 해부학을 가르치는 데 사용되는 것과 같은 플라스틱 골격으로 구성되어 있습니다.
그것은 2008년 9월 예술가 자신이 직접 큐레이션한 허스트의 작품인 Beautiful Inside My Head Forever를 소더비 런던에서 대대적으로 판매한 것이 특징이었습니다. 제목. 성 비투스의 춤 치유와 연관된 성 비투스 축제에서 춤을 추는 중세 전통과 때때로 무용수들의 수호성인으로 여겨지는 Sydenham의 안무를 언급할 수도 있습니다. 성 비투스 댄스 그 장애를 특징짓는 통제할 수 없는 갑작스러운 홱 움직이는 움직임 때문입니다. 제목 용어의 다양한 함축적 의미를 가지고 연주하는 허스트는 본질적으로 전복적이고 모호한 터치로 예술 작품에 스며들어 모순을 구현하는 작품을 만듭니다. 그것의 뼈대 형태는 죽음을 의미하는 반면, 선명한 색상은 생명의 감각을 의미합니다. 제목은 종교적 숭배와 치유의 희망, 그리고 급성 질병을 암시합니다. 허스트의 많은 작품에서와 마찬가지로, 이 눈길을 끄는 예술 작품은 다채로운 외관 아래 의미를 담고 있어 전통적인 상징에 대한 우리의 관계에 의문을 제기하고 믿음, 치유 및 죽음의 본질에 대해 명상하게 합니다.
아카시아 가시 : 접촉 6월 17일
Spine d'acacia – Contatto 17 giugno 2008
Acacia thorns, glass microspheres, and acrylic on canvas 100 x 120 x 7 cm (39 3/8 x 47 1/4 x 2 3/4 in.)
주세페 페노네 / Giuseppe Penone b. 1947, Cuneo
아카시아 가시가 캔버스에 꼼꼼하게 밀착되어 피부의 확대된 각인을 추적하면서 행위와 접촉, 추적 및 각인 사이의 상징적인 대화를 파헤칩니다. 신경 말단의 복잡한 체계를 반영하는 가시의 뾰족한 끝, 피부의 미묘한 표시를 풍경으로 변화시키면서 작가의 의도가 분명해집니다. 페논이 가시를 활용하는 정밀도는 피부의 민감성을 반영하여 물리적 행위와 시각적 잔류물 사이의 깊은 연관성을 강조합니다.
많은 후속작에서 형태학적 유사성의 논리에 따라 식물, 동물 및 광물의 요소가 통합됩니다. Pelle di marmoe spine d'acacia 시리즈에서 대리석 슬래브는 실제로 작가가 아카시아 가시를 적용한 하나 이상의 캔버스와 병치되어 두 표면에 걸쳐 연속적인 디자인을 묘사합니다.
작가 자신의 말에서 "피부가 표면에 닿으면 모든 접촉점의 이미지인 마크를 남기게 되고, 결과적으로 이것이 민감점의 이미지입니다. 가시로 표시를 확대해서 캔버스에 그렸습니다. 가시가 피부의 민감성을 암시하기 때문에 가시를 사용했습니다.
더현대 서울에서 열리고 있는 더현대서울 '서양미술800년전' 전시회는 과거부터 현재까지 미술의 흐름을 한 공간에서 만나볼 수 있는 좋은 기회입니다. 다만 전시장이 다소 혼잡하고 시끄러운 관람객들에 대한 관리가 전혀 안되는 부분은 상당히 아쉬운 부분이었네요.
리움 미술관에서 열리고 있는 프랑스 출신의 작가 필립 파레노의 국내 첫 개인전인 보이스 관람후기 입니다. 그의 대표작품 40여점을 만나볼 수 있는 기회로 전시회 후기는 물론 도슨트, 티켓할인, 주차 등 관람위한 정보 공유합니다.
| 필립 파레노 <보이스> 티켓 예약 및 할인정보
이번 전시회는 유료로 관람이 가능합니다. 지난 마무리치오 카텔란 전시회의 경우 무료로 진행되면서 예전시회 예약도 힘들었고, 관람객도 상당히 많았는데, 이번에는 필립 파레노 전시회는 유료로 사전 예약 없이도 현장 발권이 가능합니다.
티켓 가격은 성인 18,000원, 청년 및 청소년 (7~24세), 대학(원)생은 50% 할인된 9,000원에 관람이 가능합니다. 다만 현재까지는 필립 파레노 전시회 할인은 없는 것 같네요.
그래서 평일에 방문하기는 했지만 리움 주차장도 상당히 여유있어 큰 어려움 없이 주차하고 여유 있게 관람 했습니다.
| 필립 파레노: 보이스 전시회 정보
이번 전시회는 리움 메인 전시공간인 M2, 블랙박스, 그라운드갤러리, 로비, 데크 등에서 만나볼 수 있습니다.
전시 기간은 2024년 02월 28일 ~ 7월 7일 까지 진행예정입니다.
전시 《보이스》는 90년대부터 최근까지 파레노의 작품세계를 총체적으로 경험할 수 있는 아시아 최대 규모의 서베이 전시입니다. 이번 전시는 30여년에 걸친 파레노의 활동을 대표하는 주요작품 및 신작으로 구성되며, 미술관의 야외 데크, 로비, M2, 블랙박스와 그라운드갤러리 전관에서 전개됩니다. 대형 신작 <막(膜)>(2024), <∂A>(2024), <움직이는 조명등>(2024), 최초의 작품 <꽃>(1987)을 비롯해 2000년 베니스 비엔날레 이후 처음 공개되는 피에르 위그와 M/M의 공동작업 <루미나리에>(2001), 그리고 <차양> 연작(2014-2023), <내 방은 또 다른 어항>(2002), <마릴린>(2012) 등 40여점을 선보입니다.
| 도슨트 / 오디오가이드 미지원은 상당히 아쉬운
이번 필립 파레노 전시회는 도슨트와 오디오가이드가 지원되지 않습니다. 기존 무료 전시에도 오디오가이드가 무료로 제공되었던 것에 비하면 상당히 아쉬운 부분입니다. 다만 QR 코드를 통해 작품에 대한 안내를 받을 수 있지만 그렇게 좋은 방법은 아니네요. 앱에서라도 지원이되었으면 좋겠네요.
| 필립 파레노 Philippe Parreno
필립 파레노는 전통적 작가 개념에 도전하며 오브제 생산자로서 작가의 역할을 거부합니다. 그는 전시와 작품과의 역동적 관계를 탐구하고 ‘시간의 경험’을 제안하며 90년대 현대미술 형태의 혁신적 전환을 이끌었습니다. 작가는 라디오, 텔레비전, 영화 및 첨단 정보기술과 같은 다양한 미디어의 방법론과 어휘를 활용하며 현실과 허구의 한계를 허물고 비선형적 시간성과 서사구조의 급진적 전환을 시도해왔습니다.
728x90
여러 층위로 복잡하게 짜여있는 그의 작업은 결코 하나의 입장이나 매체로 환원될 수 없는 끊임없는 움직임 그 자체입니다. 작업 초기부터 미술계의 촉매자 역할을 했던 파레노는 동료 작가들, 과학자, 음악가, 건축가 등 다수의 전문가와 협업을 기획하고 지적자산의 공유와 이상적 공동체를 제안하며 비평적 예술 실천에 앞장서왔습니다. 파레노에게 전시는 단순히 작품을 배열하는 것이 아니라 또 하나의 창작 행위입니다. 그의 관심은 오브제를 생산하는 일보다 그것이 전시에서 보여지는 형식과 그 상호작용에 있기 때문입니다. 이에 파레노의 전시는 시간을 감각하고 경험하는 유동적이고 열린 플랫폼이 됩니다.
메인 전시장인 M2 전시장으로 입장합니다. 티켓 QR을 통해 입장이 가능하고요. 다은 전시공간 이동시에도 QR 인식이 필요하니 티켓은 잘 보관하세요.
리얼리티 파크의 눈사람 1995-2023
캐스팅 얼음, 흙, 격자 받침대 / 96 x 60 x 60 cm / Edition of 10 작가, 카이에다르, 파리, 필라 코리아스, 런던, 글래드스톤 갤러리, 에스더 쉬퍼, 베를린/파리/서울
전시장 곳곳에는 서서히 녹는 얼음 조각, 문 손잡이가 된 크리스마트 오너먼트, 초현실적인 풍경에 군집한 펭귄 사진, 전시장 창문 바깥에 놓인 크리스마스 트리, 한구석에 거대한 높이와 면적으로 잿빛 눈이 쌓여 있다. 이미 벌어진 이벤트 그 이후의 시간, 또는 앞으로 벌어질 이벤트 직전의 시간을 다양한 매체로 탐구해온 파레노는, 겨울이라는 특정 계절을 연상하게 하는 <리얼리티 파크의 눈사람>, <혼란의 시기: 일 년 중 십일 개월은 예술 작품이고 12월은 크리스마스>와 더불어 <눈더미>를 소개한다.
연작 <리얼리티 파크의 눈사람>은 1995년 일본 도쿄에서 큐레이터 얀 호엣(Jan Hoet)이 기획한 전시 《Ripple Across the Water》에서 회사원들이 점심시간마다 모여 식사를 하는 기린 공원(Kirin Park)에 처음 소개되었다. 파레노는 이 공원에 눈사람 모양의 얼음 조각을 설치해 점심 동안 눈앞에서 녹아내리는 조각을 바라보는 이들에게 시간의 흐름을 새롭게 각인시켜 주었다. 조각이 녹아 사라진 자리에는 매일 같이 새로운 얼음 인간을 교체해 두는 이 작품은, 시간성을 지닌 예술 매체가 되어 바깥이 아닌 전시장 내부에서 관람객을 마주하며 실내와 야외의 경계를 모호하게 한다. 파레노는 최근 <눈사람> 작업에 흙을 섞어 흔히 동심과 연관 지어 떠올리는 눈사람의 이미지에 디스토피아적 현실성을 부여한다.
