항상 새로운 대락교를 방문하면 해당 대학에 있는 미술관이나 박물관을 가보는게 취미인데, 이번에는 운이 좋게도 '고려대학교 서울캠퍼스박물관' 개관 50주년 특별전이 열리고 있었습니다. 그래서 결혼식 3시간 전에 도착을...
고려대학교박물관 현대미술전시실 개관 50주년 기념 특별전
지천명知天命에 화답畵答하다 – 시간을 담은 공간, 예술을 담은 시간
장소 : 고려대학교 박물관 기획전시실, 현대미술전시실, 인촌갤러리 전시기간 : 2023년 5월 4일(목) ~ 8월 19일(토) / 일요일 및 법정공휴일 휴관
관람요금 : 무료
부럽네요. 학교안에 이렇게 큰 규모의 박물관이 있고, 소장품 규모도 상당하다는...
| 이번 '지천명知天命에 화답畵答하다' 전시회는 박물관 4개 층에서 진행되고 있습니다.
B1F 기획전시실 미술美術을 품은 역사歷史 1F 기획전시실 시간의 조각彫刻 3F 현대미술전시실 그리고 사람들 4F 인촌갤러리 고려考慮의 미학美學
이번 포스팅에서는 분량이 많아 1층과 지하 1층 전시관 중심으로 리뷰합니다.
관람순서는 1층에서 지하 1층으로 그리고 3층 4층으로 이동하는 것이 자연스럽습니다. 작품 전체 관람 시간은 약 3시간 정도 생각하시면 좋습니다. 저는 결혼식이 있어 2시간 조금 넘게 관람했는데, 다소 시간이 아쉬웠네요.
* 전시를 들어가며
1973년 5월 3일. 고려대학교박물관에 현대미술실이 개설되었다. 대학박물관에 현대미술 전시 공간을 마련했다는 일이 그리 새삼스러운 것은 아니었다. 이미 몇몇 대학박물관에 현대미술을 전시하고 있는 공간이 있었고, 아예 박물관 내에 현대미술을 담당하는 조직을 갖춘 대학도 있었다. 그런데 그 당시까지만 해도 고려대학교에는 미술대학 혹은 미술을 전공하는 학과가 존재하지 않았다. 미술 관련 전공이 없는 대학에서 최초로 현대미술실이 개설된 것이다. 전공 학과가 없었다는 점은 도리어 다양한 작가들로 하여금 자신의 작품을 선뜻 기증하게끔 이끌어 주었다. 고려대학교박물관은 이미 수준 높은 조선시대 회화 작품들을 소장, 전시하고 있었는데, 1960년대에 이르러는 현대미술도 수집하여 시대적 변화와 현실적 교양 교육을 실현해야 한다는 필요성이 제기되었다. 박물관이 소장하고 있는 조선시대 회화 컬렉션과의 연속성을 이어가기 위함이었다.
박물관 윤세영, 이규호 선생의 성의 있는 노력과 고려대학교의 교육적 컬렉션의 의미에 공감한 여러 작가와 유족들이 협조적으로 응하며 소중히 간직하던 작품을 고려대학교에 제공해주었다. 특히 민족의 지성이 움트는 공간이라는 고려대학교의 위상과 맞물려 많은 이들의 기증이 잇따랐다. 1973년 52점으로 시작한 대학박물관 최초의 현대미술실은 2005년 개교 100주년을 기념하여 이전한 새로운 박물관에 현대미술 전시실로 재개관하였으며, 올해로 50년째를 맞이하게 되었다. 조선시대 전통미술의 커다란 줄기를 이어 1920년대 이후에 나타난 새로운 양상의 근현대미술은 일제시기, 해방과 분단, 굴곡의 현대사를 거쳐 다양한 기법과 시대정신을 면면이 보여주고 있다. 그리고 우리는 지금, 오랜 역사적 발걸음을 통해 함께 해 온 고려대학교와 그 속에 조금씩 서서히 스며든 대한민국의 근현대미술을 만나게 된다. 지천명 사람으로 치자면 이제야 하늘의 뜻을 알 때가 된 셈이다.
[1/4] 1F 기획전시실 시간의 조각彫刻
전시의 시작은 1층 기획전시실에 전시되어있는 조각품으로 시작합니다. 물론 이번 '지천명에 화답하다' 전회 각각의 층에도 여러 조각품들을 만나볼 수 있지만, 다양한 조각가의 작품들을 만나볼 수 있습니다.
전뢰진 : 낙원
한국의 대표적인 조각가 중 한 명입니다. 특히 대리석을 조각을 통해 가족애를 주로 표현한 작가입니다. 서울대 공예과에 입학했다가 홍익대 조소과로 편입한 독특한 이력도...
권진규 : 말
대한민국의 대표 조각가 중 한명입니다. 특히 테라코타 작품으로 우리에게 많이 알려진 작가이기도 하고요. 기억에 학창시절 미술교과서에도 실렸던 작품으로 기억 됩니다. 이외에도 이번 고려대학교 박물관 개관 50주년 전시회 '지천명에 화답하다' 전시회에서는 권진규 조각가의 다른 작품들도 만나볼 수 있습니다.
전시장은 이렇게 인조잔듸 위에 조각 작품들이 전시되어 있고 그 사이로 나무로 된 길이 있습니다. 길 밖으로는 나갈 수 없게되어 있는데요. 조각 작품 감상에 다소 거리가 있는 배치는 조금 아쉬운 부분입니다.
전진 & 모자상 : 민복진
한국 구상조각의 1세대이자 선구자인 민복진 조각가의 작품
새 & 순교 : 송영수
새 작품 뒤 오른쪽에 있는 작품의 그의 대표작인 순교... 사진이 없네요.
그녀의 의식 : 문범강
비상 : 김정숙
'비상'은 김정숙 조각가가 70년대 후반부터 말끼까지 끊임없이 시도한 주제의 작품입니다. 현재 올림픽공원 소마미술관에서 열리고 있는 '다시 보다 한국근현대미술전'에서도 그의 여러 작품을 만나볼 수 있습니다.
1F 기획전시실 시간의 조각 전시장 끝에는 지하 1층 '기획전시실 미술美術을 품은 역사歷史' 공간으로 이동합니다.
[2/4] B1F 기획전시실 미술美術을 품은 역사歷史
이번 고려대학교 박물관 개관 50주년 전시회 '지천명에 화답하다' 전시회의 메인전시장입니다. 대한민국을 대표하는 작가들의 작품들을 만나볼 수 있는 공간입니다.
이번 전시회 제목에서 알듯 '지천명 知天命'은 '하늘의 명을 알았다는 뜻, 나이 50세를 비유적으로 이르는 말' 입니다. 고려대학교 박물관이 1973년에 설립되었다고 하네요.
근대 한국화의 대표작가인 '노수현의 신록'과 '이상범의 보덕굴'
이번 '지천명에 화답하다' 지하1층 전시관의 모습입니다. 이른 아침이어서 그런지 관람객이 많지 않아 여유있게 감상했습니다.
대한민국을 대표하는 이중섭과 박수근의 작품 꽃과 노란 어린이 & 복숭아
이번 '고려대학교 박물관 개관 50주년 전시회 '지천명에 화답하다' 대표작품이자 도혹의 표지작품이기도 합니다.
장욱진 : 나무가 있는 풍경
이중섭의 소도 좋지만, 장욱진 작가의 작품속에 표현되는 소 그림도 너무 좋다는...
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다카오의 기준없는 성인물 정책으로 작품에 모자이크처리 합니다.
B1F 기획전시실의 모습. 이번 전시회에 소개된 작품의 절반 이상은 이곳에 있습니다. 저는 이 부분을 잘 모르고 시간 안배를 잘 못 했네요. 가능하신 관람시간의 50% 이상도 이 전시관에 할당히시면 됩니다.
비슷한 듯 다른 두 추상화의 거장들의 작품
김환기의 월광 & 남관 푸른환상
천경자의 전설과 박래현의 부엉새
대한민국을 대표하는 현대화가의 작품들이 작가별로 다양하게 만나볼 수 있습니다. 이런 작품들을 무료로 만나볼 수 있는 부분도 상당히 매력적인 포인트입니다. 다만 도슨트나 작품에 대한 부연 설명이 전혀 없는 부분은 다소 아쉬운 부분이기도 합니다. 유료로 오디오 가이드라도 제공되었으면 어땠을까 하네요.
고희동, 노수현, 변관식 : 대한민국 근대 한국화 대가들의 작품
다음 공간 부터는 현대 미술 중심으로 구성된 공간입니다.
호안 미로의 작품이 생각나는 천병근 불
서예적 추상이라는 추장영역을 개척한 이응로 작가의 초기 작품등...
까마귀가 등장하는 두 작품
변시지 '까마귀 울 때' & 장우성 '기아쟁식지도'
제주생활의 중도 작품으로 유명한 이왈종 작가의 '생활속의 중도'와 문범강 작가는... 잘...
박서보 : 묘법
박서보 작가의 초기묘법 작품들...
과거 박서보 작가가 군부정권 당시 관변 예술단체 간부로 활동한 이력으로 광주비엔날레에 첫 도입된 박서보 예술상 폐지논란과 폐암3기 판정으로 안타까운 말년을 보내고 있는 거장의 작품들...
황재형 : 현념, 탄천의 노을
강원도 탄광에서 3년간 광부로 일하면서 작품활동을 한 독특한 이력의 작가, 석탄 냄새가 나는 것 같은 그의 작품
물방울 작가로 우리에게 알려진 김창열 '회귀'
가수 김창열이 더 우선되는 포털 검색의 아쉬움...
방혜자 : 빛에서 빛으로
소마미술관에서 열리고 있는 '다시 보다 한국근현대미술전'에서 처음 만났는데, 이곳에서도 작품을 만나게 되었네요. 아무리 생각해도 이번 고려대학교 박물관 개관 50주년 전시회 '지천명에 화답하다' 전시회와 소마미술관 '다시 보다 한국근현대미술전'은 한 쌍의 연결된 전시회라는 생각이 듭니다.
이번 포스팅은 4개의 전시관 중에서 1층과 지하1층의 전시작품들을 소개 했습니다. 다움 포스팅에서는 3층과 4층의 전시작품을 소개하겠습니다.
휴대성이 강조된 아이폰용 미니 보조배터리인 '아이워크 미니 보조배터리' 내돈내산 구입 및 사용후기입니다.
대용량 휴대폰 배터리는 아니지만 앙증맛은 사이즈와 디자인으로 비상용 또는 보조용으로 사용하기에 적합한 제품으로 추천합니다.
| 아이워크 미니 보조배터리 DBL4500L
제품명은 어떤 명칭이 공식 제품명인지 모르겠네요. 우선 쿠팡에는 아이워크라는 브랜드로 표시되어 있으며, 패키지에는 Link Me로 인쇄되어 있습니다. 립스틱보다 약간 큰 크기에 92g의 가벼운 무게를 보이는 제품입니다. 중국산 배터리
아이워크 미니 아이폰용 보조배터리 가격은 쿠팡로켓와우에서 배송비 포함 27,900원에 판매하고 있습니다. 제품 색상은 화이트 블랙, 그린, 핑크 4가지 색이 있습니다.
박스 패키지는 고급스럽게 만들었네요. 어차피 개봉하면 버릴 물건인데 조금 과도한 디자인이라는 생각입니다. 내용물른 간략 설명서와 보조배터리 본체 그리고 충전케이블이 포함되어 있습니다.
| 슬림하고 깔끔한 디자인
아이워크 애플 보조배터리 디자인은 편의점에서 판매하는 1회용 보조배터리 등과 비슷한 디자인과 기능을 보입니다.
제품 크기는 77X47X26mm, 무게 92g으로 가방은 물론 여성용 작은 핸드백 등에도 수납이 가능합니다.
| 4500mAh 아이폰 1회 완충 가능
오늘 리뷰하는 8핀 아이폰 보조배터리 아이워크는 아이폰13 기준으로 1회 완충이 가능합니다. 여러 환경에 따라 차이는 있지만 백업용 보조배터리로는 무난한 용량을 보여줍니다.
보조배터리 측면 버튼을 누르면 배터리 잔량 확인이 가능합니다. 램프는 3단으로 표시됩니다. 잔량 확인이 가능한 부분은 상당히 편한 기능입니다.
| 충전은 USB-C 타입
아이폰을 지원하는 보조배터리인데, 충전은 8핀 라이트닝 케이블이 아닙니다.
그래서 별도의 USB A-C타입 케이블이 동봉된 것 같은데요. 맥북이나 아이패드만 사용할 경우 충전에 불편이 있을 수 있습니다. 왜 이런 규격을 사용했는지 궁금하네요.
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앞에서도 언급했지만 오늘 리뷰하는 제품은 아이폰의 8핀 단자와 호환되는 제품입니다. 접촉단자 보호를 위한 덮개가 있습니다. 이런 구조는 별도의 케이블 휴대가 필요 없는 장점이 있습니다.
연결부위에는 지지대가 있어 아이폰과 결합 후 안정적으로 고정됩니다.
아이폰과 결합한 모습입니다. 결합부위에 다소 공간이 있지만 생각보다는 튼튼하고 안정적으로 고정되어 있습니다. 충전하면서 통화하거나 휴대폰을 이용하는 부분에서는 별다른 불편은 없어 보입니다. 충전도 잘 되고 충전중에 휴대폰을 사용해도 충전 속도가 느려지기는 하지만 -로 떨어지지는 않습니다.
| 8핀 아이폰 보조배터리 : 아이워크 미니 보조배터리 DBL4500L 총평
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고급 제품이나 대용량 배터리는 아닙니다. 다만 무난한 디자인과 내구성 무엇보다도 작고 가벼은 휴대성을 고려하면 비상용 보조배터리 또는, 장시간 여행이 아닌 단거리 목적에서는 가성비와 휴대성 모두 만족할 수 있는 제품입니다.
국내외 미술계에서 자신만의 독창적인 세상을 구축해나가고 있는 조각가인 권오상 작가의 개인전 관람후기입니다. 너무 진보적인 시도여서 다소 난해한 느낌을 주는 전시회기도 한데요. 오히려 신선함으로 다가오기도 합니다.
| AIR MASS : 바람이 다니는 길
◆ 권오상 개인전 ◆ 전시기간 : 2023년 5월 12일 ~ 7월 16일 (~19:00 마감) ◆ 전시장소 : 잠실 롯데월드몰 6층 에비뉴엘 아트홀 / 입장료 무료
| 에비뉴엘 아트홀은...
잠실 롯데월드몰과 롯데월드 타워에는 총 세곳의 미술관이 있습니다. 가장 큰 규모로 대형 전시회 중심으로 운영되며 현재 'JR 제이알 : 크로니클스' 전시회가 열리고 있는 롯데 뮤지엄, 그리고 더 글로리 속 작품의 원작자인 권현진 개인전이 열리고 있는 '넥스트 뮤지엄' 마지막으로 오늘 권오상 조각가의 개인전이 열리고 있는 '롯데갤러리 아트홀 잠실점 에비뉴엘'이 모여 있습니다.