정말로 눈뭉치로 제작되었고 눈사람은 계속 녹아내리고 있습니다. 시간에 따라 계속 무너지는 눈사람을 감상할 수 있는...
석양빛 만(灣), 가브리엘 타드의 지저 인간: 미래 역사의 단편 / 2002
접착 시트, 가변 크기, 작가 제공
전시장을 주황빛으로 물들이는 작품의 제목은 <석양빛 만(灣), 가브리엘 타드, 지저 인간: 미래 역사의 단편)>이다. 이 작품은 프랑스의 사회학자 겸 범죄학자인 가브리엘 타드(Gabriel Tarde, 1843~1904)가 1896년에 발간한 공상 과학 소설 『지저(地抵) 인간(Underground Man)』을 인용했다. 이 작품은 태양이 사라지고 멸망한 세상에 남겨진 생존자들이 인간이 창조한 예술과 지식의 결과물을 챙겨 땅 밑으로 들어가 새로운 유토피아를 구축하고자 한 소설의 서사를 참조한다. 온 지구가 해 질 무렵의 영원한 석양빛으로 물든 상태를 시각화하는 이 작품은 당연시한 일상 속 시간과 환경을 새롭게 인식하게 한다. 나아가 끊이지 않는 전쟁과 질병으로 종말을 향해 가속화하는 듯한 지구 사회의 현주소를 암시하면서, 인류의 역사와 예술, 철학적 발전을 되돌아보고, 새로운 이상향으로 길을 찾아 나서야 할 시간이 왔음을 제시한다.
이어서 리움 미술관에서 열리고 있는 필립 파레노 전시회 보이스 대표 작품 두 점을 만나볼 수 있습니다.
여름 없는 한 해 / 2024
야마하 자동 연주 피아노, 인공 눈
연주자 없이 자동으로 연주하는 피아노(Disklavier)는 전시라는 사건에서 다른 작품들과 기이한 방식으로 동기화한다. 전시를 거대한 악기라 가정한 파레노는 전시를 ‘연주’하며 악기로서의 본성을 수용하고, 악기에 장착된 시퀀싱 프로그램을 통해 박자와 선율을 관객에게 상기시킨다. 피아노에 장착된 소리와 빛의 고유한 조합으로 이루어진 주변 작품과의 안무는 전체를 환기해주는 역할을 하며, 피아노 위에 살포시 떨어지는 주황빛 인공 눈과 함께 멜랑콜리아와 디스토피아적 상상을 유도한다.
음악도 음악이지만 위에서 내려오는 눈?과 음악, 눈이 쌓이면서 흘러내리는 모습과 피아노 주변을 지나 다니는 물고기 모양의 풍선... 상당히 매력적이고 독특한 느낌을 이번 필립 파레노 보이스 전시회에서 만나볼 수 있습니다.
이번 전시회 제목이 Voice 인데요. 작품과 전시공간 전체가 시각과 청각을 동시에 자극하는 공간으로 구성되어 있습니다. 그렇게 생각하면 필립 파레노 오디오 가이드는 작품 관람에 도움되지 않는 것 같기도 합니다.
내 방은 또 다른 어항/ 2022
헬륨, 마일라 풍선 / 가변 크기 / 작가 및 글래드스톤 갤러리 제공
이번 필립 파레노 Philippe Parreno 전시회를 딸아이가 같이 가자고 한 가장 큰 이유가 바로 이 작품 '내 방은 또 다른 어항' 입니다. 물고기를 좋아하고 그림도 물고기 그림을 자주 그리다 보니, 무언가 통한 것 같네요.
파레노는 대안이 될 수 있는 가상 세계와 존재 상태에 대한 공간을 새롭게 구축해 왔다. 다양한 물고기 종으로 전시장을 유영하는 <내 방은 또 다른 어항>은 우연에 맡겨진 사물과 환경을 구성하는 조건이 인간의 행동과 시간의 흐름에 대한 인식에 적극적으로 개입할 수 있는 방식을 탐구한다. 영어에서 어항을 뜻하는 ‘Fish Bowl’은 관찰의 대상을 지칭하는 은유적인 표현이기도 하여, 제한된 공간 안에 갇혀 인간에게 끊임없이 관찰 당하는 어항 속 물고기들의 관점을 드러낸다. 이곳에 부유하는 물고기들은 전시장 안에 들어선 관람객들의 관점을 전복시키므로, 인간은 더 이상 관찰자가 아닌, 물고기처럼 관조 대상이 된다.
물고기는 만질 수 없지만, 함께 할 수 있는...
이번 필립 파레노 보이스 (Philippe Parreno Voice) 전시회의 매력 중 하나는 전시장을 유영하고 다니는 물고기와 함께할 수 있다는 부분입니다. 물론 관람객은 직접 손으로 만질 수 없지만, 시간에 따라 위치가 변하는 물고기와 함께할 수 있는 즐거움도 이번 전시회의 묘미입니다. 물로기가 나에게 다가오기를 기다리고...
해마는 위로 올라가지 못한다!
반응형
손으로 만지면 안되지만 손바람으로 움직이는 것은 가능~
우연의 일치이겠지만 리움 미술관을 유영하고 있는 물고기 풍선을 따라 다니다 보면 필립 파레노의 다른 전시공간으로 이동하게 됩니다.
움직이는 조명등 / 2024
윈치, 도르래, 강선, 콘크리트, 아크릴 유리, LED / 300 cm(높이), 67 cm(지름) 작가 및 필라 코리아스, 런던, 글래드스톤 갤러리, 에스더 쉬퍼, 베를린/파리/서울 제공
이 작품은 <막(膜)> 구조에서 떨어져 나온 일부인 것처럼 보인다. 실제로 이 작품은 <막(膜)>과 같은 구성과 원리로 만들어져 있고, 이와 연결되어 있다. 다만 <움직이는 조명등>은 전시장 내부에 설치되어 외부에 설치된 <막(膜)>에서 받은 데이터를 기반으로 움직임이 발생하도록 프로그램되어 있다.
리움 필립 파레노 전시회 물고기가 유도하는 다음 코스는...
눈더미 / 2013-2024
인공 눈, 다이아몬드 분말, 점토 / 작가 제공
전시장에 거대한 눈더미는 마치 이곳에 한바탕 내린 눈을 밤 사이에 누군가가 한쪽으로 치워둔 것 같은 순간이다. 이 눈더미는 특정 객체에 대해 친숙하다고 생각한 우리의 관점을 불확실하고 변화하는 장면으로 무대화한다. 현실처럼 보이게 하는 작가의 의도는 결국 우연히 작용하는 수많은 관계 사이에 존재하는 개념의 산물이다. 이 진짜 같은 가짜 인공 눈의 입자는 대상을 바라보는 관객의 주관적 사고를 통해 전시를 경험하고 작가가 만들어 놓은 미장센을 환기시킨다.
처음에는 진짜 눈인줄 알았는데, 만질 수 없고... 배수구도 없고...
QR 찍고 가짜인것을 알았네요.
꽃 / 1987
8mm 변환 U-matic 영상, 컬러, 무음/ 52분 / 작가 제공
다소 난해한 필립 파레노 작품
프랑스어로 ‘꽃’을 뜻하는 제목이 암시하듯 이 작품은 꽃다발의 단일 시퀀스 영상이다. 테이프 길이만큼 촬영한 <꽃>은 카메라의 자동 초점 장치를 이용해 초점의 끊임없는 변화를 통해 꽃이 피어나는 것처럼 얕은 심도로 피사체를 담아낸다. 파레노의 첫 번째 영상 작품인 <꽃>은 당시에 저작권과 형식의 제한 없이 프랑스 전역의 텔레비전 방송국으로 전송되었고, 프랑스의 대표 채널인 카날 플뤼(Canal+)는 인터플로라(Interflora)가 후원하는 일기 예보의 배경으로 로고와 음악을 추가하여 짧은 몇 초간 방영했던 사례가 있다. 이처럼, 파레노는 대중매체에서 이미지가 제작, 재생, 전달되는 방식을 탐구하고, 인간이 설계해 놓은 기술 장치와 시선의 중심에 선 현실의 재현에 주목한다.
전시장 곳곳의 물고기 풍선 들은 이렇게 천장 그물에 잡혀 있더라는...
혼란의 시기: 일 년 중 십일 개월은 예술 작품이고 12월은 크리스마스 / 1998
크리스마스 트리, 장식, 가변 크기, 작가, 케런 & 앤디 스틸패스 제공
작품 자체 보다도 작품 제목이 너무나도 매력적인...
미술관 건축물의 내부 공간과 바깥의 틈새인 작은 중정에 반짝거리는 오너먼트로 장식된 보편적인 모습의 크리스마스 트리가 눈에 밟힌다. 작품 제목처럼 ‘혼란의 시기: 일 년 중 십일 개월은 예술 작품이고 12월은 크리스마스’라는 문장은 이 평범한 나무가 시간에 대한 이해를 확장하도록 유도하는 보편적인 장식이자 특정 시간을 내포하고 있는 사물이다.
반응형
삶의 의지를 넘어서 생동적 본능과 함께 살아갈 수 있도록 / 2018
LED 패널, 맥미니, 스피커, 앰프, 분말 코팅 강철, 각 350 x 200 x 100 cm, 작가 및 필라 코리아스, 런던 제공
이 영상 작품은 필립 파레노가 직접 그린 총 238점의 반딧불이 드로잉을 교차시켜 보여준다. 1990년도 초반 작가가 빌라 아슨(Villa Arson)에서 처음 선보인 반딧불이를 소재로 출발했다. 2015년 베니스 비엔날레에 선보인 거대한 반딧불이가 발광하는 투명 LED 설치 영상에서, 반딧불이는 빛으로 대화하고 매료시키는 능력과 동시에 명멸하는 욕망에 비유하기도 한다. 파레노는 흥미롭게도 반딧불이를 리듬감 있게 맥동하는 자동 기계로 바라보았다. 반면에, 반딧불이는 소멸하는 대상이자 사람들의 믿음에 기반한 환상이다. 마치 사람들이 더는 동일한 것을 믿지 않을 때 군집했던 대상이 흩어지고 사라지는 것처럼, 반딧불이의 소멸은 다양한 이념과 연결되기도 한다.
스노우 댄싱, 1995
크리스마스 장식, 가변 크기, 작가 제공
사전에 필립 파레노 보이스 전시회에 이런 작품이 있다는 것을 알지 못했다면 그냥 지나치기 쉬운 작품입니다.
또한, QR 코드를 통해 작품에 대한 해설을 보지 않는다면 이행하기 힘든 상당히 난해한 작품 (사실 읽어도 잘 모르겠다.)
책 『스노우 댄싱』은 1995년 파레노가 한 파티를 상상하며, 이 파티의 특정한 물리적인 구성과 계획된 상황에 대해 적은 내용을 담았다. 실제로 프랑스 르 콩소르시움에서 이 내용을 모두 실현하여, 사람들을 초대하고 한 시간 반 동안 파티를 열었다. 200페이지에 걸쳐 쓰인 이 책 『스노우 댄싱』 43페이지에는 다음과 같은 글이 있다. “어린이를 위한 크리스마스 파티를 상상해보자. 여기서 크리스마스 트리에서 사용했던 동그란 장식들이 문 손잡이로 재탄생될 수 있다.” 이 작품은 <스노우 댄싱>의 일부였던, 문 손잡이가 된 트리 장식이다.
필립 파레노 보이스 전시회 2층 전시공간으로 이동합니다.
2층은 좀 더 난해한필립 파레노 작품을 만나볼 수 있는 공간...
이네즈 반 람스위르드, 비누드 마타딘 제라르 필립 / 2000
알루미늄에 C-print, 169.4 x 134.2 cm, 이네즈 반 람스위르드, 비누드 마타딘 제공
시작부터 정말로 어려운 필립 파레노 작품
2층 전시장은 이런 분위기에 작품 제목과 설명은 다소 괴기한 서체와 분위기로...
피에르 위그, 필립 파레노, M/M (PARIS) / 루미나리에 (2001)
엘시 크로포드의 회전 의자(흰 섬유 유리), 유리, 알루미늄, 플라스틱, 레진, 전선 / 700 x 900 cm 소장품 번호: FNAC 01-494 / 작가 기증
섬유 유리 소재의 6인석 벤치와 24개의 유리 조명 유닛으로 구성된 이 작품은 작가가 오랜 친구이자 작가인 피에르 위그, 그래픽 디자인 듀오 M/M과 함께 파리의 에티엔느-마르셀 카페(Café Étienne-Marcel)를 위해 2001년에 디자인한 가구 세트이다. 같은 해 제49회 베니스 비엔날레 프랑스관을 대표한 위그의 전시에도 출품된 이 가구는 천장에 매단 각각의 분유리 유닛 속에 핑크 레진 조명을 담고 있으며, 조명들은 바로 아래 설치된 벤치 한 가운데로 연결되어 뿌리를 내리고 있는 나무 또는 전기를 먹고 자라나는 듯한 두족류 동물(cephalopod)을 연상시킨다.
벤치는 미국의 작가이자 산업 디자이너인 엘시 크로포드(Elsie Crawford)가 1972년에 디자인한 모양으로 만들어 사람들로 하여금 둥글게 둘러 앉고 그 중심에 식물을 심을 수 있도록 설계한 것이 특징이다.
리움 미술관 2층 공간에서는 아래층을 내려다 볼 수 있는 것도 상당한 매력
물고기 풍선이 여기까지 올라오지는 않았지만, 건너편 문 위에 피신해 있는 녀석들...
안리: 유령이 아닌, 그저 껍데기(피에르 위그, 필립 파레노) / 2000
3가지 색 공업용 실크스크린, 약 120 × 176 cm, 번호 없는 에디션, 프로그램/ME와 에흐 드 파리, 파리 제공
1999년 파레노와 동료 작가 피에르 위그(Pierre Huyghe)는 만화용 캐릭터를 개발하는 일본 에이전시 ‘케이웍스(Kworks)’에서 ‘안리(Annlee)’라는 인물과 그녀의 원본 이미지에 대한 권리를 구입하여 저작권을 얻었다. 시로 마사무네(Masamune Shirow)의 애니메이션 “공각기동대”에서 제목을 빌어온 이 프로젝트는 영화, 음악, 웹 산업이 직면한 저작권 문제에 질문을 던지며, 리암 길릭, 도미니크 곤잘레스 포에스터 등 여러 작가들이 참여해 빈 껍데기에 불과한 인물을 비디오 애니메이션, 그림, 포스터, 단행본, 네온 작품, 조각 등 다양한 매체로 생산했다.
흰색 회화 [일곱 개의 패널] / 1951
전시 복사본, 캔버스 위에 유화, 183.5 x 323.8 cm / 로버트 라우셴버그 재단 제공
세상 밖 어디든 / 2000
3D 컬러 애니메이션, 사운드, 4분, 작가 및 미리엄과 자크 살로몽 컬렉션, 파리 제공
1999년 파레노와 동료 작가 피에르 위그(Pierre Huyghe)는 만화용 캐릭터를 개발하는 일본 에이전시 ‘케이웍스(Kworks)’에서 ‘안리(Annlee)’라는 인물과 그녀의 원본 이미지에 대한 권리를 구입하여 저작권을 얻었다. 시로 마사무네(Masamune Shirow)의 애니메이션 “공각기동대”에서 제목을 빌어온 이 프로젝트는 영화, 음악, 웹 산업이 직면한 저작권 문제에 질문을 던지며, 리암 길릭, 도미니크 곤잘레스 포에스터 등 여러 작가들이 참여해 빈 껍데기에 불과한 인물을 비디오 애니메이션, 그림, 포스터, 단행본, 네온 작품, 조각 등 다양한 매체로 생산했다.
영상 작품 〈세상 밖 어디든〉은 납작한 이차원이었던 캐릭터에 삼차원의 모습을 부여하고, 이미지를 소비하는 여성 모델 다니엘라(Daniella D’Ambrosio)의 목소리가 덧입히면서, 자신의 모호한 존재를 숙고하며, 가상 세계에 머무는 멜랑콜리한 캐릭터 안리로 탄생한다. 파레노와 위그는 안리에 대한 모든 권리를 포기하는 계약서를 작성함으로써 안리의 이미지는 그녀 자신에게만 속하게 된다. 이렇듯, 〈세상 밖 어디든〉이 내포한 시공간은 안리가 저작권법과 시장의 제약에서 자유로운 존재로 전환되고,
반응형
자신을 표현하는 단일 애니메이션 시퀀스로 존재하게 된다. 이 영상 작품을 비롯하여 파레노가 초기부터 협업해온 그래픽 디자인 듀오 M/M이 제작한 포스터 〈유령이 아닌, 그저 껍데기(피에르 위그와 필립 파레노)〉와 여기서 파생된 벽지 포스터 <M/M 월페이퍼 포스터 1.1 (안리 컬러: 세상 밖 어디든)>이 있다. 전시장에 깔린 카펫은 영상 속 안리가 착용한 파란 계열로, 공간 가장자리에 일정 여백을 두어 어느 위치에서든 동선의 시작점이 될 수 있는 열린 영역을 제시한다.
내 이름은 안리 철자는 아무래도 좋아! 상관없어! 정말이야, 상관없어. 나는 46000엔에 팔렸어.
46000엔 미화 400달러가 디자인 캐릭터 회사 ‘K’ 공장에 지불되었지!
라는 영상속 맨트가 계속 귓가에 남아있는...
저 사진에 귀 기울여 보세요(그랑프리, 모나코), 1997-1995 / 1997
유리로 제작한 확성기 2개, 각 50 x 30 x 30 cm, 컬렉션 브루노 & 르네 - 줄리엔 프라츠 - 들라발라드 제공
벽 상단에 두 점의 확성기 형태가 걸려 있다. 투명한 유리 소재의 오브제 조각은 각각 다른 장소와 날짜에 벌어진 특정 이벤트의 제목과 날짜, 유리가 제조된 날짜가 새겨져 있다. 그 가운데 하나는 모나코 그랑프리 경주의 트랙 곳곳에 설치된 스피커의 형태로, 당시 최면술사가 청중에게 수면 요법을 위한 낭독을 방송한 사건을 담고 있다. 실제 전시장에 설치된 두 스피커는 기능을 잃은 유리 조각이다. 마치 친절한 유령 캐스퍼처럼 의미와 질감이 없는 물체는 벽에 걸려 그곳에 존재하지 않은 듯하다.
M2 전시관 건너편에서 필립 파레노 보이스 전시는 이어 집니다.
어둠 속으로 들어간 첫 공간은...