잠실 롯데월드몰 & 롯데월드타워에 이런 공간이 세 곳이나 있다는 것은 엄청난 행운이라는 생각입니다. 꼭 어떤 전시회를 보시러 가더라로 시간내서 나머지 전시회도 관람하는 시간을...
다시 본론으로 돌아와 오늘 소개하는 'A I R MASS: 바람이 다니는 길 권오상 개인전' 소개입니다.
| 권오상 작가는...
작가는 74년 생으로 홍익대 조소과를 졸업하고 포토콜라주, 에어매스 등 작가만의 독특한 작품세계를 구축해나가고 있는 조각가 입니다. '카메라로 조각을 하다' 라는 수식어가 잘 어울리는...
권오상(b. 1974)은 국내외 미술계 무대를 누비며 자신만의 조각 세계를 견고하게 다져왔다. 조각의 범위와 개념을 확장시키기 위한 그의 모색은 무궁무진한 스펙트럼으로 펼쳐졌다. 수백 장의 사진을 붙여 사물과 인물을 이어 붙인 사진 조각 ‘데오도란트 타입(Deodorant Type),’을 시작으로 평면의 콜라주 ‘릴리프(Relief)’, ‘더플랫(The Flat)’ 이를 3차원으로 확장한 더 스컬프처(The Sculpture), ‘뉴 스트럭처’ (New Structure) 시리즈, 그리고 이번 전시에 선보이는 ‘에어-매스(air mass)’시리즈가 그 대표적인 예다.
안소연 평론가의 설명처럼, 조각가인 그는 언제부터인가 헨리 무어(Henry Moore)의 와상(reclining figure)을 참조적으로 전유해 사용하기 시작했다. 그리고 (굳이 추측하자면) 무어의 압도적인 스케일과 중량감에 맞서기 위해서인지 모를, 내부에 공기를 주입시켜 크기를 확대할 수 있는 인플레이터블(inflatable)을 사용해 스스로 매체의 전환점을 마련해 놓았다. 이 ‘에어-매스(Air-mass)’ 연작은 기존의 ‘매스패턴스(Masspatterns)’에 대응하는 일련의 관계도를 구축하며, 조각의 중량감에 관한 문제의식을 증폭시킨다. (*평론글 인용)
비스듬히 기댄 형태와 은하
| 에어-매스(Air-mass)
이번 권오상 개인전은 마치 에어바운스를 연상케 하는 거대한 풍선조각 (에어-매스(Air-mass))연작을 보여주고 있습니다. 약간은 당혹스럽고 난해한 표현방식을 보여줍니다.
권오상 전시회가 열리고 있는 에비뉴엘 아트홀에는 이런 대형작품 5여점과 함께 소품들이 같이 전시되어 있습니다.
이번 전시 ⟪Air-mass: 바람이 다니는 길⟫에서도 그러한 작가의 시도를 증명하듯이, 헨리무어를 연상시키는 비스듬이 누워있는 높이 3.2m 가로 5m가 넘는 시야를 가로막는 거대한 와상이 전시장을 가득 채웠다. 큰 조각(AIR MASS)은 공기로 인해 자립하고, 작은 조각(정물)들이 공기 위에 부양해 있는 이미지로 연출되어 큰 조각과 작은 조각 사이에 바람이 다니는 길이 비로소 완성된다. 마치 미로 정원처럼 그 사이를 관람객이 거닐며 조각 사이의 바람을 느끼고 공유하는 순간이다. 형태와 부피감, 공기와 중량감에 대한 철저한 고민을 통해 탄생한 거대한 에어매스 사이에 거울로 랩핑된 공간은 조각과 조각 사이에서의 무한한 공간감으로 이미지의 숲을 거니는 환상적인 느낌을 제공한다.
구글검색에서 검색한 헨리무어의 작품. 모양이나 콘셉은비슷하지만 느낌은 전혀...
전시장 대형작품 사이로 이런 작은 콜라주 작품들이 전시되어 있습니다 .
| 세조각으로 구성된 비스듬히 기댄 형태. 2023
또 하나의 에어매스 작품입니다.
AIR MASS (에어매스) : 기존의 ‘매스패턴스(Masspatterns)’에 대응하는 일련의 관계도를 구축. 내부에 공기를 주입시켜 크기를 확대할 수 있는 인플레이터블(inflatable)을 사용해 거대한 볼륨 조각으로 탄생시켜 에어매스라 명칭한 신작이라고 하네요.
| 에어매스 속 작은 조각작품들
이번 권오상 전시회에 전시된 작품중 상당수는 꽃을 소재로 작업한 작은 조각작품이 많이 전시되어 있습니다. 제목 또한 '구상'으로 명명된 작품들도 많네요.
상당히 독특한 표현방법과 모양을 보이는데요. 어떤 작업과정으로 만들었는지,작품의 질감과 촉감이 어떤지 상당히 궁금합니다.
| 윌리엄스버그의 중국시 화병과 다람쥐. 2022
윌리엄스버그가 지역을 의미하는지, 사람을 의미하는지, 다른 무언가를 의미하는지 잘 모르겠지만, 뭐라 말하기 어려운 작품입니다만 독특하면서...
무료 전시회에 욕심이기는 하지만 작품에 간단한 작품소개라도 있었으면 좋겠다는 생각이 듭니다.
| 비스듬히 기댄 형태화 체인들
아직은 권오상 작가남 작품으로 입덕하기에는 저의 눈높이가 아직은 따라가지 못하는 것 같네요. 솔직히 독특한 작품에서 나오는 매력이 있지만, 확 끌리는 그것은 다소...
| 비스듬히 기댄 형태
이번 잠실 에비뉴엘아트홀에서 열리고 있는 '권오상 개인전'에 소개된 에어메스 작품중에서 가장 독특한 작품으로 보이네요. 전갈도 아니고, 영화 스타쉽 트루퍼스에 나오는 외계곤충이 생각나기도 하는데요.
저는 작품속의 색상 및 패턴 조화가 마음에 드네요. 느낌이 좋다는...
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난과 스툴....
| 비스듬히 기댄 형태와 데본렉스
이번 AIR MASS: 바람이 다니는 길 권오상 개인전에서 가장 큰 작품이 아닐까 합니다.여러 방향에서 보이는 고양이과 사람의 얼굴... 이집트 스핑크스가 생각나기도 하지만 암튼 이해하기 엄청 어렵네요...
더운 여름이 다가오고 있습니다. 출퇴근 버스나 지하철 등에서 휴대용 선풍기 생각이 간절해지는 시기가 다가오는데요. 오늘은 '프롬비 사일런트 스톰 저소음 휴대용 미니 선풍기' 내돈내산 구입후기 입니다. 전반적으로 무난한 가격과 성능의 핸드 선풍기이지만 단점이 없는 제품은 아닙니다.
오늘 리뷰는 언박싱 > 외관 > 사양 > 소음 > 바람세기 > 단점 및 장점 순서로 진행합니다.
| 4가지 색상 가격 21,440원
프롬비 선풍기 가격은 21,440원 (배송비포함)으로 쿠팡 로켓배송을 통해 구입 했습니다. 에어리블루, 스노우화이트, 미드나잇 블루, 옐로우 4가지 색상이 있는데요. 저는 미드나잇 블루를 구입하고 싶었지만 해당 색상만 품절이어어 에어리 블루 색상의 핸드선풍기로 구입합니다.
먼저 언박싱입니다. 다소 과대포장된 제품이네요. 환경을 생각하면 이렇게 까지 포장해야 했는지... 프롬비 선풍기 단점 중 하나입니다. 박스 쓰레기가 타사 제품에 비해 두 배 이상 나오네요. 환경도 생각했으면...
| 프롬비 선풍기 기본사양
충전식 휴대용 선풍기로 중국산 제품입니다. 2600mAh 배터리로 최대 20시간 사용이 가능하다 하지만 대략 5시간 미만 사용시간을 보입니다. 선풍기 사이즈는 일반적인 사람들 많이 들고 다니는 선풍기 크기를 보여주며. 디자인도 무난합니다. 자세한 내용은 바로 아래 이어서 리뷰진행 합니다.
| 기본 구성품
구성품은 설명서와 선풍기 본체, 충전케이블 (마이크로 5핀), 핸드스트랩으로 구성되어 있습니다. 집에 이런 충전 케이블이 넘쳐 나네요. 법으로 선택옵션으로 만들었으면... 그리고 탁상용 거치대는 없는 제품입니다.
| 무난한 외관과 깔끔한 디자인, 가벼운 무게
프롬비 사일런트 스톰 저소음 휴대용 미니 선풍기 외관입니다. 디자인도 깔끔하고, 마감도 무난합니다. 선풍기 무게는 184g으로 타사 유사한 손선풍기와 큰 차이는 없습니다.
| 접이식 디자인으로 편한 휴대성
해당 제품은 접이식 방식으로 휴대성과 거치성을 제공합니다. 반으로 접으면 가방이나 백속에 수납하기 편하고요. 또한 각도를 조절해서 탁상용으로 사용도 가능합니다.
| 항공기 타공날개 - 소음은 그럭저럭
프롬비 핸드 선풍기 핵심이라고 합니다. 항공기 타공 날개로 소음이 적다고 하는데요. 낮은 세기에서는 상당히 조용하지만 가장 강한 바람에서 생기는 소음은 어쩔 수 없습니다. 다만 소형 선풍기 중에서는 비교적 적은 소음을 보여주는 제품입니다. (무풍 제품은 아니니 가격 고려하면 무난한 소음을 보입니다.)
탁상용 거치 모습으로 무난한 거치감을 보입니다. 또한 접히는 부분에 후크가 있어 휴대중 목 부분이 덜렁 거리거나 굽혀지는 등 느슨해지는 문제점도 해결한 것으로 보입니다.
| 프롬비 선풍기 단점
프롬비 사일런트 스톰 저소음 휴대용 미니 선풍기 가장 큰 단점입니다. 충전 단자가 USB-C 타입이 아닌, 구형 micro-5pin 방식입니다. 물론 집에 마이크로 5핀을 사용하는 기기가 있어 큰 문제는 없지만, 회사에는 케이블 하나 추가해야 되네요.
| 2600mAh 최대 20시간 사용 : 실사용 3~4시간 전후
소형 선풍기에서는 대용량인 2600mAh 배터리가 사용되었습니다. 매뉴얼에는 최대 20시간 사용이 가능하다고 했지만, 강한 바람으로는 3시간도 못가는 것 같네요. 그래도 출퇴근용으로는 무난한 작동시간을 보입니다. 프롬비 선풍기 완충까지는 약 5시간 정도 소요됩니다. 자기 전에 충전하면 아침에 일어나면 완충되어 있는 정도 참고로 프롬비 미니 선풍기는 리튬 이온 배터리로 기내 반입도 가능합니다.
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| 4단 풍속 조절
자연풍 부터 1단계 ~3단계까지 4단계로 손선풍기 바람 조절이 가능합니다. 조작 버튼은 하나로 한 번 누르면 자연풍, 한번 추가할때마다 선풍기 속도가 높아집니다. 전원을 길게 누르거나 5번 누루면 전원 off가 됩니다. 자연풍 ~2단계 까지는 비교적 조용하게 3~4단계에서는 약간의 소음은 감수하셔야 합니다.
| 세척 가능한 안전망
프롬비 선풍기 시계 반대방향 앞부분 안전망을 돌리면 분리가 가능합니다. 전면부 안전망은 별도 세척이 가능하고 날개는 분리 안되지만 물티슈로 살살 닦아서 사용하면 최상의 상태 유지가 가능합니다.
동봉된 핸드스트랩 사진
| 프롬비 선풍기 휴대용 총평 및 장단점
1. 가격무난 디자인 무난, 휴대성 무난, 성능 무난 2. 출퇴근이나 잠깐잠깐 사용하기에 큰 무리 없는 손선풍기
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3. 고속에서는 약간의 소음은 고려해야 함 4. 가장 큰 프롬비 선풍기 단점은 충전단자가 마이크로 5핀인 부분... 보조배터리 등 호환에 불편이 있네요.
현존하는 최고의 공공미술가이자 그래피티 작가로 불리는 '제이알 크로니클스 전시회' 관람후기입니다. 사실 전시 전에는 작가를 잘 모르지 못했는데요. 이번 전시회를 통해 JR의 매력에 빠졌습니다.
과거 그래피티 대가로 키스해링이나 앤디워홀을 말했다면, 현대미술에서는 셰퍼드 페어리 (미국), 뱅크시 (영국) 그리고 프랑스의 제이알이 있다고 합니다. 이번전시회를 통해 저도 100% 동의하게 되었다는....
전시회 소개전에 제이알 크로니클스 전시회 개요와 도슨트, 오디오가이드, 관람시간 등 기본정보 먼저 공유합니다.
| 제이알 크로니클스 전시회 [ JR: CHRONICLES ] 정보
- 기간 : 2023.05.03 - 2023.08.06 / 매일 10:30-19:00 (입장마감 18:30) - 장소 : 롯데월드타워 7층 ㅣ 에비뉴엘 6층 연결 - 가격 : 성인 20,000원, 청소년 15,000원, 어린이 12,000원
참고로 롯데뮤지엄 전시장에는 백팩 등 큰 가방이나 우산은 반입되지 않습니다. 별도 물품보관함과 우산 보관함을 이용하시면 됩니다. 참고로 롯데뮤지엄 물품 보관함은 1시간 무료 보관이 가능합니다. (보통 추가요금 지불하게 되네요)
| 제이알 크로니클스 전시회 도슨트 일정
주말과 공휴일에도 진행하는 도슨트, 롯데뮤지업의 매력입니다. 이번 어린이날 연휴에도 평일과 같이 오전 11시, 오후 2시, 4시 하루 3회 도슨트가 진행되고 있습니다. 5월 5일 어린이날에는 김찬용 도슨트님과 함께 했습니다. 도슨트 소요시간은 50분 전후입니다.
| JR 전시회 오디오 가이드
바이브 (VIBE)앱을 통해 제이알 크로니클스 전시회 오디오가이드를 무료로 이용가능합니다. 무료라고 부실하지 않고요. 상당히 알찬 내용으로 제공됩니다. 이어폰은 필수 입니다. 처음 이용하시는 분들은 앱도 미리 설치하시고 오세요.
| 전시회 개요
롯데뮤지엄은 세계적인 아티스트 제이알(JR, 1983-)의 국내 첫 대규모 회고전 《제이알: 크로니클스》를 개최한다. 2019년 뉴욕 브루클린 미술관(Brooklyn Museum)을 시작으로 독일 뮌헨 쿤스트할레(Kunsthalle Munich)에 이어 서울에서 아시아 최초로 선보이는 이번 전시는 제이알의 문화, 사회, 정치적 주제에 대한 관심과 대중과의 협업을 토대로 초기부터 지난 20여 년간 펼쳐 온 행보를 주요 프로젝트를 통해 소개한다. 나아가 공공 예술로 그 의미를 어떻게 확장했는지 보여준다.