차양 (2023) , 마릴린 (2012), 귀머거리의 집 (2021)
전시장이 너무 어둡다 보니 QR 인식조차 되지 않는다. 우선 뭔지 모르겠어서 그냥 패스하고 다시 아래층으로내려간다.
이곳은 또 무엇인가, 나는 어떤 공간에 와 있는가?
이렇게 공간이 넓었다니, 항상 파티션으로 구분된 전시회만 왔었는데...
말풍선 (투명), 2017
헬륨 가스, 마일라 풍선, 각 68 x 109 x 29 cm, 작가 및 제니 예, 윈싱예술재단 제공
<말풍선(투명)>은 공간의 천장 위에 갇혀 있는 삼차원의 거대한 말풍선이다. 만화에서 인물의 말을 전달하기 위해 그려 넣는 말풍선은 전시장 안에서 어떤 말도, 문자도 담겨 있지 않은 채 헬륨으로 채워져 무중력 상태가 되어 표류한다. 파레노는 “당신이 말한 이야기들은 전부 당신의 머리 위로, 새하얀 구름처럼 날아올랐다. 그 말은 만화 속 말풍선처럼 공중에 둥둥 떠 있었고, 마치 누군가가 서리 낀 창문에 손으로 쓱 문질러서 지워버리듯 지울 수도 있을 것만 같아 보였다”고 했다. 파레노가 의도한 거대한 구름은 천장을 가득 채운 말풍선들을 통해 건축 공간이 보유한 본질적인 성격을 변화시키고, 언어가 담고 있는 서사의 가능성에 주목하여 그것이 의미하는 역할과 방식에 대해 질문한다.
시계 태엽, 2020
플렉시글라스, DMX 제어기, 기압 및 온도 센서, 모터, 벨트, 160 x 168 x 20 cm 작가 및 글래드스톤 갤러리, 에스더쉬퍼, 베를린/파리/서울 제공
2019년부터 소개된 <시계 태엽>은 파레노의 작품에서 중요한 소재인 ‘시간’에 기인한다. 시간과 시간의 길이에 대한 파레노의 지속적인 탐구는 전시 자체가 끊임없이 진화하는 안무 속에 관람객을 참여시키고, 시나리오를 제작하기 위한 이벤트로 확장한다. <시계 태엽>은 투명한 플렉시글라스의 몸체와 복잡하게 얽혀 있는 톱니바퀴와 벨트 안에 내장되어 있는 센서를 통해 시침, 분침과 초침의 움직임과 속도를 제어한다. 이러한 움직임을 가능케 하는 모터 위에 설치된 마이크는 시계의 구성 요소가 움직이는 소리를 포착하고 증폭시켜 사물의 소리를 공간에 투사한다. 그렇게 <시계 태엽>은 전시장에서 물질적으로 거주할 수 있는 ‘시간’으로 변모한다.
움직이는 벽, 2024
철, 나무, 모터, 바퀴, 네비게이션 시스템, 500 x 700 x 60 cm, 작가 제공
전시장에서 흔히 볼 수 있는 가벽처럼 생긴 작품이 그라운드 갤러리에서 느린 속도로 돌아다닌다. 대개 시야를 가리거나 공간의 구획을 나누기 위해 세우는 벽체가 보는 이의 시야를 열어주고 동선에 따라 시선을 이끌기도 한다. 매 순간 달라지는 장면으로 관람객의 시선을 유도하면서 작품과 관람객, 스포트라이트와 그림자, 시간과 시간성의 구분을 무색하게 만든다. 파레노는 개별 작품들을 모아 선보이는 이벤트가 아닌, 작품, 관람객, 공간 사이의 상호 작용을 매개하는 일종의 매체로서 전시를 바라보고자 한다.
깜박이는 불빛 56개, 2013
LED 조명, 프로그래밍된 칩 56개, 각 120 x 15.5 x 20 cm, 작가 및 아모레퍼시픽 미술관 제공
각각의 LED 조명은 무선 DMX(Digital Multiplex) 컨트롤러에 따라 켜졌다 꺼지도록 프로그래밍되어 있다. 전시장에 있는 관람객은 일정 시간 동안 가시화된 빛의 패턴에 노출된다. 조명과 조명 사이의 간격은 조명 하나가 켜지면 그 주위의 다른 조명들이 점등되도록 설정되어 있다. 마치 신경 세포들을 연결해주는 시냅스(synapse, 기능적 연접 부위)처럼, 우리 뇌의 신경 세포들이 서로 간에 영향을 미치면서 작동하는 생물학적 연결망을 시각화한다. 이 작품은 뇌가 변화하는 환경에 적응하는 현상을 일컫는 ‘신경 가소성(Neural Plasticity)’을 개념적으로 보여주기도 한다. 이때, 깜빡이는 불빛들은 공간에 설치된 다른 작품들과 전체적인 시노그래피 중심으로 연동되어 공간 위에 유기적인 안무를 선보인다.
그런에 이 부분도 작품의 일부일까?
내가 이런 질물은 하는 것은
사진속에서 춤추는 사람과 에스컬레이터를 오르락 내리락 하는 분도 이 전시회의 일부이다. 작품속 움직이는 요소라고 한다. 하필 내가 접근하는 시점에 쉬로 가시더라는...
예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있는 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림' 전시회 정보입니다. 워낙 언론사 등에서 집중적으로 홍보하고 있어 주말 관람객이 난리도 아닌데요.
오늘은 뭉크 전시회 예약 및 얼리버드 할인정보, 도슨트 및 오디오가이드, 주차장, 주차요금 할인, 뭉크전시회 아트샵 및 굿즈, 전시회 웨이팅 등 관련정보 공유합니다.
뭉크 전시회를 200% 즐겁게 관람하기 위한 꿀팁 대방출...
뭉크 전시회 티켓예약 및 할인, 얼리버드 정보
| 현재는 할인 없음 정가구입 하셔야
이번 전시회는 2회에 걸처 얼리버드 티켓팅이 선착순으로 진행되었습니다. 저는 1차 예약을 통해 50% 할인된 10,000원 가격에 뭉크전시회 관람을 했는데요. 현재는 별도의 티켓할인 프로모션은 없습니다. 정가인 20,000원 모두 내시고 관람하셔야 합니다.
| 예약보다는 현장발권이 유리
이번 에드바르 뭉크 전시회 예약은 일반적으로 전시회 기간동안에 사용이 가능한 예매방식이 아닙니다. 마치 공연이나 영화 예약과 같이 방문일자를 지정하고 예매해야 합니다. 예매 취소도 당일 취소는 불가능하니, 개인적인 일이 생기면 티켓가격만 날리게 되네요. 차라리 관람당일 현장 예매를 하세요.
어차피 사전예약 고객도 발권해야 하는데요. 현장구매자나 사전예약자나 구분된 발권창구가 없습니다. 결국 당일 먼저 방문한 사람이 먼저 티켓팅 하는 시스템.
뭉크전시회 웨이팅 정보 및 빠른 입장팁
| 발권부터 입장까지 최소 30분 최대 1시간
제가 방문한 25일 토요일 오후 기준입니다. 발권에 약 20분, 입장대기에 약 20분 정도 소요 되었는데요. 제가 관람을 마치고 나오니, 입장 대기줄이 배 이상 늘었습니다. 오픈 초기여서 관람객들이 몰리는 것도 있지만, 뭉크전시회 입장 대기에만 최소 30분 생각하셔야 합니다.
| 빠른 입장팁 > 각자 대기줄에...
발권줄과 입장줄이 나누어 있습니다. 즉 뭉크전시회 티켓 발권하는 동안 전시회 입장 대기줄도 계속 길어지는 시스템인데요. 일행이 있다면 한 사람은 발권을 다른 한사람은 입장줄에 서 있으면 시간 단축이 가능합니다.
728x90
전시장 안에도 관람객들이 상당히 많고요. 다름 작품으로 이동하는데에도 상당히 힘드네요. 오히려 여유있는 관람을 위해서 다음달 말 이후에 방문하는 것도 좋은 팁일 것 같습니다.
뭉크 전시회 도슨트 및 오디오가이드
| 뭉크 전시회 도슨트 없음
아쉽게도 이번 예술의전당 에드바르 뭉크 전시회 도슨트는 운영되지 않습니다. 아마도 관객혼잡 등의 이유가 있겠지만 이보다 더 사람들이 몰렸던 전시회도 평일 도슨트는 진행되었던 것으로 기억하는데요. 이 부분은 뭉크를 좋아하는 저에게는 상당히 아쉬운 부분입니다.
| 현장 오디오가이드 대여 (3,000원)
이번 예술의전당 '에드바르 뭉크: 비욘드 더 스크림 전시회'는 현장에서 오디오가이드 유료 대여가 가능합니다. 가격은 3,000원으로 전용 오디오가이드 기기와 이어폰을 대여받을 수 있습니다만, 별로 추천드리지 않습니다. 특히 남이 사용하던 이어폰 사용하고 싶지는 않네요.
| H.Point 오디오 가이드 추천
요즘 현대에서 문화예술 오디오가이드 신경 많이 쓰네요. 이번 뭉크전시회 오디오가이드도 H.포인트앱 오디오갤러리에서 이용이 가능합니다. 물론 3,000원 요금은 동일합니다만, 내 기기와 내 이어폰을 사용한다는 부분과 전시장 방문 및 발권 여부와 상관없이 이용이 가능한 부분이 더 큰 매력입니다.
| 에드바르 뭉크 전시회 사진촬영
이번 전시회 관람사항은 다른 전시회와 비슷하게 일반적인 가이드라인이 제공되고 있습니다.
에드바르 뭉크 전시 사진촬영은 스마트폰 촬영만 허가됩니다. 카메라나 삼각대, 짐벌, 셀카봉 등의 촬영 도구는 사용할 수 없습니다. 플래시 사용금지는 너무 당연하고요.
그리고 특이사항은 필기구와 함께 아이패드 애플펜슬과 갤럭시탭 S펜도 반입금지 입니다.
참고로 전시장 작품의 상당수가 유리나 안전장치 없이 액자에 끼워있거나 출입금지 라인이 없습니다. 뭉크의 작품이 상대적으로 작아서 가까이 다가가지 않으면 작품 디테일 감상이 어려운 이유라고 생각되는데요. 이러한 이유로 작품 보호을 위해반입금지 한 것이 아닐지....
뭉크 전시회 포토존
예술의전당 한가람미술관 1층 밖에는 대형 뭉크 현수막이 있습니다. 이 앞에서 사진촬영 하시는 분들 많네요.
| 입장 대기줄
실내에는 에드바르 뭉크 대표작 절규 작품속 얼굴을 관람객 얼굴로 변경해서 촬영할 수 있는 공간과 대형 사인을 배경으로 사진촬영 가능한 뭉크 포토존이 준비되어 있습니다.
| 전시장 실내
예술의 전당 뭉크 전시회장 실내에도 다양한 포토존이 준비되어 있습니다. 뭉크의 명언등이 있는 공간이나 멀티미디어 룸이있어 뭉크의 작품들속에 사진 촬영이 가능한 포토존도 꼭 찾아보세요.
반응형
아쉬운 뭉크 전시회 아트샵 굿즈
굿드 구성은 상당히 아쉽네요. 너무나 일반적인 상품들과 퀄리티도 그렇게 좋지는 않습니다. 다소 실망, 돈 내고 사고 싶은데도 지갑 열릴만한 뭉크 전시회 굿즈는 없네요.
꼭 산다면 뭉크 도록 정도...
에드바르 뭉크 전시회 주차장 및 주차요금 할인
항상 주말 예술의전당 주차장은 만차입니다. 가장 접근성 좋은 비타민스테이션 주차장은 접근조차 못 하고요. 주차장도 만원이어서 동선을 지하로 내려가게 막아 놓았네요.
주차장은 만차입니다. 사이드 주차까지 난리가 아니네요.
| 예술의 전당 주차요금
에드바르 뭉크 전시회 주차요금은 예술의전당 기준을 따릅니다. 무료 주차는 없고요 평일에는 전시관객은 3시간 기준 4,000원, 주말에는 할증이 있서 3시간에 6,000원 주차요금이 부과됩니다.
아쉬운 점은 전기차나 하이브리드 차량과 같이 친환경차량 할인은 중복적용되지 않습니다.
| 예술의전당 주차요금 할인 방법
예술의 전당 곳곳에 사전 주차요금 정산기가 비치되어 있고요. 차량번호입력 후 할인처리하시면 됩니다.
현존하는 최고의 공공미술가이자 그래피티 작가로 불리는 '제이알 크로니클스 전시회' 관람후기입니다. 사실 전시 전에는 작가를 잘 모르지 못했는데요. 이번 전시회를 통해 JR의 매력에 빠졌습니다.
과거 그래피티 대가로 키스해링이나 앤디워홀을 말했다면, 현대미술에서는 셰퍼드 페어리 (미국), 뱅크시 (영국) 그리고 프랑스의 제이알이 있다고 합니다. 이번전시회를 통해 저도 100% 동의하게 되었다는....
전시회 소개전에 제이알 크로니클스 전시회 개요와 도슨트, 오디오가이드, 관람시간 등 기본정보 먼저 공유합니다.
| 제이알 크로니클스 전시회 [ JR: CHRONICLES ] 정보
- 기간 : 2023.05.03 - 2023.08.06 / 매일 10:30-19:00 (입장마감 18:30) - 장소 : 롯데월드타워 7층 ㅣ 에비뉴엘 6층 연결 - 가격 : 성인 20,000원, 청소년 15,000원, 어린이 12,000원
참고로 롯데뮤지엄 전시장에는 백팩 등 큰 가방이나 우산은 반입되지 않습니다. 별도 물품보관함과 우산 보관함을 이용하시면 됩니다. 참고로 롯데뮤지엄 물품 보관함은 1시간 무료 보관이 가능합니다. (보통 추가요금 지불하게 되네요)
| 제이알 크로니클스 전시회 도슨트 일정
주말과 공휴일에도 진행하는 도슨트, 롯데뮤지업의 매력입니다. 이번 어린이날 연휴에도 평일과 같이 오전 11시, 오후 2시, 4시 하루 3회 도슨트가 진행되고 있습니다. 5월 5일 어린이날에는 김찬용 도슨트님과 함께 했습니다. 도슨트 소요시간은 50분 전후입니다.
| JR 전시회 오디오 가이드
바이브 (VIBE)앱을 통해 제이알 크로니클스 전시회 오디오가이드를 무료로 이용가능합니다. 무료라고 부실하지 않고요. 상당히 알찬 내용으로 제공됩니다. 이어폰은 필수 입니다. 처음 이용하시는 분들은 앱도 미리 설치하시고 오세요.
| 전시회 개요
롯데뮤지엄은 세계적인 아티스트 제이알(JR, 1983-)의 국내 첫 대규모 회고전 《제이알: 크로니클스》를 개최한다. 2019년 뉴욕 브루클린 미술관(Brooklyn Museum)을 시작으로 독일 뮌헨 쿤스트할레(Kunsthalle Munich)에 이어 서울에서 아시아 최초로 선보이는 이번 전시는 제이알의 문화, 사회, 정치적 주제에 대한 관심과 대중과의 협업을 토대로 초기부터 지난 20여 년간 펼쳐 온 행보를 주요 프로젝트를 통해 소개한다. 나아가 공공 예술로 그 의미를 어떻게 확장했는지 보여준다.
제이알은 작업에 함축된 여러 이야기들을 통해 우리가 세상을 바라보는 관점에 대한 변화를 유도한다. 사진과 페이스트업, 영상, 프로젝트 과정을 기록한 아카이브를 포함한 약 140여 점의 작품들로 구성되는 이번 《제이알: 크로니클스》 전은 국경을 넘어 작가가 전달하고자 하는 동시대의 주요 사회문제에 대한 관심과 대화를 이끌어내는 장이자, 제이알의 독창적인 예술을 경험할 수 있는 기회가 될 것이다.
* 《제이알: 크로니클스》전은 뉴욕 브루클린 미술관 부관장 샤론 맷 앳킨스(Sharon Matt Atkins)와 사진 부문 큐레이터 드루 소여(Drew Sawyer)의 공동 기획으로 마련되었다.
| 제이알 (JR) 크로니클스
제이알은 1983년 프랑스 파리 외곽에서 동유럽과 튀니지 이민자 부모 사이에서 태어났습니다. 10대 시절 친구들과 그래피티를 하던 제이알은 2001년 파리의 지하철역에서 카메라를 발견하면서 아티스트로서 전환점을 맞이합니다. 제이알은 친구들의 그래피티 작업을 기록하며 거리에서 메시지를 전달하는 사람들과 그 이야기에 대해 관심을 가지게 되었고, 2005년 10월 파리 외곽의 클리시수부아에서 발생한 소요 사태를 카메라에 담고 파리 도심 곳곳의 건물 파사드에 거대한 초상화를 설치하며 < 세대의 초상 > 으로 불리우는 첫 프로젝트를 완성합니다.
이 프로젝트는 파리에서 큰 반향을 일으켜 제이알을 처음으로 세상에 알리는 계기가 됩니다. 제이알은 이스라엘과 팔레스타인의 국경을 넘나들며 서로 같은 직업을 가진 사람들의 초상화를 붙인 <페이스 투 페이스 > 등 각국을 여행하며 전 세계 지역사회 주민들의 이야기를 알리고 이름 없는 세상의 그림자를 향한 관심과 시선을 작품에 담아냅니다.
| 관람시간은 최소 2시간
이번 제이알 : 크로니클스 전시회 관람시간은 최소한 두 시간 할애하셔야 합니다. 생각보다 작품 하나하나에 많은 이야가와 메시가 있고, 관련 멀티미디어 정보도 많이 준비되어 있어 서너시간 여유를 가지고 감상하시는 것을 추천 드립니다.
JR 연표 : 1983년 생으로 이제 40에 접어들었네요. 이 나이에 위대한 예술가의 반열에 올랐다니...
| JR 첫 카메라
상당히 독특한 스토리가 있는 카메라입니다. 그가 처음으로 접하고 사진에 입문하게된 필름 카메라하고 하는데요. 보통 이런 스토리는 아버지가 사용하는 카메라를 물려받거나, 아니면 크리스마스 선물로 받거나 이런 아름다운 이야기가 대부분인데...
파리 지하철에 방치된 가방에서 나와 그가 그냥 가지고 왔다고 합니다. 우리나가 기준으로는 절도범이죠. 더구나 카메라는 삼성 필름카메라입니다. 과거 가장 저렴한 레벨의 필름카메라가 이런 작가를 만들었다고 합니다.
| 거리 전시회, 2001년부터 2004년
< 거리 전시회 > 는 그래피티 아티스트로 활동하던 제이알의 첫 번째 사진 프로젝트입니다. 제이알은 지하철역에서 카메라를 주운 것을 계기로 사진 작업을 시작하게 됩니다. 친구를 기다리던 제이알은 우연히 벤치 위에 놓인 가방을 발견합니다. 한참이 지나도 주인이 나타나지 않아 가방을 열어보았더니 카메라가 들어있었습니다. 렌즈도 바꿀 수 없고, 필름과 작은 배터리 두 개만 넣으면 되는 오래된 카메라였습니다. 파리 곳곳에 자신의 이름을 새기며 그래피티에만 열중하던 제이알은 말로는 설명하기 어려운 생동감 있는 거리 모습을 기록하기 위해, 카메라를 들고 친구들의 모습을 찍기 시작합니다.