제이알은 작업에 함축된 여러 이야기들을 통해 우리가 세상을 바라보는 관점에 대한 변화를 유도한다. 사진과 페이스트업, 영상, 프로젝트 과정을 기록한 아카이브를 포함한 약 140여 점의 작품들로 구성되는 이번 《제이알: 크로니클스》 전은 국경을 넘어 작가가 전달하고자 하는 동시대의 주요 사회문제에 대한 관심과 대화를 이끌어내는 장이자, 제이알의 독창적인 예술을 경험할 수 있는 기회가 될 것이다.
* 《제이알: 크로니클스》전은 뉴욕 브루클린 미술관 부관장 샤론 맷 앳킨스(Sharon Matt Atkins)와 사진 부문 큐레이터 드루 소여(Drew Sawyer)의 공동 기획으로 마련되었다.
| 제이알 (JR) 크로니클스
제이알은 1983년 프랑스 파리 외곽에서 동유럽과 튀니지 이민자 부모 사이에서 태어났습니다. 10대 시절 친구들과 그래피티를 하던 제이알은 2001년 파리의 지하철역에서 카메라를 발견하면서 아티스트로서 전환점을 맞이합니다. 제이알은 친구들의 그래피티 작업을 기록하며 거리에서 메시지를 전달하는 사람들과 그 이야기에 대해 관심을 가지게 되었고, 2005년 10월 파리 외곽의 클리시수부아에서 발생한 소요 사태를 카메라에 담고 파리 도심 곳곳의 건물 파사드에 거대한 초상화를 설치하며 < 세대의 초상 > 으로 불리우는 첫 프로젝트를 완성합니다.
이 프로젝트는 파리에서 큰 반향을 일으켜 제이알을 처음으로 세상에 알리는 계기가 됩니다. 제이알은 이스라엘과 팔레스타인의 국경을 넘나들며 서로 같은 직업을 가진 사람들의 초상화를 붙인 <페이스 투 페이스 > 등 각국을 여행하며 전 세계 지역사회 주민들의 이야기를 알리고 이름 없는 세상의 그림자를 향한 관심과 시선을 작품에 담아냅니다.
| 관람시간은 최소 2시간
이번 제이알 : 크로니클스 전시회 관람시간은 최소한 두 시간 할애하셔야 합니다. 생각보다 작품 하나하나에 많은 이야가와 메시가 있고, 관련 멀티미디어 정보도 많이 준비되어 있어 서너시간 여유를 가지고 감상하시는 것을 추천 드립니다.
JR 연표 : 1983년 생으로 이제 40에 접어들었네요. 이 나이에 위대한 예술가의 반열에 올랐다니...
| JR 첫 카메라
상당히 독특한 스토리가 있는 카메라입니다. 그가 처음으로 접하고 사진에 입문하게된 필름 카메라하고 하는데요. 보통 이런 스토리는 아버지가 사용하는 카메라를 물려받거나, 아니면 크리스마스 선물로 받거나 이런 아름다운 이야기가 대부분인데...
파리 지하철에 방치된 가방에서 나와 그가 그냥 가지고 왔다고 합니다. 우리나가 기준으로는 절도범이죠. 더구나 카메라는 삼성 필름카메라입니다. 과거 가장 저렴한 레벨의 필름카메라가 이런 작가를 만들었다고 합니다.
| 거리 전시회, 2001년부터 2004년
< 거리 전시회 > 는 그래피티 아티스트로 활동하던 제이알의 첫 번째 사진 프로젝트입니다. 제이알은 지하철역에서 카메라를 주운 것을 계기로 사진 작업을 시작하게 됩니다. 친구를 기다리던 제이알은 우연히 벤치 위에 놓인 가방을 발견합니다. 한참이 지나도 주인이 나타나지 않아 가방을 열어보았더니 카메라가 들어있었습니다. 렌즈도 바꿀 수 없고, 필름과 작은 배터리 두 개만 넣으면 되는 오래된 카메라였습니다. 파리 곳곳에 자신의 이름을 새기며 그래피티에만 열중하던 제이알은 말로는 설명하기 어려운 생동감 있는 거리 모습을 기록하기 위해, 카메라를 들고 친구들의 모습을 찍기 시작합니다.
이번 섹션에서 볼 수 있는 사진들은 제이알이 첫 번째 필름으로 찍은 열두 장의 사진에서 시작합니다. 학창시절 사진에 대해 배울 기회가 생긴 제이알은 자신이 찍은 이미지를 복사해서 친구들에게 나눠주기도 하고, 거리의 광고판이나 기차역 노선도 그의 사진으로 바꿔 넣기도 합니다.
사진으로 남겨진 그의 초기 그래피티 작품들...10대 후반부터 20대 초반에 작업한 작품들입니다. 다른 그래피티 작품들과 다르게 사진과 결합한 부분이 독특합니다.
그는 그래피티 작업과 공공미술의 이미를 이렇게 생각하고 있네요.
| Expo 2 Rue
작가는 작은 크기의 흑백 사진을 사람들 눈에 잘 뛰도록 여러 장으로 이어 붙인 뒤, 빨간 스프레이로 테두리를 그리고 불어로 엑스포 두 휘 (Expo 2 Rue)를 써서 본인의 사인을 남겼습니다. 바스키야의 왕관이 생각나는...
Portrait of a Generation
세대의 초상 2004~2006
| 세대의 초상
< 세대의 초상 > 에 등장하는 인물들은 파리 교외 지역인 몽페르메유의 주거 단지 '레부스케'와 클리시수부아의 '라포레스티에흐'에 사는 청년들입니다. 제이알의 첫 공공 프로젝트인 < 세대의 초상 ) 은 2005년 파리에서 발생한 소요사태 중 본격적으로 진행됩니다. 2005년 경찰의 검문을 피해 발전소에 숨어든 두 소년이 감전 사고로 사망하는 사건이 발생합니다. 이로 인해 대규모 폭동이 몽페르메유를 포함한 파리 여러 지역에서 발생하면서 후드 티를 입고 얼굴을 가린 청년들이 자동차를 불태우고, 폭력을 행사하는 모습이 뉴스에 나오기 시작합니다.
그러나 미디어를 통해 그려진 모습과는 달리, 당시 시위에 가담하지 않은 청년들도 있었고, 동네에 배치된 군인들로 인해 일상 생활 유지에 어려움을 겪는 청년들도 있었습니다. 당시 언론이 멀리서 주민들을 촬영해 지역 상황을 보도하려 한 것과 달리, 제이알은 28미리 광각 렌즈를 사용해 사람들을 가까이에서 담고자 했습니다.
| 세대의 초상 , 그리고 철거된 고층 주거지, 2013년
철거 중인 것으로 보이는 사진 속 건물은 제이알과 친구들이 처음 건물에 사진을 붙인 장소입니다. 소요사태가 일어난 후, 정부 기관에서 레부스케 지역의 건물들을 철거하려 하자, 제이알과 그의 팀은 이곳을 다시 방문합니다. 그들은 <세대의 초상 > 을 진행하던 당시 촬영한 초상사진을 건물 내부에 붙이기로 합니다. 밤마다 건물 안으로 몰래 들어가, 부억에는 눈 사진을, 화장실에는 코를, 거실에는 입을 붙였습니다. 한 번은 작업을 마치고 건물 밖으로 나와서 경찰에게 붙잡혔지만, 경찰은 철거를 앞둔 건물에서 그들이 한참을 머무른 이유에 대해 정확히 알 수는 없었습니다. 철거가 시작되고 크레인이 건물을 조금씩 허물어 갈수록 거대한 얼굴들이 모습을 드러내기 시작했습니다. 이 엄청난 광경은 철거 현장에 있던 지역 주민들만 실제로 목격할 수 있었습니다.
철거건울에 무단으로 침임? 들어가서 건물 안쪽에 작업했다고 합니다. 이후 건물이 철거되면서 자연스럽게 그의 작품이 노출되는 효과를...
| 브라카쥐, 래드 리, 2004년
<브라카쥐, 래드 리>는 <세대의 초상> 프로젝트의 첫 번째 사진이며 작가 작업의 근간이 되는 상징적인 이미지입니다. 사진 전면에는 무기처럼 카메라를 들고 서 있는 제이알의 친구이자 영화 <레 미제라블> 감독인 래드 리가 있습니다. 사진 뒤편에는 건물 벽에 불어있는 제이알의 사진들이 보입니다. 래드 리를 찍기 위해 제이알이 렌즈 초점을 맞추는 동안 동네 아이들이 같이 사진을 찍고 싶다며 다가왔고, 이 사진은 그 순간을 우연히 담아낸 것 입니다. 계속해서 레부스케에서 작업을 이어가던 제이알과 래드는 오랜 시간 방치된 건물에 사진을 붙이기로 합니다. 경찰의 제지를 막기 위해, 동네 아이들에게 도움을 청했고, 건축 도면을 출력하는 특수 프린터로 사진을 뽑아 건물 외벽에 불였습니다. 레부스케 시장은 제이알을 고소했지만, 신분을 드러내지 않고 작업하는 작가를 찾기는 매우 어려웠습니다.
전시장에 들어오면서 잠깐 작품을 보았을 때 아프리카 분단 지역의 총을 든 군인과 어린 병사들이라고 생각했는데요. 자세히 보니 그가 들고 있는 것은 총이 아닌 레코더 입니다. 장소도 파리... 인간의 편견에 대해 다시 생각해보는...
| Face 2 Face
페이스 투 페이스, 2006년에서 2007년
2005년 친구 마르코와 함께 팔레스타인과 이스라엘을 방문한 제이알은 두 번째 공공 프로젝트인 <페이스 투페 이스 > 를 시작합니다. 사진에서는 교사나 의사, 운동선수, 예술가 등 직업을 가진 팔레스타인과 이스라엘 사람들의 얼굴을 보여줍니다. 사람들은 누가 팔레스타인인인지 아니면 이스라엘인인지 쉽게 구분하지 못했지만, 격렬한 교전이 벌어지고 있던 당시 두 지역 사람들은 강한 적대감을 가지고 서로를 다르다고 생각했습니다. 직트.하지만 제이알은 프로젝트를 진행하면서 두 지역 사람들과 가깝게 소통하게 되고 나서, 그들에 대한 고정관념이 서 서히 사라지게 됩니다.
팔레스타인에 도착해서 처음 만난 택시 기사는 너무 친절했고, 제이알은 택시 기사에게 프로젝트를 설명하고 사진을 찍겠냐고 제안했습니다. 택시 기사는 제안을 받아들였고, 작품에 사용하도록 허락합니다. 제이알이 반대편에 있는 이스라엘 지역의 택시 기사도 만날 것이라고 말하자, 택시 기사는 이스라엘 사람들은 절대허락하지 않을 거라고 말했습니다.
아래 영상의 왼쪽은 이스라엘, 오른쪽은 팔레스타인 입니다. 서로가 악마라 비난하지만 사진에서 인물을 구분하지는 못한다는...
The Wrinkles Of The City
도시의 주름 2008~2015
| 도시의 주를 이스탄불 2015년
도시에는 각기 다른 시기에 지어진 건물들이 공존합니다. 오래된 건물이 사라지고 새로운 건물이 들어서기도 하고, 동시에 금이 간 오래된 건물이 있기도 합니다. 제이알은 이런 복잡성을 지닌 도시를 배경으로 삼아 < 도시의 주름 > 프로젝트를 시작합니다. 튀르키에 이스탄불은 오래된 건물과 세월의 흔적을 보여주는 주름을 가진 노인이 많이 살고 있었기에 제이알에게 프로젝트를 진행하기 더없이 좋은 도시였습니다. 제이알은 가는 곳마다 거리에서 만나는 사람에게 작업에 참여해 줄 수 있는지 묻고, 도시의 역사를 겪은 주름이 많은 노인을 아는지 확인했습니다. 그다음 도시 곳곳을 누비며 사진을 불일 건물을 찾고, 그 곳을 사용하기 위해 건물주의 동의를 구했습니다. 건물의 뒤쪽이 무너져 마치 머리 뒷부분이 생략된 것처럼 보이는 남성 사진이 붙어있는 건물 역시 주인에게는 허락을 받았지만, 시에서는 허락해주지 않아 제이알은 늘 그렇듯 허가없이 작업을 이어 나갔습니다.
| 도시의 주름, 하바나, 2012년
<도시의 주름, 하바나>는 쿠바의 수도이자 주요 항구 도시인 하바나에서 진행했습니다. 쿠바 주민들은 피델 카스트로나 체 게바라 같은 정치 혁명가가 그려진 벽화만 접해 왔기 때문에 제이알은 거리에 평범한 사람들의 얼굴을 전시하기로 합니다. 제이알은 쿠바계 미국인 아티스트인 친구 호세 팔라와 함께 도시의 역사를 지켜본 노인을 찾아서 사연을 듣고, 그들의 사진을 하바나의 무너져 가는 건물 벽에 불였습니다. 이 작품에는 사랑스러운 노부부 한 쌍이등장합니다.
대부분 개인의 사진을 찍지만, 항상 한 쌍의 커플을 프로젝트에 참여시켰던 제이알은 식사하러 가던 중에 우연히 이 부부를 발견했습니다. 부부는 흔쾌히 사진 촬영에 응했지만, 프로젝트 참여에 동의하는지를 묻지 못했습니다. 프로젝트에 부부를 간절히 참여시키고 싶었던 제이알은 도시 곳곳을 돌아다니며 이들에 대해 수소문했고 마침내 그들이 항상 같은 시간에 음악을 연주한다는 장소에 찾아가 이들에게 프로젝트에 참여해 달라는 제안을 합니다.
| 폐이스팅의 과정과 목업
이 자료는 제이알이 사진을 건물에 설치하기 전에 준비 과정에서 제작했던 스케치 목업 입니다. 종이를 가까이서 살펴보면 검은색과 흰색 점으로 이루어져 있지만, 멀리서 보면 하나의 이미지로 보입니다. 제이알은 사진을 부착할 때마다, 건물의 치수를 재고 그에 맞게 사진의 사이즈를 조절합니다. 그래서 건축물의 규모에 따라 사진의 사이즈 또한 매번 달라집니다. 제이알은 건축 도면을 인쇄하는 프린터를 사용해, 폭이 90센티미터인 얇고 긴 형태의 출력 물을 퍼즐 조각들처럼 이어 붙입니다. 작은 사이즈로 인해 정확하지는 않지만, 이 스케치 목업을 통해 사진이 건물 에 잘 어울릴지 전체적으로 살펴볼 수 있습니다.
또한, 제이알은 건물에 사진을 붙이기 위한 다양한 방법을 연구합니다. 비계나 사다리, 크레인 등 여러가지 방법이 있는데, 건물이 얼마나 복잡한 구조인지 아니면 그 옆에 어떤 건물이 있는지에 따라 매번 다른 접근 방법을 찾아냅니다.
아래는 그가 작업하는 종이샘플이 전시되어 있습니다. 제이알 크로니클스 전시장 곳곳에 설치되어 있는 멀리미디어 영상을 보면 작품의 설치 부터 철수(제거) 과정을 감상할 수 있습니다.
Women are Heroes
여성은 영웅이다,라이베리아, 2008년
2008년부터 2010년까지 세이알은 장모니아. 인도 케냐 라이베리아 시에라리운 등세계 여러 2008년부터 2010년까지 제이알은 캄보디아, 인도, 케냐, 라이베리아, 시에라리온 등 세계 여러 도시들을 다니며 < 여성은 영웅이다 > 프로젝트를 진행합니다. 이 작업은 가정폭력이나 강간, 아동 살인 등 크나큰 고통 속에 살아온 여성들의 눈과 얼굴을 찍은 사진들을 도시 곳곳에 설치하는 것이었습니다. 2008년 서아프리카 라이베리아로 갑니다. 라이베리아는 내전 직후라 반군이 아주 많았고, 유엔 관계자도 파견되어 있었습니다. 제이알은 친구와 함께 거리를 걷다가 유엔의 통제를 받지 않는 위험할지도 모를 구역에 들어가 작업을 시도합니다. 그 곳에는 부서진 다리가 있었고 다리 한가운데 반군 무리가 지키고 있었습니다. 제이알과 친구는 수상함을 느낀 반군에게 검문을 받게 되었고, 제이알은 다리 옆쪽에 사진을 부착하고 싶다고 말했습니다. 반군은 가능하지만 금전적인 대가를 지불해야 한다고 주장했고, 제이알은 광고가 아니기 때문에 돈을 낼 수 없다며 언쟁을 이어갔습니다.
| 여성은 영웅이다, 키베라, 2009년
라이베리아 프로젝트 이후, 제이알은 케냐 나이로비에 있는 슬럼가 '키베라'에 가서 <여성은 영웅이다 > 를 진행합니다. 키베라에 도착한 작가는 두 가지를 깨닫게 됩니다. 첫째는 아무도 키베라를 찾지 않는다는 사실과, 둘째는 그곳 주민들은 파리 빈민가 사람들처럼 언론이 자신들을 왜곡해 보도한다고 생각한다는 사실입니다. 이후 제이알은 키베라 주민들과 의견을 나누며 어떠한 방식으로 작업을 진행할지 고민합니다. 그러다 하늘에서 세상을 내려다 볼 수 있는 위성 지도 '구글 어스'를 떠올리며, 사진을 지붕에 붙이는 아이디어를 제안했고, 지역 주민들과 대화 끝에 그들의 의견을 반영해 그동안 사용한 종이가 아닌 비를 막을 수 있는 비닐에 여성의 얼굴을 인쇄해 지붕에 설치를 합니다. 전쟁이 일어나면 여성은 약자로서 가장 먼저 피해자가 되었지만, 가족을 지탱하고 곳꽃하게 지역사회를 단합시키는 것은 바로 여성의 힘이었습니다. 또한 남성은 주민들을 보살피고 벽이 무너지지 않도록 굳건히 붙든 존재였습니다.
아래 사진은 해당 프로젝트에 참여한 모델들의 사진이라고 합니다. 세로로 동일 인물이고 붉은 백자는 여러 사진중에서 JR과 모델이 협의하여 선택된 사진이라고 합니다.
Chronicles of Clicny-Montfermeile
클리시-몽페르메유 연대기, 2017년
제이알이 최근 진행하고 있는 대형 벽화 프로젝트는 멕시코 아티스트 디에고 리베라의 벽화에서 영감을 받아 시작했습니다. 제이알의 벽화 프로젝트로써 처음 제작된 < 클리시-몽페르메유 연대기 )는 과거 <세대의 초상>을 진행했던 프랑스 클리시-몽페르메유 지역에 대한 이야기 입니다. 제이알은 초록색 배경지와 조명 두 개를 준비해 친구 래드 리와 무작정 거리로 나서 벽화 프로젝트에 참여할 사람들을 모집했습니다. 참여자들은 스스로 벽화에서 표현되고 싶은 모습을 결정했습니다. 제이알은 이 지역의 다양하고 복합적인 모습을 한 화면에 담기 위해 정체를 숨긴 마약상부터 < 세대의 초상 > 에 참여했던 사람들을 최대한 찾아, 다시 이 작품에 등장시키려 노력했습니다. 그렇게 총 850명의 사진을 찍었고, 심지어 그 중에는 <세대의 초상 > 작업 당시, 제이알을 고소했던 시장도 있었습니다 제이알은 이 벽화를 파리 '팔레 드 도쿄' 미술관에서 처음 공개했습니다.
앞에서 850명의 사진을 찍었다고 했는데요. 해당 작품은 한 명 한 명 인터뷰후 개별촬영을 진행하고 이후 합성한 작품이라고 합니다. 스케일도 대단하지만 이런 작품을 구상할 수 있다는 것부터가 거장의 반열에 오를만 하다는...
제이알의 클리시-몽페르메유 연대기는 여섯 개의 패널로 나뉘어 있습니다.
#1
#2
#3
#4
#5
#6
The Chronicles of San Francisco
샌프란시스코 연대기, 2019년
< 샌프란시스코 연대기 >는 제이알과 그의 팀이 도시 곳곳을 돌아다니며 샌프란시스코 전체를 배경으로 진행한 벽화 프로젝트입니다. 샌프란시스코는 최신 유행을 선도하고 첨단 기술이 발달해 전 세계인에게 영감을 주는 동시에, 그 이면에는 마약상이 넘쳐나는 아이러니한 도시입니다. 제이알은 이 도시가 가진 복잡다단한 측면을 어떻게 벽화로 나타낼지 고민한 끝에 벽화를 영상으로 제작해 사람들이 움직이는 모습을 연출하기로 합니다.
동네 여러 장소를 돌아다니며 다양한 사람들의 모습을 담기 위해 대형 포토 부스 트럭을 운영하며, 한 달간 1,200명이 넘는 사람들을 찍었습니다. 제이알은 지나가는 사람에게 말을 걸어 프로젝트에 관해 설명한 후 촬영을 진행했습니다. 이 벽화는 단체사진이 아니라, 개개인을 개별 촬영한 후 결합해 하나의 작품으로 만드는 것이었기 때문에, 참여자가 벽화에 어떤 모습으로 등장할지 스스로 결정하는 것이 아주 중요한 일이었습니다.
사진속 노숙자들 샌프란시스코는 부촌이지만 노숙자가 가장 많은 도시이가도 하다고 합니다.
이 작품은 평면 사진이 아닌 이런 스타일의 입체사진 입니다. 1년 반의 작업기간이 느껴지네요.
인종계 계층의 다양성...동성애 상징인 유니콘과 키스하는 동성애자. SF가 미국에서 가장 개방? 된 지역이죠?
| 카사 아마렐라(Casa Amarela), 2009년
제이알은 브라질의 외진 도시에서도 < 여성은 영웅이다 ) 를 진행합니다. 그러던 어느 날, 리우데자네이루 빈민가 모로다프로비덴시아 지역의 한 참여자가 제이알에게 학교도 지역 커뮤니티도 없는 이곳에서 새로운 프로젝트를 시작하자고 제안합니다. 그러자 이 지역 출신 사진가인 '마우리시오 호라'가 빈민가 언덕 꼭대기에 매물로 나온 집을 알려주었고, 제이알은 그 집을 샀습니다. 이 집은 경찰과 마약상이 총격전을 벌일 때마다 총알이 주변에 많이 날아오기 때문에 아무도 관심을 갖지 않는 곳이었습니다.
제이알은 우연한 기회로 노란색 페인트를 구해 그 집을 칠했고, '이곳은 문화센터도 학교도 아닌, 지역사회를 위한 장소입니다. 라고 써 붙였습니다. 그렇게 이 집은 포르투갈어로 노란 집이라는 뜻인 '까사 아마렐라'가 됩니다. 처음에는 의자나 테이블도 없고, 어면 운영 프로그램이나 아이디어도 없었습니다.
참고로 카사 아마렐라는 노란집이라는 의미라고 합니다. 도슨트 분께서 건물 안쪽 사진을 보여 주셨는데. 실내가 ~
| The Guns Chronicles : The Story of America
총기 연대기: 미국의 이야기, 2018년
< 총기 연대기: 미국의 이야기 ) 는 미국의 총기 사용에 대한 다양한 관점을 시각화한 비디오 벽화입니다. <클리시-몽페르메유 연대기 ) 의 영향력을 몸소 느낀 제이알은 이 작품에서 참여자들의 모습뿐만 아니라 그들의 목소리를 담은 영상을 제작하기로 합니다. 마침 작가는 2018년 11월 [타임 지 표지 디자인을 의뢰 받으면서, 미국 총기 사건을 주제로 작업을 시도 해보기로 합니다. 사람들이 원탁에 모여 토론을 벌이는 장면을 상상하며, 총기 수집가, 사냥꾼, 경찰, 총격 희생자, 총기 난사 사건의 피해자를 치료하는 의료진, 총기 산업의 로비스트 등 여러 이해관계에 업힌 사람이 함께 등장하는 장면을 기획합니다. 제이알은 미국 전역을 돌아다니며 참여자를 찾았고, 이들은 각자의 사연을 공유하고 총기에 대한 개인적인 의견을 이야기했습니다. 마침내 250명의 사람들이 토론에 참여하고 있는 듯한 모습을 연출한 < 총기 연대기: 미국의 이야기 > 가 완성되어, 미국 전역에서 전시되었습니다.
이 작품은 정적인 사진 작품이 아닙니다. 아래 영상으로 확인해 보세요. 단순 사진뿐만 아니라 연출력이 대단하네요.
The Chronicles of New York City
뉴욕 연대기, 2019년
제이알은 2019년 뉴욕이라는 도시를 무대로 <뉴욕 연대기 ) 를 제작합니다. 짧지 않은 시간을 뉴욕에서 살았지만, 항상 같은 곳만 다니다 보니 이 도시에 대해 잘 몰랐었다는 생각이 든 제이알은 뉴욕의 다양한 자치구들을 방문해 프로젝트를 진행하기로 합니다. 제이알은 다섯 개의 자치구를 돌며 늘 그랬듯 거리에 지나가는 사람들의 어깨를 두드리며 당신의 이야기를 들려 달라고 요청했습니다. 그렇게 몇 분 전만 해도 그냥 거리를 지나가던 행인은 제이알의 벽화 속 주인공이 되었습니다. 제이알은 촬영한 사진들을 가지고, 뉴욕을 상징하는 건축물 사진에 함께 조합해서 모든 주민과 지역사회를 담은 뉴욕을 형상화한 벽화를 만들었습니다. 또한 제작 과정에서 뉴욕에 사는 대부분의 사람들은 자신이 다른 지역에서 왔어도 스스로를 뉴요커라고 생각하는 흥미로운 공통점을 알게 됩니다. 제이알은 <뉴욕 연대기 > 를 작업하면서 작가 자신도 현재 살고 있는 도시에 대해 배워나가는 놀라운 여정이었다고 이야기합니다.
제이알 작품속에는 지인이나 작가 자신이 등장하는 경우가 종종 있습니다. 이 사진에도 역시나 찾아보세요.
| JR 영상실
4편이 상영되고 있는데요. 모든 작품을 보려면 한 시간이 필요합니다. 이 부분도 고려하셔서 제이알 크로니클스 전시회장 방문하세요
다음 공간으로 넘어가는 통로
Inside Out
인사이드 아웃, 2011년도부터 진행중
2011년 테드 프라이즈를 수상한 제이알은 무대에 올라 세상을 바꿀 수 있는 아이디어를 사람들과 공유할 수 있는 기회를 얻게 됩니다. 작가는 청중을 작업에 참여시킬 수 있는 공공미술 프로젝트 < 인사이드 아웃 ) 을 기획하게 됩니다. 제이알은 누구든지 사진을 찍어서 제이알 스튜디오로 보내면 사진을 출력해서 전 세계 어디로든 무료로 보내주기 시작했습니다. 그렇게 전 세계 141개 국가에 40여만 장의 사진 포스터가 발송되었고 현재도 많은 사람들이 이 프로젝트에 참여하고 있습니다. 제이알은 < 인사이드 아웃 > 을 진행하면서 세상에 자신을 표현하고 무언가를 시도하고 싶어하는 사람들이 많다는 사실을 깨닫게 됩니다. 전시장 벽면을 채운 여러 대의 모니터에서 재생되고 있는 영상은 < 인사이드 아웃 > 에 참여한 사람들의 기록이자 전 세계 다양한 도시에서 프로젝트를 진행한 사람들의 모습을 보여주고 있습니다
해당섹션도 설명보다는 영상으로 확인하세요.
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전시장 한켠에는 세계지도와 함께 지도위에 핀이 박혀 있습니다. 이곳들은 바로 인사이드 아웃 프로젝트에 참여한 국가
사진을 보내면 인쇄해서 무료로 보내준다고 하는데요. 자발적인 도네이션을 유도하고 있다고 합니다. 도네이션 비중이 상당히 높다고 하네요.
제이알 크로니클스 전시회 (JR: CHRONICLES) 마지막 공간입니다.
| 테하차피, 2019년
2010년 제이알은 미국 캘리포니아에 위치한 테하차피 교도소를 방문해 재소자들과 함께 프로젝트를 진행합니다. 테하차피 교도소는 수많은 담장과 전기 울타리, 방탄조끼를 입은 교도관들이 있는 보안이 엄격하기로 유명한 곳으로, 미국에서 가장 폭력적인 교도소 중 하나로 꼽힙니다. 프로젝트 착수 전에 교도관과 재소자들, 그리고 재소자들로부터 피해를 입은 사람들 등 많은 이들을 설득해서 동의를 구해야 하는 어려운 시간들이 있었지만, 제이알은 포기하지 않았고 재소자들 각자의 사진을 찍고 그들의 사연을 녹음했습니다. 이후 제이알은 뉴욕으로 돌아가 2주동안 스튜디오에서 338장의 사진을 출력했고, 교도관, 재소자들 모두가 교도소 운동장에 모여 사진을 함께 붙였습니다.
작업을 마친 운동장은 마치 사람들이 감힌 커다란 구덩이의 모습이었습니다. 제이알과 그의 팀은 이후로도 교도소를 꾸준히 방문해 다양한 프로젝트를 진행하는데, 그러던 중 놀라운 일이 일어났습니다.
재소자의 1/3이 저 낮은 레벨의 교도소로 이감되고 1/3은 출소했다고 합니다.
제이알 공공미술 철학은 볼 수 있는 좋은 예. 교도소의 10미터 담벼락이 뒤의 산과 어떻게 조화를 이루는지...
| 루브르에서 그리고 거대한 피라미드의 비밀, 2019년
2016년 루브르 미술관의 초청을 받아 피라미드에 설치를 진행한 이후, 제이알은 2019년 루브르 피라미드의 30주년을 기념하여, 미술관의 나폴레옹 광장 전체를 덮는 <아나모포시스> 설치를 다시 한번 선보입니다. 제이알은 2019년에는 온라인으로 400명의 자원봉사자를 모집해 십 미터 길이로 출력된 종이 이천 장을 거대한 퍼즐처럼 이어 붙이는 대형 콜라주 작업을 함께 진행했습니다.