이번 섹션에서 볼 수 있는 사진들은 제이알이 첫 번째 필름으로 찍은 열두 장의 사진에서 시작합니다. 학창시절 사진에 대해 배울 기회가 생긴 제이알은 자신이 찍은 이미지를 복사해서 친구들에게 나눠주기도 하고, 거리의 광고판이나 기차역 노선도 그의 사진으로 바꿔 넣기도 합니다.
사진으로 남겨진 그의 초기 그래피티 작품들...10대 후반부터 20대 초반에 작업한 작품들입니다. 다른 그래피티 작품들과 다르게 사진과 결합한 부분이 독특합니다.
그는 그래피티 작업과 공공미술의 이미를 이렇게 생각하고 있네요.
| Expo 2 Rue
작가는 작은 크기의 흑백 사진을 사람들 눈에 잘 뛰도록 여러 장으로 이어 붙인 뒤, 빨간 스프레이로 테두리를 그리고 불어로 엑스포 두 휘 (Expo 2 Rue)를 써서 본인의 사인을 남겼습니다. 바스키야의 왕관이 생각나는...
Portrait of a Generation
세대의 초상 2004~2006
| 세대의 초상
< 세대의 초상 > 에 등장하는 인물들은 파리 교외 지역인 몽페르메유의 주거 단지 '레부스케'와 클리시수부아의 '라포레스티에흐'에 사는 청년들입니다. 제이알의 첫 공공 프로젝트인 < 세대의 초상 ) 은 2005년 파리에서 발생한 소요사태 중 본격적으로 진행됩니다. 2005년 경찰의 검문을 피해 발전소에 숨어든 두 소년이 감전 사고로 사망하는 사건이 발생합니다. 이로 인해 대규모 폭동이 몽페르메유를 포함한 파리 여러 지역에서 발생하면서 후드 티를 입고 얼굴을 가린 청년들이 자동차를 불태우고, 폭력을 행사하는 모습이 뉴스에 나오기 시작합니다.
그러나 미디어를 통해 그려진 모습과는 달리, 당시 시위에 가담하지 않은 청년들도 있었고, 동네에 배치된 군인들로 인해 일상 생활 유지에 어려움을 겪는 청년들도 있었습니다. 당시 언론이 멀리서 주민들을 촬영해 지역 상황을 보도하려 한 것과 달리, 제이알은 28미리 광각 렌즈를 사용해 사람들을 가까이에서 담고자 했습니다.
| 세대의 초상 , 그리고 철거된 고층 주거지, 2013년
철거 중인 것으로 보이는 사진 속 건물은 제이알과 친구들이 처음 건물에 사진을 붙인 장소입니다. 소요사태가 일어난 후, 정부 기관에서 레부스케 지역의 건물들을 철거하려 하자, 제이알과 그의 팀은 이곳을 다시 방문합니다. 그들은 <세대의 초상 > 을 진행하던 당시 촬영한 초상사진을 건물 내부에 붙이기로 합니다. 밤마다 건물 안으로 몰래 들어가, 부억에는 눈 사진을, 화장실에는 코를, 거실에는 입을 붙였습니다. 한 번은 작업을 마치고 건물 밖으로 나와서 경찰에게 붙잡혔지만, 경찰은 철거를 앞둔 건물에서 그들이 한참을 머무른 이유에 대해 정확히 알 수는 없었습니다. 철거가 시작되고 크레인이 건물을 조금씩 허물어 갈수록 거대한 얼굴들이 모습을 드러내기 시작했습니다. 이 엄청난 광경은 철거 현장에 있던 지역 주민들만 실제로 목격할 수 있었습니다.
철거건울에 무단으로 침임? 들어가서 건물 안쪽에 작업했다고 합니다. 이후 건물이 철거되면서 자연스럽게 그의 작품이 노출되는 효과를...
| 브라카쥐, 래드 리, 2004년
<브라카쥐, 래드 리>는 <세대의 초상> 프로젝트의 첫 번째 사진이며 작가 작업의 근간이 되는 상징적인 이미지입니다. 사진 전면에는 무기처럼 카메라를 들고 서 있는 제이알의 친구이자 영화 <레 미제라블> 감독인 래드 리가 있습니다. 사진 뒤편에는 건물 벽에 불어있는 제이알의 사진들이 보입니다. 래드 리를 찍기 위해 제이알이 렌즈 초점을 맞추는 동안 동네 아이들이 같이 사진을 찍고 싶다며 다가왔고, 이 사진은 그 순간을 우연히 담아낸 것 입니다. 계속해서 레부스케에서 작업을 이어가던 제이알과 래드는 오랜 시간 방치된 건물에 사진을 붙이기로 합니다. 경찰의 제지를 막기 위해, 동네 아이들에게 도움을 청했고, 건축 도면을 출력하는 특수 프린터로 사진을 뽑아 건물 외벽에 불였습니다. 레부스케 시장은 제이알을 고소했지만, 신분을 드러내지 않고 작업하는 작가를 찾기는 매우 어려웠습니다.
전시장에 들어오면서 잠깐 작품을 보았을 때 아프리카 분단 지역의 총을 든 군인과 어린 병사들이라고 생각했는데요. 자세히 보니 그가 들고 있는 것은 총이 아닌 레코더 입니다. 장소도 파리... 인간의 편견에 대해 다시 생각해보는...
| Face 2 Face
페이스 투 페이스, 2006년에서 2007년
2005년 친구 마르코와 함께 팔레스타인과 이스라엘을 방문한 제이알은 두 번째 공공 프로젝트인 <페이스 투페 이스 > 를 시작합니다. 사진에서는 교사나 의사, 운동선수, 예술가 등 직업을 가진 팔레스타인과 이스라엘 사람들의 얼굴을 보여줍니다. 사람들은 누가 팔레스타인인인지 아니면 이스라엘인인지 쉽게 구분하지 못했지만, 격렬한 교전이 벌어지고 있던 당시 두 지역 사람들은 강한 적대감을 가지고 서로를 다르다고 생각했습니다. 직트.하지만 제이알은 프로젝트를 진행하면서 두 지역 사람들과 가깝게 소통하게 되고 나서, 그들에 대한 고정관념이 서 서히 사라지게 됩니다.
팔레스타인에 도착해서 처음 만난 택시 기사는 너무 친절했고, 제이알은 택시 기사에게 프로젝트를 설명하고 사진을 찍겠냐고 제안했습니다. 택시 기사는 제안을 받아들였고, 작품에 사용하도록 허락합니다. 제이알이 반대편에 있는 이스라엘 지역의 택시 기사도 만날 것이라고 말하자, 택시 기사는 이스라엘 사람들은 절대허락하지 않을 거라고 말했습니다.
아래 영상의 왼쪽은 이스라엘, 오른쪽은 팔레스타인 입니다. 서로가 악마라 비난하지만 사진에서 인물을 구분하지는 못한다는...
The Wrinkles Of The City
도시의 주름 2008~2015
| 도시의 주를 이스탄불 2015년
도시에는 각기 다른 시기에 지어진 건물들이 공존합니다. 오래된 건물이 사라지고 새로운 건물이 들어서기도 하고, 동시에 금이 간 오래된 건물이 있기도 합니다. 제이알은 이런 복잡성을 지닌 도시를 배경으로 삼아 < 도시의 주름 > 프로젝트를 시작합니다. 튀르키에 이스탄불은 오래된 건물과 세월의 흔적을 보여주는 주름을 가진 노인이 많이 살고 있었기에 제이알에게 프로젝트를 진행하기 더없이 좋은 도시였습니다. 제이알은 가는 곳마다 거리에서 만나는 사람에게 작업에 참여해 줄 수 있는지 묻고, 도시의 역사를 겪은 주름이 많은 노인을 아는지 확인했습니다. 그다음 도시 곳곳을 누비며 사진을 불일 건물을 찾고, 그 곳을 사용하기 위해 건물주의 동의를 구했습니다. 건물의 뒤쪽이 무너져 마치 머리 뒷부분이 생략된 것처럼 보이는 남성 사진이 붙어있는 건물 역시 주인에게는 허락을 받았지만, 시에서는 허락해주지 않아 제이알은 늘 그렇듯 허가없이 작업을 이어 나갔습니다.
| 도시의 주름, 하바나, 2012년
<도시의 주름, 하바나>는 쿠바의 수도이자 주요 항구 도시인 하바나에서 진행했습니다. 쿠바 주민들은 피델 카스트로나 체 게바라 같은 정치 혁명가가 그려진 벽화만 접해 왔기 때문에 제이알은 거리에 평범한 사람들의 얼굴을 전시하기로 합니다. 제이알은 쿠바계 미국인 아티스트인 친구 호세 팔라와 함께 도시의 역사를 지켜본 노인을 찾아서 사연을 듣고, 그들의 사진을 하바나의 무너져 가는 건물 벽에 불였습니다. 이 작품에는 사랑스러운 노부부 한 쌍이등장합니다.