광장에 풀로 붙인 종이가 수많은 사람들의 발길에 씻어지면서 뜬겨 나가자, 사람들은 이 종이 조각들을 집으로 가져가 액자에 넣거나, 또는 쓰레기통에 버리는 등 다양한 반응을 보였습니다. 작품이 상당 부분 손상되었을 때, 사람들은 무엇이 작품인지, 어디에 사진이 있는지, 무엇이 아름다움 인지 확신을 할 수가 없었습니다. 이렇게 다양한 질문과 반응, 의문이 발생하는 평범치 않은 순간들 조차 예술이라고 생각하는 제이알은 이 프로젝트를 통해 궁극적으로 존재와 부재, 현실과 기억, 영원의 본질에 관해 이야기 합니다.
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| 이주자들, 국경을 넘은 소풍, 2017년 2019년
2017년 제이알은 멕시코 테카테에 사는 한 살짜리 아이 키키토의 사진을 미국과 멕시코 국경에 설치했습니다. 많은 사람들이 울타리 너머 내려다 보는 듯한 모습의 거대한 아이 사진을 보러 와서, 국경의 울타리를 통해 스마트폰을 주고받으며 서로의 사진을 찍었습니다. 한 달 내내 국경에서 만나 스마트폰을 주고받는 사람들을 보고, 제이알은이 프로젝트를 한 단계 더 발전시켜 마무리 지어야겠다 결심합니다.
키키토 설치 마지막 날, 제이알은 국경 울타리 양쪽에서 대규모 피크닉을 열었습니다. 모두 함께 모여 점심을 먹기 위해 국경을 관통하는 테이블을 만들려고 계획했지만, 미국에서는 허가해 주지 않았습니다. 하지만 제이알은 포기하지 않고 계획을 진행합니다. 작가는 멕시코에 서 태어나 불법 이주한 부모를 따라가 지금은 샌프란시스코에 살고 있는 '마이라'라는 여성의 눈을 촬영해 테이블에 불였습니다.
자이언츠 키키토 작품은 아래 동영상을 꼭 보셔야 합니다.
이번 롯데아트홀 제이알 크로니클스 전시회 마지막 공간에는 작가 JR에 메시지를 보낼 수 있는 공간도 있습니다. 좀 생각해서 한 번 보내볼까...
오늘 소개할 전시회는 삼성동 마이아트뮤지엄에서 열리고 있는 루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 관람후기 입니다. 이번 전시회의 가장 큰 매력은 아마도 20세기 모던아트부터 현대미술까지 해당기간 주요한 미술사조를 이끌던 작가들의 작품을 한 곳에서 미술자조별로 만나볼 수 있는 부분이 가장 큰 매력으로 생각됩니다.
| 피카소와 20세기 거장들 전시정보
Picasso and the 20th century Masters
전시기간 : 2023. 3. 24 - 8. 27 / 10:00 - 20:00 (입장마감 19:00) 장소 : 마이아트뮤지엄 (서울특별시 강남구 테헤란로 518 섬유센터빌딩 B1층) 성인 : 20,000원, 청소년 16,000원, 어린이 12,000원
| 스마트폰 사진촬영만 가능
이번 루드비히 미술관 컬렉션에서는 휴대폰 / 스마트폰 사용한 일반적인 사진촬영은 가능합니다.
전문카메라나, 동영상, 셀카봉 등은 사용할 수 없으니 참고하세요.
| 도슨트는 사전예약, 주중 2회
이번 피카소 전시회 도슨트는 인터파크 티켓을 통해 사전에약방식으로 진행됩니다. 한 최차 40명으로 인원제한이 있으며 개별 오디오 송수진기를 사용한다고 안내되어 있습니다.
매주 월-금 2회 진행되며 (10시, 17시) 공휴일 및 5월 11일, 5월 12일 미운영되며 5월 도슨트는 채보미 도슨트와 이지안 도슨트가 수고해 주신다고 합니다.
마이아트뮤지엄은 한·독 수교 140주년을 기념하여 루드비히 미술관 컬렉션 전시를 2023년 3월 24일부터 8월 27일까지 개최한다. 루드비히 미술관은 쾰른 최초의 현대 미술관으로 피카소, 달리를 비롯해 팝아트의 거장인 앤디 워홀 등의 다수의 작품을 소장하고 있다. 특히 세계 세 번째 규모의 피카소 컬렉션과 세계 최고 수준의 팝아트 컬렉션은 미술애호가들로부터 많은 찬사를 받고 있다. 이번 전시는 쾰른 루드비히 미술관과 마이아트뮤지엄의 긴밀한 협업으로 이루어진 특별 전시로서, 20세기 모던아트부터 현대에 이르기까지의 주요한 예술사조와 거장들의 작품들을 아우르는 컬렉션으로 구성되어 있다.
독일 표현주의, 러시안 아방가르드, 초현실주의, 추상 표현주의, 팝아트, 미니멀리즘 등 20세기 격변의 시대에서 태동한 예술운동의 배경과 서양 미술사의 발자취를 그려내고, 이에 영향을 받은 현 세기의 독일 예술도 조망한다. 특히 피카소, 샤갈, 칸딘스키, 워홀, 리히텐슈타인 등 20세기 거장들의 작품을 포함하여 세계적으로 걸출한 컬렉션을 소개한다는 점뿐만 아니라, 폭 넓은 작품들을 루드비히 미술관이 소장하게 된 배경과 그 작품들을 독일의 정치적인 탄압과 분단과 통합 과정에서 보존한 시민들의 역할을 한국 관람객들에게 선보인다는 점에서 특별한 전시가 될 것이다
01. 독일 표현주의와 러시안 아방가르드
German Expressionism and Russian Avant-garde
20세기 초 새로운 예술의 표현을 갈구하던 독일의 예술가들은 갤러리들의 전폭적인 지지를 받으면서 급부상했다. 그 가운데 1912년 뭔헨에서 칸딘스키를 중심으로 주창된 독일 표현주의파 예숲운동인 '청기사파'와. 다리파'가 형성되었는데, 두 집단 모두 19세기 사실주의와 인상파 화풍에서 탈피하고자 하였고 대신 거친 붓자국과 원색의 과감한 색채를 통해 인간 본성의 순수하고 원시적인 역동성을 표현하는데 주력했다. 요제프 하우브리히는 나치에 의해 '퇴페미술'이라고 치부되고 역압되었던 이 작품들을 소장했다. 독일 표현주의가 한창 일어나고 있을 때 즈음 거의 같은 시기에 러시아에서는 사회 격변과 함께 러시안 아방가르드로 불리우는 예술적 실천과 이론이 급속도로 확산되었는 데 '광선주의, '절대주의'와 같은 회화 양식이 이에 해당한다. 루드비히 부부는 독일을 넘어 당대 다른 정치 체제에 있던 러시아를 포합한 동구권 나라의 작품들도 소장하였으며, 러시안 아방가르드의 거장인 말레비치와 곤차로바의 작품들이 제 1장에 포함된다. 격변 속 혁신적 표현이라는 공통분모를 취하고 있지만, 두 나라의 예술가들은 인습 타파에 대한 접근과 표현법에 있어 서로 다른 관점과 예술적 실천을 보여주었다.
| 프란츠 마르크 : 소들
바실리 칸디스키와 함께 청기사파를 결성한 독일의 표현주의 화가
동물과 풍경에 능했으며, 푸른말, 세계의 염소 등 작품들을 남겼다.
| 알렉세이 폰 야블렌스키
독일에서 활동한 러시아 작가라고 한다. 군인이었는데 미술로 전환, 고흐 고갱 세잔의 영향을 받아 사실주의에서 표현주의로 이동하였다고 한다. 한 대상의 개별적인 특징을 표현한 초상화를 주로 그렸다고 한다.
청기사파 [The Blue Riderl]
청기사(Der Blaue Reiter)' 즉 '푸른 기사'라는 낭만적인 이름의 이 화파는 1909년에 결성된뮌헨신미술가협회(Neue Künstlervereinigung Munchen)에 속해 있던 일단의 화가들이 주축이 되어 만든 그룹인데 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)는 협회장을 맡아 첫 번째 뮌헨 신미술가 협회전을 개최했다. 프란츠 마르크(Franz Marc) 역시 청기사파를 이끈장본인이다. 이화파의 이름은 뒤뜰에서 두 화가가 커피를 마시다가 생각해낸 이름이었다. 마르크가 좋아하는 말, 칸딘스키가 좋아하는 기사 모티프에 둘 다 좋아하는 청색을 더해서 즉흥적으로 만들었다.
케테 콜비츠 : 애도 & 빌헬름 렘브루크 : 고개를 돌린 소녀의 토르소
바실리 칸디스크 : 흰 붓자국
특히, 칸딘스키에게 청색이란 물질주의에 대항하는 정신성을 상징했다. 마르크는 커리어 초기 동물을 주요 모티프로 작업했는데, 칸딘스키를 만나면서 색에 상징성을 더욱 뚜렷하게 두었다. 그의 아내 마리아 마르크의 화풍 또한 칸딘스키를 접하면서구조적인 선, 선명한 색채와 역동성을 띠게 되었다.
빌리 바우마이스터 : 파란 조각과 서 있는 형상
독일의 화가로, 제1차 세계대전 이후 독일추상화의 개척자. 왕성한 탐구정신을 발휘해 네오플라스티시즘·구성주의·아프리카예술·선사학 등과 관련해 다양한 작풍을 전개했다.
오스카 코코슈카 : 페터 바우만의 초상화
루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 전시회장은 작품 또는 미술사조에 맞추어 전시관 컬러에도 많은 신경을 썼네요.
| 카지미르 말레비치 : 슈프리무스 38번
말레비치는 <슈프리무스 38번>에서 크고 작은직사각형과 삼각형의 집합체를 흰색 배경 위에구성하였다, 말레비치가 주요 색으로 규정하여자주 사용한 흰색, 검은색, 빨간색 외에도 노란색.녹색, 파란색 등 많은 색채가 사용되고 있다. 이작품의 제목인 '슈프리무스(Supremus)'는말레비치가 1915년부터 1922년까지 제작한 자신의절대주의 그림에 붙인 시리즈 명이지만 매겨진번호에 대한 자세한 내용은 밝혀지지 않았다.
| 나탈리아 곤차로바 : 오렌지 상인
러시아 민속미술에서 영향을 받은 신 원시주의, 미래주의 등에 많은 영향을 끼쳤다고한다. 스페인 풍속과 여성에 영감을 받아 15점의 연작을 제작했다고 한다. 해당 작품은 이중 한 점이라고...
절대주의 [Suprematism]
절대주의는 러시아 아방가르드 최대 예술가 중 한 명인 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)에 의해 시작된 기하학적 추상주의의 한 흐름으로서 원래는 입체주의의 미학에서 파생되었다. 절대주의를 지지한 작가들은 비대상적, 비재현적인 순수한 감각 및 지각을 절대적인 것으로 생각하여 순수한 기하학적 형태로 화면을 구성했다
루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 에는 조각 작품도 일부 전시되어 있는데. 설명이나 오디오 도슨트가 없었던 부분은 다소 아쉬운 부분...
알렉산더 로드첸코 : 공간 구조 5번 10번
해당 작가에 대한 별다른 정보가 없다.
02. 피카소와 동시대 거장들
Picasso and His Environment
페터 루드비히와 이레네 루드비히는 모두 피카소의 작품과 인연이 있다. 페터 루드비히는 1950년 피카소를 주제로 박사 논문을 썼으며, 이레네 루드비히는 1955년 휠른에서 열린 피카소의 회고전에서 처음으로 그의 작품을 마주하게 된다. 피카소는 당대에 입체파라는 력신적인 예술적 접근을 처음으로 보여준 그 시때를 상징하는 인물이었는데, 루드비히 커플이 회고전에서 마주하게 된그의 작품은 바로 <아티초크를 든 여인>이었다 이작품에 매료된 후 피카소가연구한 모든 표현법과장르의작품들을찾아헤멜 정도였다. 특히, 피카소의 활동 후반기의 작품에 주목하였는데 다소 확립되지 않은 화풍처럼 보었어도 피카소만의자유롭고 신선한 표현에 매료되어 수집하였다.루드비히 부부는 1944년 90점의 피카소작품율루드비히 미술관에기중했으며, 2001년 에는 774점의 피카소 작품을 추가로 기증했다. 이로 인해. 루드비히 미술관은 피카소의 작품을 세계에서 세 번째로 가장 많이보유하게 되었다. 또한 이 장에서는 입체파 확립 시기부터 창작 말년까지 아우르는 피카소의 창작 생애 각 단계별로 발전된 작품들 8점을 주축으로 하여 그가 파리에서 활동을 할 당시에 함께활발하게 활동하던 조르주 브라크, 아메데오 모딜리아니 등 동시대 거장들의 작품들도 소개하고 있다. 또한, 비숫한 시기에마르크 샤갈의 작품역시 소장하게 되는데, 이는 독일이 프랑스 모던아트를 수용하였음을 나타낸다.
| 아메데오 모딜리아니 : 알제리 여인
책으로만 보던 그의 그림을 파리 오랑주리 미술관 지하에서 그의 작품을 만났을 때 감동이 다시...
여성의 모습은 뚜렸한 이목구비를 가진 것으로 보이지만 코는 틀어지고 양 눈동자도 다른 방향을 향하고 있다. 이는 모딜리아니의 작품속에도 피카소의 입체파 사조가 조금이라도 영향을 끼진 것으로 봐야하지 않을까?
| 조르주 브라크 : 유리병 레몬 과일 그릇
피카소와 함께 입체파를 만든 창시자, 야수파의 영향을 받고 이후 피카소를 만나고 브라크 또한 역사적인 입체파를 이끈... 이 작품도 입체파의 연상으로 보이는 몇 가지 표현이 보인다.
'피카소와 20세기 거장들' 제목에 가장 어울리는 공간 바로 피카소의 작품이 전시된 곳입니다.
총 다섯 점의 회화와 세 점의 도자가 전시되어 있는...
| 파블로 피카소 : 유리와 컵
'분석적 입체파' 작품인 <유리와 컵 Verre et tasse>은 조각으로 분할된 화면에 의해 대상이 단편화 되어 있다. 색은 무채색이나 갈색으로 제한되어 전통적인 회화의 재현성이 부정되고 있다.
3-1 분석적 입체파 [Analytical Cubism]
분석적 입체파'는 입체파의 범주에 속하지만 대상의 구상적 표현에서 나아가, 물체를 더욱 추상에 가까운 기하학적 입체 형태로 표현하는 유파이다. 1910년 이후부터 대상의 형체가 점차 세밀하게 확립되고 해체되기 시작하는 경향을 보여 주기 때문에 작품의 주제로 정물을 주로 택했다.
입체파 [Cubism]
1908년, 파블로 피카소와 조르주 브라크가 함께 창시한 입체파는 20세기 초 서구 미술의 전면적 혁신을 가져온 미술운동이다. 폴 세잔의 작품과 아프리카 조각의 연구를 통해 시작된 새로운 조형 언어의 탐구였는데, 색채와 질감을 제한하고 대상을 단면으로 분해한 분석적 입체파에서 콜라주라는 새로운 기법이 구사된 종합적 입체파로 전개되었다.