대부분 개인의 사진을 찍지만, 항상 한 쌍의 커플을 프로젝트에 참여시켰던 제이알은 식사하러 가던 중에 우연히 이 부부를 발견했습니다. 부부는 흔쾌히 사진 촬영에 응했지만, 프로젝트 참여에 동의하는지를 묻지 못했습니다. 프로젝트에 부부를 간절히 참여시키고 싶었던 제이알은 도시 곳곳을 돌아다니며 이들에 대해 수소문했고 마침내 그들이 항상 같은 시간에 음악을 연주한다는 장소에 찾아가 이들에게 프로젝트에 참여해 달라는 제안을 합니다.
| 폐이스팅의 과정과 목업
이 자료는 제이알이 사진을 건물에 설치하기 전에 준비 과정에서 제작했던 스케치 목업 입니다. 종이를 가까이서 살펴보면 검은색과 흰색 점으로 이루어져 있지만, 멀리서 보면 하나의 이미지로 보입니다. 제이알은 사진을 부착할 때마다, 건물의 치수를 재고 그에 맞게 사진의 사이즈를 조절합니다. 그래서 건축물의 규모에 따라 사진의 사이즈 또한 매번 달라집니다. 제이알은 건축 도면을 인쇄하는 프린터를 사용해, 폭이 90센티미터인 얇고 긴 형태의 출력 물을 퍼즐 조각들처럼 이어 붙입니다. 작은 사이즈로 인해 정확하지는 않지만, 이 스케치 목업을 통해 사진이 건물 에 잘 어울릴지 전체적으로 살펴볼 수 있습니다.
또한, 제이알은 건물에 사진을 붙이기 위한 다양한 방법을 연구합니다. 비계나 사다리, 크레인 등 여러가지 방법이 있는데, 건물이 얼마나 복잡한 구조인지 아니면 그 옆에 어떤 건물이 있는지에 따라 매번 다른 접근 방법을 찾아냅니다.
아래는 그가 작업하는 종이샘플이 전시되어 있습니다. 제이알 크로니클스 전시장 곳곳에 설치되어 있는 멀리미디어 영상을 보면 작품의 설치 부터 철수(제거) 과정을 감상할 수 있습니다.
Women are Heroes
여성은 영웅이다,라이베리아, 2008년
2008년부터 2010년까지 세이알은 장모니아. 인도 케냐 라이베리아 시에라리운 등세계 여러 2008년부터 2010년까지 제이알은 캄보디아, 인도, 케냐, 라이베리아, 시에라리온 등 세계 여러 도시들을 다니며 < 여성은 영웅이다 > 프로젝트를 진행합니다. 이 작업은 가정폭력이나 강간, 아동 살인 등 크나큰 고통 속에 살아온 여성들의 눈과 얼굴을 찍은 사진들을 도시 곳곳에 설치하는 것이었습니다. 2008년 서아프리카 라이베리아로 갑니다. 라이베리아는 내전 직후라 반군이 아주 많았고, 유엔 관계자도 파견되어 있었습니다. 제이알은 친구와 함께 거리를 걷다가 유엔의 통제를 받지 않는 위험할지도 모를 구역에 들어가 작업을 시도합니다. 그 곳에는 부서진 다리가 있었고 다리 한가운데 반군 무리가 지키고 있었습니다. 제이알과 친구는 수상함을 느낀 반군에게 검문을 받게 되었고, 제이알은 다리 옆쪽에 사진을 부착하고 싶다고 말했습니다. 반군은 가능하지만 금전적인 대가를 지불해야 한다고 주장했고, 제이알은 광고가 아니기 때문에 돈을 낼 수 없다며 언쟁을 이어갔습니다.
| 여성은 영웅이다, 키베라, 2009년
라이베리아 프로젝트 이후, 제이알은 케냐 나이로비에 있는 슬럼가 '키베라'에 가서 <여성은 영웅이다 > 를 진행합니다. 키베라에 도착한 작가는 두 가지를 깨닫게 됩니다. 첫째는 아무도 키베라를 찾지 않는다는 사실과, 둘째는 그곳 주민들은 파리 빈민가 사람들처럼 언론이 자신들을 왜곡해 보도한다고 생각한다는 사실입니다. 이후 제이알은 키베라 주민들과 의견을 나누며 어떠한 방식으로 작업을 진행할지 고민합니다. 그러다 하늘에서 세상을 내려다 볼 수 있는 위성 지도 '구글 어스'를 떠올리며, 사진을 지붕에 붙이는 아이디어를 제안했고, 지역 주민들과 대화 끝에 그들의 의견을 반영해 그동안 사용한 종이가 아닌 비를 막을 수 있는 비닐에 여성의 얼굴을 인쇄해 지붕에 설치를 합니다. 전쟁이 일어나면 여성은 약자로서 가장 먼저 피해자가 되었지만, 가족을 지탱하고 곳꽃하게 지역사회를 단합시키는 것은 바로 여성의 힘이었습니다. 또한 남성은 주민들을 보살피고 벽이 무너지지 않도록 굳건히 붙든 존재였습니다.
아래 사진은 해당 프로젝트에 참여한 모델들의 사진이라고 합니다. 세로로 동일 인물이고 붉은 백자는 여러 사진중에서 JR과 모델이 협의하여 선택된 사진이라고 합니다.
Chronicles of Clicny-Montfermeile
클리시-몽페르메유 연대기, 2017년
제이알이 최근 진행하고 있는 대형 벽화 프로젝트는 멕시코 아티스트 디에고 리베라의 벽화에서 영감을 받아 시작했습니다. 제이알의 벽화 프로젝트로써 처음 제작된 < 클리시-몽페르메유 연대기 )는 과거 <세대의 초상>을 진행했던 프랑스 클리시-몽페르메유 지역에 대한 이야기 입니다. 제이알은 초록색 배경지와 조명 두 개를 준비해 친구 래드 리와 무작정 거리로 나서 벽화 프로젝트에 참여할 사람들을 모집했습니다. 참여자들은 스스로 벽화에서 표현되고 싶은 모습을 결정했습니다. 제이알은 이 지역의 다양하고 복합적인 모습을 한 화면에 담기 위해 정체를 숨긴 마약상부터 < 세대의 초상 > 에 참여했던 사람들을 최대한 찾아, 다시 이 작품에 등장시키려 노력했습니다. 그렇게 총 850명의 사진을 찍었고, 심지어 그 중에는 <세대의 초상 > 작업 당시, 제이알을 고소했던 시장도 있었습니다 제이알은 이 벽화를 파리 '팔레 드 도쿄' 미술관에서 처음 공개했습니다.
앞에서 850명의 사진을 찍었다고 했는데요. 해당 작품은 한 명 한 명 인터뷰후 개별촬영을 진행하고 이후 합성한 작품이라고 합니다. 스케일도 대단하지만 이런 작품을 구상할 수 있다는 것부터가 거장의 반열에 오를만 하다는...
제이알의 클리시-몽페르메유 연대기는 여섯 개의 패널로 나뉘어 있습니다.
#1
#2
#3
#4
#5
#6
The Chronicles of San Francisco
샌프란시스코 연대기, 2019년
< 샌프란시스코 연대기 >는 제이알과 그의 팀이 도시 곳곳을 돌아다니며 샌프란시스코 전체를 배경으로 진행한 벽화 프로젝트입니다. 샌프란시스코는 최신 유행을 선도하고 첨단 기술이 발달해 전 세계인에게 영감을 주는 동시에, 그 이면에는 마약상이 넘쳐나는 아이러니한 도시입니다. 제이알은 이 도시가 가진 복잡다단한 측면을 어떻게 벽화로 나타낼지 고민한 끝에 벽화를 영상으로 제작해 사람들이 움직이는 모습을 연출하기로 합니다.
동네 여러 장소를 돌아다니며 다양한 사람들의 모습을 담기 위해 대형 포토 부스 트럭을 운영하며, 한 달간 1,200명이 넘는 사람들을 찍었습니다. 제이알은 지나가는 사람에게 말을 걸어 프로젝트에 관해 설명한 후 촬영을 진행했습니다. 이 벽화는 단체사진이 아니라, 개개인을 개별 촬영한 후 결합해 하나의 작품으로 만드는 것이었기 때문에, 참여자가 벽화에 어떤 모습으로 등장할지 스스로 결정하는 것이 아주 중요한 일이었습니다.
사진속 노숙자들 샌프란시스코는 부촌이지만 노숙자가 가장 많은 도시이가도 하다고 합니다.
이 작품은 평면 사진이 아닌 이런 스타일의 입체사진 입니다. 1년 반의 작업기간이 느껴지네요.
인종계 계층의 다양성...동성애 상징인 유니콘과 키스하는 동성애자. SF가 미국에서 가장 개방? 된 지역이죠?
| 카사 아마렐라(Casa Amarela), 2009년
제이알은 브라질의 외진 도시에서도 < 여성은 영웅이다 ) 를 진행합니다. 그러던 어느 날, 리우데자네이루 빈민가 모로다프로비덴시아 지역의 한 참여자가 제이알에게 학교도 지역 커뮤니티도 없는 이곳에서 새로운 프로젝트를 시작하자고 제안합니다. 그러자 이 지역 출신 사진가인 '마우리시오 호라'가 빈민가 언덕 꼭대기에 매물로 나온 집을 알려주었고, 제이알은 그 집을 샀습니다. 이 집은 경찰과 마약상이 총격전을 벌일 때마다 총알이 주변에 많이 날아오기 때문에 아무도 관심을 갖지 않는 곳이었습니다.
제이알은 우연한 기회로 노란색 페인트를 구해 그 집을 칠했고, '이곳은 문화센터도 학교도 아닌, 지역사회를 위한 장소입니다. 라고 써 붙였습니다. 그렇게 이 집은 포르투갈어로 노란 집이라는 뜻인 '까사 아마렐라'가 됩니다. 처음에는 의자나 테이블도 없고, 어면 운영 프로그램이나 아이디어도 없었습니다.