전후 피카소는 도예라는 새로운 장르를 개척했다고 한다. 생전 수백점의 도자기를 제작했다고 합니다.
| 파블로 피카소 : 만돌린 과일 그릇, 대리석 주먹
서양회화의 전통적인 장르는 인생희 일시적인 부분과 허무함을 의미하는 바니타스 정물화를 연상케 하는 작품이라고 합니다. 작품속에서도 형태의 다시점적 요소 등 입체파적 요소가 보이는 작품
| 파블로 피카소 : 아티초크를 든 여인
1936년 스페인 내전 발발부터 1945년의 세계대전종결까지 피카소는 어둠고 불온한 분위기의작품을 많이 그렸다. <아티초크를 든 여인>의여인은 오른손에 중세 타격용 무기 모르겐슈테른을연상시키는 아티초크를 잡았고, 날카로운 손톱이 자란 왼손은 무릎에 두었다. 배경에 가득 찬 회색은전장에 피어나는 연기를 연상케 한다. 본 작품은그의 대표작 <게르니카 Guernica>와 마찬가지로전쟁의 광경을 직접적으로 묘사하기보다, 비참한전쟁의 민낯을 암시한다.
03. 초현실주의부터 추상 표현주의까지
20세기 가장 춤요한 예술문통인 조현실주의는 제2차 세계대전이 일어나기 몇 년 전 프랑스에서 싹트기 시작했다. 이는 전휴 유럽과 미국에서 생거난 새료윤 회화 운동의 토대가 되었다 그 새로운 회화블 찾는 에실제 실전 송 하나는 유럽. 특히 프랑스에서 번영한 앰프르벨이다. 앵포르멜은 혼돈의 이미지로 보이지만 전쟁모로황페하된 인간의 삶이 회복될 것임를 암시바고 있다. 앤조르벨의 선구자로는 블스와 장 뒤뷔페기 있마. 블스는 조현실주의 특징과 표현주의적 자유분방람물연결시커 선과 블감 명어리가 유기적으로 뒤엄킨 스타일의 뢰화를 선보였다 장 뷔뷔페는 근대적 합리주의에 의해 버려진삶의 에니지를 재발권하고자 '아르 브뤼(Art Brut) 라는 용 어를 만들어서 어린이나 정신질환자 갈은 비전문가의 그림에 나타나는 특짐린 단순하지만 대담한 표현의 화풍을 살린 회화를 이어 나갔다.
1940년 초, 유럽의 많은 초현심주의 화기를이 전생올 미하기 위해 미국으로 건너갔교 그들은미국의 주상 표현주의률 부흥시키는 데 큰 역할을 했다. 추삼 표현주의의 대가인 잭슨 폴록은 이런 초현실주의자들과 교류하면서 인간의 잠재된 무의식과 무작위적이고 즉품적인 표현으료 관심을 돌렸다. 또한, 이 3장은 전후 독일 추상 화가의 대표적인 인불인 에른스트 빌헬름 나이의 작품과 칼 오토 괴초 그리고 베르나르트 술츠 등 앵프로멜과 추상 표현주의 화품 교 발전시킨 인물들의 작품들도 포함한다.
| 젝슨폴록 : 흑과 백 15번
미국 추상표현주의의 대표적인 화사 중 한 명, 나도 너무 좋아하는 작가. 호안미로나 앙드레 마송에게 영향 받았다고 한다. 특히 그의 작품은 부로 여러 색상의 물감을 사용해 올오버 스타일, 드리핑 기법으로 작품 작업을 많이 했는데.
이번에 전시된 올오버 스타일 작품은 단색으로 작없된 독특함을 보인다. 또한 작품속에 인간의 얼굴이 보이는 것 같기도
| 안토니 파티에스 : 분홍 흔적이 있는 흰색 77번
제2차 세계대전후 스페인에서 앵포르멜과 추상표현주의를 견인한 대표작가. 파리에서 엥포르멜 영향을 받아 모래 등을 잉요 강한 물질성을 보여주는 회화작품을 작업했다고 한다.
| 장 뒤뷔페 : 대초원의 전설
프랑스에서는 열광하는 작가라고 하는데. 심지어 프랑스의 피카소? 예전 소마미술관에서 뒤 뷔페전 기대를 가지고 관람했지만 너무 난해하고 나에게는 잘 맞지 않는 작품...
앵포르멜 [Art Informel]
앵포르멜은 제2차 세계대전 후 프랑스를 중심으로 일어난 회화 운동이다. 형태의 형식적인 구조를 거부하고 무한한 자유와 직관적인 추상성을 지향했는데, 이러한 비이성적인 특성은 다다이즘, 초현실주의 그리고 표현주의의 영향까지 받고 있음을 암시한다. 또한, 이 사조는 예술가의 즉흥적 행위와 격정적 표현을 중시하였는데, 볼스의 작품처럼 행위적, 서체적 붓 터치를 강조하기도 하고 타피에스의 작품처럼 질감과 촉각의 성질을 강조하기도 한다. 또 한선 의 오토마티즘 산란한 기호, 물감을 뚝뚝 떨어뜨리거나 석회를 바르는 기법 등을 구사한다. 이는 구상 .비구상을 초월하고 모든 정형을 부정하며 공간이나 질감에만 전념함으로써 또 다른 새로운 세계를 만들어내려는 표현이다
| 칼 오토 괴츠 : 1955년 3월 6일의 그림
독일 앵포르멜을 대표하는 화가. 나치당에 의해 제작과 발표가 금지되기도 했다고 한다.
초현실주의나 위에서 본 폴록의 작품과 유사성을 보이기도 한다.
| 베르나르트 슐츠 : 풍경화
슐츠 또한 칼 오토 괴츠와 함께 독일 앵포르멜을 대표하는 화가 중 하나. 추상 회화 중에서도 서정적인 추상화화에 가까운 작품을 선보인 작가라고 한다. 마이아트 무지엄 현장에서도 다소 묘한 표현이 느껴지는 작품
한스 하르퉁 : 뉜지 잘 모르는 분인데. 작품 느낌은 상당히 좋았다.
04. 팝아트와 일상
Pop Art and Everyday Reallty
1960년대 서독의 기적적인 경제 부흥은 현대미술의 중심지가 된 미국으로부터 새로운 예술을 받아들 이는 계기가 되었다. 1968년 카셀에서 개최된 <(도큐멘타 4)는 팝아트와 미니멀리즘을 선보이는 결정적 역할을 했다. 루드비히 부부는 1960년대 중반부터 고대와 중세 예술품을 수집했으며 점차적으로 현대미술예 관심을 두게 되었는데 그들이 살고있는 아헨을 비롯하여 서독의 다른 도시에서 작품을 실제로 보게 되면서 더욱 관심을 두게 되었다. 루드비히 부부는 1967년 뉴 욕울 방문했고 새로운 예술의 흐름과 접촉하게 되었으며 그 후 기하급수적으로 늘어난 팝아트 컬렉션은 발라프 리하르츠 미술관에서 전시되었다.
팝아트는 1950년대에 영국에서 태동한 예술 운동으로, 팝아트의 창시자 리처드 해일턴의 1968년 작이 같은 해 <도큐멘타 4>에서 소개되었다. 대서양을 건너 미국에서 번성한 팝아트는 대량소비에서 비롯된 대중문화에 대한 비판을 가했고, 유일무이한 고유함에 입각한 전통적인 예술의 가치관에 반기를 들며 일상적인 이미지들을 예술적 표현으로 사용했다. 재스퍼 존스는 이미지와 오브제의 경계를 넘나들며 깃발, 표적, 숫자 등을 묘사했고 다른 일삼적 기호와 모티프들을 사용했다. 로이 리히텐슈타인의 <타카타카> 작품은 만화책에 있는 패널을 참고하여 그래픽적인 이미지를 유지하면서도, 회화로서 확고하게 박힌 전형적인 이미지에서 벗어나 한층 더 진화하게 했다. 앤디 위홀은 평범한 사몰을 반복적인 이미지로 표현함으로써 소비주의 사회의 현실을 표현했다.
팝아트 [Pop Art]
팝아트는 파풀러 아트(Popular art)를 줄인 말로서, 1960년대 뉴욕을 중심으로 일어나 유럽 예술계에도 큰 영향을 끼친 미술의 한 경향을 가리킨다. 그 발단은 매스 미디어에 주목한 1950년 초의 리차드 해밀튼 등의 영국 작가였다. 그러나 반예술적인 태도로 신문의 만화, 상업디자인 영화의 스틸컷, TV 등, 대중문화와 서브컬쳐의 매스 미디어 이미지를 적극적으로 주제 삼은 것은 뉴욕의 팝 아티스트들이다. 재스퍼 존스 라우센버그를 선두로, 리히텐슈타인, 워홀 올덴버그, 로젠퀴스트 등이 그 뒤를 이었다
앤디 워홀 : 브릴로 박스
아메리칸 팝아트의 아이콘. 현대미술 전시회에 빠지지 않는 아티스트 중 한 명
앤디워홀 : 두명의 엘비스
뭐 항상 그러하듯 이미지의 대량생산과 대중소비를 비판하는 작품이라고 한다. 뉴욕 모마 미술관에서도 본 것 같은데...
| 리처드 해밀턴 : 스윈징 런던 67-II
영국 팝아트를 창시한 작가 중 한 명. 믹제거와 로버트 프레이지가 마약소지로 체포되는 사진을 바탕으로 여섯점의 실크스크린 작품을 제작했다고 한다.
로이 리히텐슈타인 <타카타카>
| 로버트 인디애나
글자와 숫자 표지판 등을 모티프로 작업하는 팝아트 작가. 본 작품을 가스비를 내지 않아 난방이 중단된 사건에서 작업했다고 한다. 가스와 관련된 기호와 색상 상징을 이용한 작품
뭐라해도 앞의 로버트 인디애나의 대표 작품은 바로 이녀석이 아날까요?
| 클래스 올덴버그
: 런던 무릎
스웨덴 출신, 미국에 유행한 미니스커트와 부츠가 유행했다고 하는데. 이때 드러난 신체의 일부를 표현했다고 한다. 뭐 관음증과 여성해방을 의미한다고 하는데...
이어서 클래스 올덴버그의 대표 작품은 우리에게는 청계천에 설치된 바로 이 골뱅이가 아닐까?
공식 작품 명은 Spring (봄) 이다.
05. 미니멀리즘 경향
Minimalism Tendencies
제 5장은 1960년 중반부터 본격화된 포스트 모던의 물결이 구체화된 미니멀리즘을 대표하는 작품들을 보여준다. 팝 아트가 일상적 이미지를 사용하여 현실을예술에 도입하기 시작했다면, 이에 더 나아가 미니멀리즘은 이미지의 2차원성과 재현에서 완전히탈피하어 현실과 작품과의괴리를 최소화하려 했다. 나치에 의해 바우하무스가 페쇄되면서 1933년에 요제프 알버스는 독일에서 미국으로 이주하였고 색채 조합의 상대적인 시각적 효과를 실험한 그의 <정사각형에 대한 오마주: 초록향> 작품은 착시현상몰 이용한 색채 전이와 변화를 실험하는 옵아트의 등장에 기여했다
이 시기 미국에서는 색면화가 등장했는데, 요제프 알버스에게 바우하우스 이론과 색채에 대해 배운 케네스 놀랜드는 물감이 캔버스 천 위에 얇게 스며든 것처럼 보이는 '스테인' 기법올 통해 시각 효과 중심의 추상미술을 보여줬다. 1963년에서 1965년 사이, 뉴욕을 기반으로 한 일군의 작가들이 오브제를 다루는 독특한 3차원의 방식의 미술을 선보였는데, 반대로 도날드 저드는 알루미늄과 산업 재료로 만들어진 삼자원의 오브제 작품을 통해 오히려 그런 착시 효과를 지양하였다. 1950년대 말 뒤셀도르프에서 활동하는 독일 작가들로 구성된 '그룹 제로'의 구성원들 역시 공업용 재료들을 사용했는데, 이는 알루미늄파 칼은 새로운 재료와 혼합되어 움직임과 빛의 감각을 불러일으키는 예솔로 귀결되었다, 그들은 시간과 공간의 구조화에 대한 새로운 관점과 이론을 개념화한 이탈리아 작가 루치오 폰타나를 동경했다
| 요제프 알버스 : 정사각형에 대한 오마주; 초록향
정사각형에 대한 모마주로 유명해진 작가 복수의 정사각형의 다른 모양과 다른 채도와 색체를 이용 색체의 상호 조화는 물론 착시,
루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 전시회 제목과 같이 이번 전시회는 독일에 있는 독일인이 수집한 작품들 입니다. 그래서 상대적으로 독일 작가들의 작품들이 많이 전시되어 있는데요. 이번 공간과 다음 공간에는 상대적으로 더 많은 독일 근현대미술 작가들의 작품을 만나볼 수 있습니다.
| 하인츠 마크 : 천사의 다섯 날개
빛을 탐구하는 독일 화가이자 조각가. 우연히 바닥에 떨어진 알루미늄박을 밟고 영감을 얻었다고 한다.
| 권터 워커 : 큰 나선 (검은색)과 큰 나선 (흰색)
무수한 못을 이용한 작품. 못을 이용해서 입체감과 공간감 방향성을 보여주는데. 여기에 조명에 따라 작품의 느낌이 변하기도 한다. 이 작품은 색체의 사용을 배제하고 못을 이용하여 의자나 피아노 등에도 못을 박는 등 다양한 활동을 시도했다고 한다.
| 루치오 폰타나 : 공간 개념 : 기대
06. 독일 헌대미슬과 새로운 등항
German Contemporary Art and New Tendency
마지막 장에서는 퍼포먼스 아트, 비디오 이미징 등 다양한 장르를 아우르는 영역으로 성장한 현대미술의 다양한 면을 소개한다. 전후 독일 미술계의 한 단면을 상징하는 요셉 보이스는 사회와 예술의 이상적인 연결로서 '사회적 조각'을 강조했다. 뒤셀도르프 학교에서 재임하는 동안 많은 예술가들의 멘토가 되었는데, 비디오 아트의 선구자이자 현대미술에서 페미니즘을 성장케한 울리케 로젠바흐가 그의 학생 중 한 명이다. 게오르그 바젤리츠는 1957년 동독에서 서독으로 이주하였는데, 전쟁의 폐허와 국가의 분단으로 인해 상실된 정체성을 상기시키는 고통받는 인물들을 묘사했다. 나이브 아트를 연상시키는 화풍의 페터 헤르만 역시 1980년 중반에 서독으로 이주하기 전까지 수년 동안 동독에서 활동하였다. 볼프강 마트호이어는 라이프치히파의 대표적인 인물로서 베를린 장벽 붕괴 전까지 동독에 남아 당대 고립된 사회를 그렸다. 냉전 시기 동안 루드비히 미술관은 동독 작가의 작품들을 구입하거나 동독의 미술관 전시에 그들의 컬렉션을 빌려주는 등 다양한 방식의 소통을 통해 동독과 서독을 이어주는 역할을 수행해왔다.
| 요셉 보이스 : 시빌라 / 유스티티아
전후 독일을 대표하는 현대미술가로 퍼포먼스 정치 교육 등 다양한 영역에서 활동했다고 한다.