참고로 카사 아마렐라는 노란집이라는 의미라고 합니다. 도슨트 분께서 건물 안쪽 사진을 보여 주셨는데. 실내가 ~
| The Guns Chronicles : The Story of America
총기 연대기: 미국의 이야기, 2018년
< 총기 연대기: 미국의 이야기 ) 는 미국의 총기 사용에 대한 다양한 관점을 시각화한 비디오 벽화입니다. <클리시-몽페르메유 연대기 ) 의 영향력을 몸소 느낀 제이알은 이 작품에서 참여자들의 모습뿐만 아니라 그들의 목소리를 담은 영상을 제작하기로 합니다. 마침 작가는 2018년 11월 [타임 지 표지 디자인을 의뢰 받으면서, 미국 총기 사건을 주제로 작업을 시도 해보기로 합니다. 사람들이 원탁에 모여 토론을 벌이는 장면을 상상하며, 총기 수집가, 사냥꾼, 경찰, 총격 희생자, 총기 난사 사건의 피해자를 치료하는 의료진, 총기 산업의 로비스트 등 여러 이해관계에 업힌 사람이 함께 등장하는 장면을 기획합니다. 제이알은 미국 전역을 돌아다니며 참여자를 찾았고, 이들은 각자의 사연을 공유하고 총기에 대한 개인적인 의견을 이야기했습니다. 마침내 250명의 사람들이 토론에 참여하고 있는 듯한 모습을 연출한 < 총기 연대기: 미국의 이야기 > 가 완성되어, 미국 전역에서 전시되었습니다.
이 작품은 정적인 사진 작품이 아닙니다. 아래 영상으로 확인해 보세요. 단순 사진뿐만 아니라 연출력이 대단하네요.
The Chronicles of New York City
뉴욕 연대기, 2019년
제이알은 2019년 뉴욕이라는 도시를 무대로 <뉴욕 연대기 ) 를 제작합니다. 짧지 않은 시간을 뉴욕에서 살았지만, 항상 같은 곳만 다니다 보니 이 도시에 대해 잘 몰랐었다는 생각이 든 제이알은 뉴욕의 다양한 자치구들을 방문해 프로젝트를 진행하기로 합니다. 제이알은 다섯 개의 자치구를 돌며 늘 그랬듯 거리에 지나가는 사람들의 어깨를 두드리며 당신의 이야기를 들려 달라고 요청했습니다. 그렇게 몇 분 전만 해도 그냥 거리를 지나가던 행인은 제이알의 벽화 속 주인공이 되었습니다. 제이알은 촬영한 사진들을 가지고, 뉴욕을 상징하는 건축물 사진에 함께 조합해서 모든 주민과 지역사회를 담은 뉴욕을 형상화한 벽화를 만들었습니다. 또한 제작 과정에서 뉴욕에 사는 대부분의 사람들은 자신이 다른 지역에서 왔어도 스스로를 뉴요커라고 생각하는 흥미로운 공통점을 알게 됩니다. 제이알은 <뉴욕 연대기 > 를 작업하면서 작가 자신도 현재 살고 있는 도시에 대해 배워나가는 놀라운 여정이었다고 이야기합니다.
제이알 작품속에는 지인이나 작가 자신이 등장하는 경우가 종종 있습니다. 이 사진에도 역시나 찾아보세요.
| JR 영상실
4편이 상영되고 있는데요. 모든 작품을 보려면 한 시간이 필요합니다. 이 부분도 고려하셔서 제이알 크로니클스 전시회장 방문하세요
다음 공간으로 넘어가는 통로
Inside Out
인사이드 아웃, 2011년도부터 진행중
2011년 테드 프라이즈를 수상한 제이알은 무대에 올라 세상을 바꿀 수 있는 아이디어를 사람들과 공유할 수 있는 기회를 얻게 됩니다. 작가는 청중을 작업에 참여시킬 수 있는 공공미술 프로젝트 < 인사이드 아웃 ) 을 기획하게 됩니다. 제이알은 누구든지 사진을 찍어서 제이알 스튜디오로 보내면 사진을 출력해서 전 세계 어디로든 무료로 보내주기 시작했습니다. 그렇게 전 세계 141개 국가에 40여만 장의 사진 포스터가 발송되었고 현재도 많은 사람들이 이 프로젝트에 참여하고 있습니다. 제이알은 < 인사이드 아웃 > 을 진행하면서 세상에 자신을 표현하고 무언가를 시도하고 싶어하는 사람들이 많다는 사실을 깨닫게 됩니다. 전시장 벽면을 채운 여러 대의 모니터에서 재생되고 있는 영상은 < 인사이드 아웃 > 에 참여한 사람들의 기록이자 전 세계 다양한 도시에서 프로젝트를 진행한 사람들의 모습을 보여주고 있습니다
해당섹션도 설명보다는 영상으로 확인하세요.
728x90
전시장 한켠에는 세계지도와 함께 지도위에 핀이 박혀 있습니다. 이곳들은 바로 인사이드 아웃 프로젝트에 참여한 국가
사진을 보내면 인쇄해서 무료로 보내준다고 하는데요. 자발적인 도네이션을 유도하고 있다고 합니다. 도네이션 비중이 상당히 높다고 하네요.
제이알 크로니클스 전시회 (JR: CHRONICLES) 마지막 공간입니다.
| 테하차피, 2019년
2010년 제이알은 미국 캘리포니아에 위치한 테하차피 교도소를 방문해 재소자들과 함께 프로젝트를 진행합니다. 테하차피 교도소는 수많은 담장과 전기 울타리, 방탄조끼를 입은 교도관들이 있는 보안이 엄격하기로 유명한 곳으로, 미국에서 가장 폭력적인 교도소 중 하나로 꼽힙니다. 프로젝트 착수 전에 교도관과 재소자들, 그리고 재소자들로부터 피해를 입은 사람들 등 많은 이들을 설득해서 동의를 구해야 하는 어려운 시간들이 있었지만, 제이알은 포기하지 않았고 재소자들 각자의 사진을 찍고 그들의 사연을 녹음했습니다. 이후 제이알은 뉴욕으로 돌아가 2주동안 스튜디오에서 338장의 사진을 출력했고, 교도관, 재소자들 모두가 교도소 운동장에 모여 사진을 함께 붙였습니다.
작업을 마친 운동장은 마치 사람들이 감힌 커다란 구덩이의 모습이었습니다. 제이알과 그의 팀은 이후로도 교도소를 꾸준히 방문해 다양한 프로젝트를 진행하는데, 그러던 중 놀라운 일이 일어났습니다.
재소자의 1/3이 저 낮은 레벨의 교도소로 이감되고 1/3은 출소했다고 합니다.
제이알 공공미술 철학은 볼 수 있는 좋은 예. 교도소의 10미터 담벼락이 뒤의 산과 어떻게 조화를 이루는지...
| 루브르에서 그리고 거대한 피라미드의 비밀, 2019년
2016년 루브르 미술관의 초청을 받아 피라미드에 설치를 진행한 이후, 제이알은 2019년 루브르 피라미드의 30주년을 기념하여, 미술관의 나폴레옹 광장 전체를 덮는 <아나모포시스> 설치를 다시 한번 선보입니다. 제이알은 2019년에는 온라인으로 400명의 자원봉사자를 모집해 십 미터 길이로 출력된 종이 이천 장을 거대한 퍼즐처럼 이어 붙이는 대형 콜라주 작업을 함께 진행했습니다.
광장에 풀로 붙인 종이가 수많은 사람들의 발길에 씻어지면서 뜬겨 나가자, 사람들은 이 종이 조각들을 집으로 가져가 액자에 넣거나, 또는 쓰레기통에 버리는 등 다양한 반응을 보였습니다. 작품이 상당 부분 손상되었을 때, 사람들은 무엇이 작품인지, 어디에 사진이 있는지, 무엇이 아름다움 인지 확신을 할 수가 없었습니다. 이렇게 다양한 질문과 반응, 의문이 발생하는 평범치 않은 순간들 조차 예술이라고 생각하는 제이알은 이 프로젝트를 통해 궁극적으로 존재와 부재, 현실과 기억, 영원의 본질에 관해 이야기 합니다.
반응형
| 이주자들, 국경을 넘은 소풍, 2017년 2019년
2017년 제이알은 멕시코 테카테에 사는 한 살짜리 아이 키키토의 사진을 미국과 멕시코 국경에 설치했습니다. 많은 사람들이 울타리 너머 내려다 보는 듯한 모습의 거대한 아이 사진을 보러 와서, 국경의 울타리를 통해 스마트폰을 주고받으며 서로의 사진을 찍었습니다. 한 달 내내 국경에서 만나 스마트폰을 주고받는 사람들을 보고, 제이알은이 프로젝트를 한 단계 더 발전시켜 마무리 지어야겠다 결심합니다.
키키토 설치 마지막 날, 제이알은 국경 울타리 양쪽에서 대규모 피크닉을 열었습니다. 모두 함께 모여 점심을 먹기 위해 국경을 관통하는 테이블을 만들려고 계획했지만, 미국에서는 허가해 주지 않았습니다. 하지만 제이알은 포기하지 않고 계획을 진행합니다. 작가는 멕시코에 서 태어나 불법 이주한 부모를 따라가 지금은 샌프란시스코에 살고 있는 '마이라'라는 여성의 눈을 촬영해 테이블에 불였습니다.
자이언츠 키키토 작품은 아래 동영상을 꼭 보셔야 합니다.
이번 롯데아트홀 제이알 크로니클스 전시회 마지막 공간에는 작가 JR에 메시지를 보낼 수 있는 공간도 있습니다. 좀 생각해서 한 번 보내볼까...