조각의 개념이 정치로 확대된 사회적 조각을 주창
| 볼프강 마트호이어 : 이젠 어떻게 해야 되나요
신화와 성서에서 나타난 모티를 사용해 동독의 내면을 표현한 작품활동을 했다고 합니다. 본 작품은 이카루스 신화에 대해 다루고 있는데, 동독이라는 외딴섬에 갇힌 느낌이라고 할까...
| 게오르그 바젤리츠 : 채찍을 든 여인
한참동안 나를 서 있게 만든 작품. 투박하면서도 묘한... 색상도 묘한...
다만 예전에 나를 너무나 힘들게 했던 웹툰작가 귀귀의 그림이 생각나서 별로...
| 카티야 노비츠코바 : 성장 가능성 / 근사갑
인터넷이 보급된 이후 나타난 포스트인터넷 아트의 선구자라고 한다.
마지막 공간에는 루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들에 선보인 작가와 작품들의 연표와 주요 작가의 도록들도 전시되어 있습니다. 도록 탐나더란...
비디오 아트 [Video Art]
비디오 아트는 영상매체를 표현 수단으로 한 예술을 말하는데, 비디오 아트의 개척자로는 한국 태생의 백남준이 널리 꼽힌다. 초창기 비디오 아트를 이끌었던 예술가들은 동시대 개념미술, 퍼포먼스, 실험영화 운동과의 접점이 많았다. 비디오 아트의 전성기는 1970년대부터 시작되어, 그 시점부터 비디오 형식의 한계를 본격적으로 실험하였다. 독일을 대표하는 비디오 아티스트 마르셀 오덴바흐 역시 콜라주 기법을 연상시키는 혼합적 매체의 비디오 아트를 선보였다. <사진의 사진 찍기>는 화면 속의 화면을 구성하는 방식으로, 루드비히 미술관 개관 40주년 기념전 <우리는 그것을 루드비히라고 부른다(We Call It Ludwig)> (2016~17년)를 위해 제작되었다.
페터와 이레네 루드비히 저택의 오래된 미술품으로 둘러싸인 고풍스러운 방에서 장면이 시작된다. 그리고 커피가 끓는 아침 주방에 이어 자동차가 나온 후 차고의 문에 영상이 투영된다. 다양한 연도와 장소에서 행해진 페터 루드비히의 연설과 인터뷰의 기록영상과 컬렉션의 전시풍경도 삽입된다. 여기서 페터의 현대 미술에 대한 열정과 자신의 사회적 역할에 관한 깊은 신념, 그리고 풍부한 상상력과 꿈을 실현하는 실행력 등에 대해 냉정한 자기분석을 하고 있다. 영상 후반부에는 이레네와 담소하는 장면도 등장한다.
이번 전시회를 만나게 해준...
루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 아트숍
Picasso and the 20th century Masters Art Shop
루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 아트숍에는 마음에 드는 소품들이 보이네요.
왜 길럭시 지폴드는 지원하지 않는지...
이번 마이아트뮤지엄에서 열리고 있는 루드비히 미술관 컬렉션 '피카소와 20세기 거장들' 전시회 후기는
학폭을 소재로 엄청나게 핫했던 넷플릭스 드라마 '더 글로리' 속 약쟁이 화가로 등장한 이사라 작품의 실제 작가인 권현진 작가의 작품 전시회가 잠실 롯데월드몰 2층 넥스트 뮤지엄에서 열리고 있습니다.
| KWON HYUN JIN SOLO EXHIBITION : SPUMA
▫ 2023.04.13 - 05.14 / MON - SUN / 10:30 - 20:00 ▫ 넥스트 뮤지엄 @nextmuseum_official ▫ 서울 송파구 올림픽로 300 롯데월드몰 2층
▫ 입장료 무료
| 넷플릭스 더 글로리 이사라
지난 더 글로리에서 부폐한 목사의 딸이자 유학다녀온 마약중독자 화가로 나오는 이사라가 작업한 작품들이 바로 오늘 소개하는 권현진 작가의 작품들 입니다.
드라마 중간중간 상당히 비중있게 작품들이 등장하는데요. 상한 컬러배리와 독특한 표현방법으로 눈길을 끌기도 했습니다. 바로 이 작품들...
| 권현진 작가의 멀티미디어 작품
이번 넥스트 뮤지엄 권현진 개인전 전시기간 동안 롯데월드몰과 롯데월드타워 사이 공간에서는 대형 화면에서 작가의 멀티미디어 작품이 상영되고 있습니다. 이렇게 작품을 보니 색다른 느낌을 주고 있습니다.
| SPUMA 권현진 개인전 @ 넥스트 뮤지엄
전시장은 잠실 롯데월드몰 2층에 위치해 있습니다. 위치가 약간 구석진 곳에 있는데요. 2층 올라오셔서 잠실역 방향으로 끝까지 쭈욱 가시면 만날 수 있습니다.
넥스트 뮤지엄은 한국 추상의 새로운 장르를 만들어 내는 권현진 개인전<KWON HYUN JIN SOLO EXHIBITION: SPUMA> 를 개최한다. 작가는 "빛을 보고 눈을 감았을 때 안구에 맺히는 가상의 환영들에 대한 시각적 이미지"를 주제로 작업하고 있으며, 이번 전시에서는 작가의 작품 속 "SPUMA"에 초점을 맞췄다.
"SPUMA(스푸마)"는 정확한 형태로 대상을 묘사하는 것이 아니라 의도적으로 색면의 가장자리의 경계를 흐리거나, 붓 터치에 의해 만들어지는 물감의 가변적 표면 효과, 또는 재료의 물성에 의해 자연스럽게 만들어지는 얼룩이나 점들과 같은 효과를 의미한다. 이 과정에서 작가는 자신의 무의식을 발견하고, 예측 불가능한 추상 작품을 통해 관람객에게 메시지를 전달하고자 한다.
작가는 고농축 잉크와 우레탄을 붓고 칠하는 반복 과정을 거쳐 작품을 작업한다. 이 과정에서 색이 서로 만나 섞이면서 독특한 화면을 자아내며, 계획적으로 화면을 구상하기보다는 무의식적으로 분출되는 이미지를 작품으로 표현한다. 이 과정에서 SPUMA를 패치며, 처음 의도와는 다른 작품이 나오는데 이를 통해 자신의 무의식을 발견하고, 작가만의 독창적인 추상 세계를 구축하게된다. 이번 권현진 개인전을 감상하며, 관람객들 또한 자신만의 깊은 무의식 속 SPUMA를 찾아보는 기회가 되길 바란다
| 권현진 작가 작품가격 : 호당 25만 원
현장에는 전시중인 작품에 대한 구매상담 및 구매도 가능합니다. 이렇게 작품에 번호가 표시되어 잇고 번호에 따른 작품 가격이 공개되어 있습니다. 작품은 호당 25만원 수준입니다. 이번 전시에서 가장 큰 크기의 120호 작품은 3천 만원 ~ 가장 작은 10호 작품은 250만원 수준입니다.
이번 권현진 개인전은 2개의 전시공간에서 3개 섹션으로 구성되어 있습니다. 약 50여점의 작품이 전시되어 있으며, 관람에 소요되는 시간은 약 60~90분 정도 생각하시면 됩니다.
01. "VISUAL POETRY" : 시적 표현, 서정시
작품 시리즈는 생생하게 살아 숨 쉬고 있는 우리의 꿈, 희망, 비밀, 감정 등을 투영하는 거울입니다. 작품 시리즈는 에측할 수 없는 우연의 효과로 얼룩과 반점들을 얻어, 한 편의 서정시를 읽는 듯한 느낌을 줍니다.
권현진의 <Visual Poetry> 작품 시리즈" 꿈, 희망, 비밀, 감정 등을 투영하는 거울로 보았다. 정확한 계산과 논리에서 출발하는 작업이 아닌 예측할 수 없는 우연의 효과로 얼룩과 반점들을 얻어내고 가슴속에 묻어 둔 한 편의 시를 그려내는 것처럼 직관적이고 본능적인 자유로움을 표현한다 강렬한 색의 배열과 움직임을 통해 관람객들에게 꿈을 꾸고 있는 느낌이나 한 편의 서정시를 읽는 듯한 느낌을 주려는 시도하였는데, 이를 통해 현대를 살면서 미래를 기다리는 사람들이 다양한 정적 흐름을 찾아내고, 자신만의 새로운 세상을 탐색하기를 기대한다
Visual Poetry Floating
Mixed Media Mounted on Wooden Pannel 60 x 60cm / 2021
Visual Poetry 작품 시리즈는 총 3점이 소개되어 있습니다. 모두 20호 작품으로 작품가격은 5백만 원 수준입니다.
더 글로리 속 작품보다는 다소 약한 느낌을 주네요. 물론 지극히 주관적인 견해입니다.
02. <SPUMA EFFECTS>
는 눈으로 볼 수 있는 형상이나 이미지가 아닌 내면의 감정 과 이미지들을 표현하기 위해서 잠시 동안 눈을 감고 빛을 봤을 때 안구에 맺히는 가상의 환영을 그림으로 표현합니다. 바로 더 글로리에 소개되었던 권현진 작가의 작품들을 만나볼 수 있는 공간이자 가장 강한 느낌의 작품들이 전시되어 있는 곳입니다.
Visual Poetry
Mixed Media on Canvas / 91 x 91 cm / 2023
90호 작품으로 이번 넥스트 뮤지엄에 전시된 작품 중에서 상당히 강한 인상을 주는 몇 작품중 하나입니다..
용암 속에서 말이 뛰어나오는 것 같기도 하고 티라노 사우루스가 뛰어가는 것 같기도 합니다.
50호 작품으로 권현진 작가 작품 가격은 1,250만원
"SPUMA"
"SPUMA EFFECTS(스푸마 효과)"는 대상을 정확한 형태나 선으로 묘사하는 것이 아닌 의도적으로 색의 가장자리의 경계를 흐리거나, 붓 터치에 의해 만들어지는 물감의 가변적 표면 효과 또는 재료의 물성에 의해 자연스럽게 만들어지는 얼룩이나 점들과 같은 표면적 효과를 의미한다. 권현진 작가는 색채의 크로마 면적의 대소 비율과 컬러 집단의 안배비를 과학적으로 연구하여 다채로운 색감을 얻고, 이후 작가만의 스푸마 효과를 통해 예측 불가능한 독창적인 추상화를 만들어 낸다.
Don't Touch
작품 중간중간에 과도할 정도로 아래 문구가 표시되어 있습니다.
앞에서 군현진 작가의 작품 방식이 '고농축 잉크와 우레탄을 붓고 칠하는 반복 과정을 거쳐 작품을 작업한다. 이 과정에서 색이 서로 만나 섞이면서 독특한 화면을 자아내게 한다' 라고 했는데요.
평명 작품속에서의 두께감과 유광의 매끈한 질감속에 깔려있는 표현이 상당히 독특하고 매력적인 느낌을 줍니다. 저도 모르게 작품에 손을 대보고 촉감을 느끼고 싶은 충동을 느끼게 되는데요. 아마도 그런 이유로 경고문이 여러곳에 붙여 있다는 생각입니다.
"SPUMA EFFECTS 권현진 추상"
권현진의 작품은 본질적인 형식과 구체적인 내용들을 비워가거나 추출하는 과정에서 만들어지는 추상이 아닌 비 순수한 혼합으로 만들어지는 추상화를 의미한다. 작가는 눈으로 볼 수 있는 형상이나 이미지가 아닌 내면의 감정과 이미지들을 표현하기 위해 잠시 동안 눈을 감고 빛을 봤을 때 안구에 맺히는 가상의 환영을 그림으로 표현한다.
이는 가상으로부터 시작되는추상화를 의미하며, 끝없는 구축과 해체 그리고 재구축을 통해 혼합되는 작업 과정에서 처음 의도했던 바와는 다른 새로운 작품이 만들어지기도 한다. 이를 통해 작가는 자신만의 또 다른 시각적 무의식과 독창적인 추상화를 발견한다
Visual Poetry
Mixed Media on Canvas 145 x 145 cm / 2023
이번 잠실 롯데월드몰 넥스트 뮤지엄에서 열리고 있는 권현진 개인전에서 가장 큰 120호 사이즈의 작품이자 가장 강한 인상을 보여주는 두 점의 작품입니다.저는 왼쪽 작품에 더 마음이 가능데요. 작품 가격은 3천 만원 입니다.
앞에서도 말했지만 02. <SPUMA EFFECTS> 에 전시된 작품들은 넷플릭스 더 글로리 속 이사라의 작품이었다는...
극중에서는 약 빨고 그린 작품으로 나오는데, 작가분은 어떻게 작업하셨는지 궁금해 지네요.
Visual Poetry
Mixed Media on Canvas 46 x 46 cm / 2023
10호 작품들의 가격은 250만원 선인데요. 요거 아래 작품 상당히 뽐뿌질 오는 작품이었습니다. 훅 지를뻔 했지만 아직 형편이...
728x90
03. <COLOURFUL> 갤러리 B
Colorful은 색채를 수단으로서 보다는 하나의 언어로서 다루었다는 데 의의가 있습니다. 고채도의 다채로운 색감을 사용하는것이 특징인 작가는 색이 생각을 변화시키고, 행동을 바꾸고, 반응을 일으키며 의사소통에 있어 강력한 역할을 한다고 보았습니다.
멀리서보다 가까이서 작품을 감상하는 재미가 있는... 한 시간을 감상해도 부족할...
Visual Poetry Pixel Series#676_01
Mixed Media on Canvas 131x131cm / 2022
전시장 밖에 전시되어 있는 큐브 작품들...
Gallery B로 입장합니다.
Visual Poetry Pixel Series#81_02~05
Mixed Media on Canvas 131x131cm / 2022
Visual Poetry Pixel Series#676_04
Mixed Media on Canvas 131x131cm / 2022
우연의 효과이지만 큐브 하나 하나가 무언가를 형상하고 표현되어 있는 것 같은... 물론 보는 사람과 시점에 따라 모두 다르겠지만...
Visual Poetry Cube Series
Mixed Media 15x15x15cm / 2023
여기까지가 잠실 롯데월드몰 2층 넥스트 뮤지엄에서 열리고 있는 권현진 작가의 개인전 작품소개입니다.
예술의 전당 한가람미술관에서 열리고 있는 세계적인 그래피티 작가이자 흘러내림 (Liquidation) 기법으로 독창적인 작품세계를 선보이고 있는 제우스 (ZEVS) 전시회인 '룸 711 (Room 711) 전시회' 관람후기 입니다. 상당히 독특하면서 강한 메시지를 보여주는 상당히 매력적인 서울 전시회로 추천합니다.
| 제우스 전시회 룸 711 정보
이번 전시회는 예술의전당 한가람미술관 2층에서 열리고 있으며, 전시 기간은 2023.04.13 ~2023.07.06까지입니다. 입장권가격은 성인 기준 15,000원이며, 현재 할인 프로모션은 없는 것 같습니다.
| 도슨트 및 관람 시간
아쉽게도 이번 룸711 전시회는 도슨트나, 오디오 도슨트, 디지털 가이드기기 지원하지 않습니다. 다만 작가의 작품의 메시지가 명확하고 주요 작품에는 설명이 있어 관람에 큰 어려움은 생기지 않습니다. 제우스 개인전 관람소요 시간은 개인차가 있겠지만 90분 전후 생각됩니다. 사진촬영 가능
| 총 여섯 개의 섹션
ZEVS 전시회는 총 여섯개의 섹션으로 구성되어 있습니다. 섹션 1과 2는 우리에게도 잘 알려진 그의 작품들로 구성되어 있습니다. 저는 네 번째 색션인 루브르 프로젝트 공간이 가장 인상깊었네요.
이번 전시회 개요와 작가소개 제우스는 프랑스 사벤느 출신으로 파리에서 성장했다고 합니다. 1990년 초 그래피티 아티스트로 활동 중 기차 사고를 겪게 되고 이후 본인의 활동명을 ZEUS 제우스로 칭하고 작품활동을 계속하고 있습니다.
제우스 (야원레 슈바르츠, 수수께끼 같은 전시의 주제인 711호실"은 언뜻 호텔 객실 번호를 떠올리게 한다. 이곳에서 보여지는 모네의 지베르니, 파리와 에펠탑은 여전히 꿈같은 풍경이 아닐까? 제우스는 항상 신화 이야기와 장소를 적절히 활용해 새로운 이야기를 쓰는 것을 속 좋아했다. 그래서 2018년에는 빗의 도시를 상징하는 에펠탑의 조명을 손바닥 위에 올려놓는 '뉘 블랑슈(백야의 날)'을 연출하는 위업을 달성했다.
전시회에서 만나볼 수 있는 퍼포먼스 '에펠 피닉스'에서는 세계에서 가장 신화적인 기념물의 조명을 재프로그래밍하여 별빛이 쏟아지도록 만드는 퍼포먼스이다. 관람 객은 예술가와 함께 파리 박물관의 가장 아름다운 방에 VIP 방문객으로 들어가는 것처럼 유명한 711 호실"에 들어간다. 고전 회화의 재사용과 재맥락화는 제우스의 작업에서 반복되는 관행이지만, 그는 스스로를 "이미지 도둑"이자 도상 파괴자라고 표현한다. 사실 이것은 비밀 코드이다. 전시의 열쇠를 쥐고 ...
[섹션 1] 흘러내리는 로고들 (Liquidation Logos)
지금의 제우스가 있게한 작품들을 만나볼 수 있는 공간입니다. 그의 트레이드 마크임 리퀴데이션 로고 작품들을 만나볼 수 있는 공간으로, 과거 우리나에서열린 '위대한 낙서전'이나 '스트릿 노이즈' 전에서도 만나본 익숙한 스타일의 작품들이 전시되어 있습니다.
제우스가 그의 트레이드 마크라 할 수 있는 리퀴데이션 로고 작업을 시작한 건 2000년대 종반부터였다. 작가의 Liquidation logos에 사용한 브랜드 로고들은 우리에게 너무나도 익숙한 <샤넬 Chanel", *루이비통 Louis Vuiton" 등이 있다. 홍콩의 거리에서 바라본 샤넬의 로고는 그에게 강렬한 인상을 남기며 작품으로 탄생시키는 순간의 아이디어를 제공했다. 반짝이는 홍콩 거리에서 빛나던 샤넬 로고 그것은 아주 신선한 자극으로 다가왔다. 하지만 이것은 단지 그가 그 로고를 좋아해서 였을까? 언젠가는 사라질지도 모르는 브랜드의 로고를 작가의 방식대로 흘러내림으로써 작가는 소비 만능주의를 비판하고자 하는 속내를 작품 속에 드러내고 있다
작품의 느낌은 이러합니다. 사진과 현장에서 보는 맛은 다소 차이가 있다는...
루이비통과 샤넬의 리퀴데이션 작품들... 과연 대표적인 글로벌 명품 브랜드는 영원할까요? 아니면...
이번 예술의전당 한가람미술관에서 열리고 있는 룸711 전시회에는 국내 대기업인 삼성, LG, 포스코, 롯데, 기아차, 현대 등의 글로벌 대기업의 로고심볼을 활용한 작품들도 전시되어 있습니다. 아마도 이번 서울 전시회를 기념해서 작업한 작품들로 생각되네요.
또한 스마트폰 모양의 화면을 통해 그의 작품을 동영상으로도 만나볼 수 있습니다.
다음과 카카오도... 전시가 끝나면 각 회사에 작품이 전시되어도 좋을 것 같네요.
대한민국 대표 글로벌 엔터테인먼트 기업인 SM도 그의 작품으로 표현되었습니다. 하이브나 방탄소년단도 있을까 찾아봤지만 없네요.
전시장 안쪽과 바깥에는 엘지전자 가전제품을 이용한 제우스 작품을 만나볼 수 있습니다만, 어떤 의미가 있는지는 잘 이해하지 못하겠네요.
샤넬과 루이비통 로고심볼을 활용한 제우스의 liquidation 대표 작품들이 전시된 스트릿 노이즈 전시회 후기는 지난 포스팅 참고하세요.
데이비드 호크니의 상장이라 할 수 있는 A Bigger Splash가 탄생한 해에 일어났던 자연재해를 상기시키는 작품들이 전시되어 있는 공간입니다.
오이코스는 집, 로고스는 과학과 지식'을 의미하는 그리스어로, 이 공간은 환경적 질문들 탐구하고 인간과 인간의 활동, 환경 간의 관계를 반추한다. 여기서 작가는 불장난을 하는 인간의 표류를 경고한다. 제우스는 대상을 풍자하면서도 그에 몰입하는 그의 작품은 우리의 소비생활 방식에 대한 성찰을 유도하며, 소비 지상주의 사회에 냉소적이면서도 색다른 방식으로 의문을 던진다. 제우스는 대기 오염, 오염된 물, 녹아버린 하 등 세상의 취약함을 드러내는 방식으로 메시지를 던지는 예술가로서의 지위를 확인 시켜준다.
Evolution 시리즈는, 데이비드 호크니의 1967년작 "The Bigger Splash 더 큰 풍덩'과 클로드 모네의 수련 연작에 영감을 받은 작품들을 선보인다. 동일한 캘리포니아 저택을 그린 작품들을 통해, 작가는 화석연료에 기반한 소비주의 사회를 고발할 뿐 아니라 지구의 자원을 남용한 데 있어 인류의 책임을 생각하도록 한다. 언젠가는 사라질지도 모르는 브랜드의 로고를 작가의 방식대로 흘러내림으로써 작가는 소비 만능주의를 비판하고자 하는 속내를 작품 속에 드러내고 있다.
가장 넓은 전시공간 이곳에는 그의 연작들이 전시되어 있습니다.
섹션 2 '진화의 시리즈'에서는 영국의 유명한 현대화가인 데이비드 호크니와 클로드 모네의 수련 작품을 차용해서 작업한 연작들이 전시되고 있습니다. 특히 글로벌 거대 정유회사로 인한 환경오염에 대한 위험성을 작품으로 전달하는...
원유로 검게 물든 모네의 수련
| Shell 연작
그의 작품에서 가장 많이 등장하는 쉘 (Shell)입니다. 아마도 나이지리아 원유유출 등 여러곳에서 지속적으로 발생하고 있는 쉘사의 원유유출과 환경오염을 경고하는 메시자가 담겨있다는 생각입니다.
전시장 한 켠에는 그의 작품을 차용한 조형공간이 마련되어 있습니다. 조금은 섬뜻하긴 하지만 이를 배경으로 제우스 룸711 전시회 인증샷 찍기에는 가장 좋은 장소라는 생각입니다.
에퀴노르 (Equinor / 구 Statoil)은 노르웨이 국영 석유 및 천연가스 회사입니다. 세계 10대 석유 메이저 회사 중 하나로 석유회사의 이름을 지우려고 사명을 변경했다고 합니다.
중국석유(中国石油) 도 그의 소재, 중국 스러운 붉은 건물이 인상적입니다.
다시 쉘로 돌아와서 이 연작이 다수 전시되어 있는데요. 하나하나 이동하면서 보면 마치 쉘 로고에서 흘러나오는 원유가 모네의 수련이 있는 연못을 점점 검게 오염시키는 느낌이 들게 합니다.
다음 공간에는 구글(Google)과 애플 (Apple) 로고를 활용한 리퀴데이션 작품
레오나르도 다빈치와 앵그르 샘의 작품과 결합한 루이비통 로고들... 이번 예술의 전당 제우스 룸711 전시회에서 가장 매력적인 공간으로 입장을 알리는 작품입니다.
바로 붉은 공간으로 이동합니다.
[섹션3] 에펠탑 불사조
제우스는 2018년 프랑스 파리 백야의 날 행사에 프랑스 대표 작가로 선정되어 에펠탑에 기념비적인 공공작품을 만들었다고 합니다. 그의 작품을 영상으로 만나볼 수 있는 공간입니다.
메트로폴리탄 규모의 기념비적인 공공예술은 "HOA (High Artistic ouality)" 측 깊은 예술성을 지닌 작품으로 탄생하기 어렵다. 전기의 시대인 20세기에 탄생한 시각적 작품들은 대게 음항과 빛의 공연, 그저 일종의 쇼로 전락한다. 공연을 즐기는 관객 입장에서는 즐겁지만, 딱히 창의적이라고 표현하기는. 힘들다. 몇 가지 성공 사례는 있다. 이 중에는 Tony Oursler의 비디오 프로젝션 작품 (나무 또는 기념바에 정신병 환자들의 살아있는 표정들을 투영한 작품), 그리고 Doug Aitken의 New York facades (평화롭게 잠을 청하고 있는 사람들의 이미자를 확장시켜 전시한 작품)가 있다. Eiffel Phoenix는 에펠탑을 축하하고 경의를 표하는 제작 현장 그 자체이며, 이 시연은 Delaunay에서 chagall까지 많은 시각 예술가들이 비할 데 없는 에펠탑의 영광을 기렸던 전통의 일부이다. 이러한 기념비적인 작품을 탄생시킨 데에서 오는 더할 데 없는 황출함에서 우리는 존재하는 기술적 리스크와 약간의 기술적 오만함을 논하지 않을 수 없다, 에펠탑의 멸종은, 문명의 멸종을 상징한다. 만연한 생산 주의와 생태계적 재앙 .사이에 위태를게 버티고 있는 우리의 문명 말이다. 현시대의 바벨탑인 에펠탑을 작품화하는 데 있어 ZEVS에게는 한치의 오만함도 찾아볼 수 없다. ZEVS는 오히려 이 작품에 있어 일종의 내부 고발자(Whistleblower)의 역할을 자청했다고 볼 수 있다.
멀티미디어 설치미술로 현재는 직접 관람은 불가능합니다. 영상으로 소개되는 공간 다소 협소하지만 주말 오전이어서 그런지 관람객이 전혀 없어서 편안하게 관람하고 왔습니다.
[섹션 4] 루브르 뮤지엄으로부터 (Louvre Museum)
이번 전시회에서 가장 오랜 시간을 보낸 공간입니다. 2022년 7월 모나리자 작품이 걸려있는 루브르박물관 711번 방에 나타는 제우스는 설치작업? 을 하게 됩니다. 그 엄청난 공간에서 이런 작업을 허용한 프랑스의 미술관도 대단하다는 생각이 듭니다.
황금색 물감은 작품 표면을 지나 액자 밖으로 흘러내린다. 흘러내린 물감은 화면을 어느 정도 가리는 장막을 형성하면서 작품 속 이미지와 관람객 사이의 거리를 부각시킨다. 사물을 가두는 감옥의 창살, 그어진 줄무늬, 숨거나 분리된 커튼 등, 물감 방울들을 해석하는 방식은 다를 수 있지만, 그 뒤를 들여다보는 행위 속에는 부정할 수 없는 관음증이 존재한다. 홈백 젖은 여성의 이미지는 금색 물방울들로 변형된 그리스 신화 속 제우스에 의해 임신한 다나에를 연상시킨다. 성욕으로 가득 찬 눈에는 벌거벗은 젊은 여성들의 몸을 따라 흐르는 것이 "골든 샤워"라는 성적 행위로 해석될 수도 있겠다.
자신이 고안한 방식대로 기업 로고를 흘러내리게 함으로써 금기를 파괴한 제우스는 작품과 그 액자에서 새로운 대상을 찾은 듯하다. 액자는 성벽이 공격으로부터 그 안을 보호하듯, 그림을 침입으로부터 보호하며 그 주체를 영원히 시간 속에 가두는 역할을 한다. 그러나 여기서는 가시 가득한 나무로 뒤덮인 액자로 둘러싸인 채 루이비통의 꽃은 전략적인위치를 점한다. 익숙한 네 개의 꽃잎으로 가시나무의 다섯 있을 압도하며 영역 표시를 해버리는 것이다. 이로 인해 상표로 덮인 대상을 어듭고 뚫을 수 없는 가시나무속 잠자는 미녀로 만들어버린다. 제우스는 그 재능으로 이들에게 각인된 흔적을 치우고는 빛을 가져올 구원자다. 올림푸스 산에서 온 같은 이름의 신처럼 작가는 자신을 여성을 씻기고 정화시키는 골든 샤워로 스스로를 바꾸어 버린다.
오리지널 작품들과 판본들이 함께 제우스의 *홀러내림"을 통해 소비만능주의, 그리고 거장과 럭셔리 브랜드에 대한 우리의 열망에 대해 비판적인 시각을 들이델 것이다 밑에는 오리지널 작품들이, 위에는 표면을 홀러내리는 제우스의 홀러내리는 물감 방울들이 의미에 새로운 충을 더하고, 다른 작품들과 해석으로 연결시킨다.
| 이미지 도둑 루브르 박물관의 마법
"데우스 엑스 마키나 "처럼, 줄에 매달린 인물은 연회의 손님들 사이에 나타난 불청객이다. 이 남자는 벽을 통과하는 능력을 가지고 있는 듯 식탁이 아니라 캔버스에서 튀어나오는데, 초월적인 이 모습은 작카의 퍼포먼스에 정점을 찍는다. 그는 제우스의 창조물인 동시에 아마도 그의 분신일 것이다. 꼭두각시 인형의 상태로 환원된이 남자는 치장되지 않는 나체를 드러내지만, 아무도 관심이 없어 보인다. 캔버스에서 약간 떨어져 있는 그는 같은 공간에 속하지 않기때문이다. 그림의 윗부분에서 펼쳐지는 연회는 마치우리가 그 뒤에 서있는 것처럼 베로네세의 "가나의 결혼식" 화면을 통해 볼 수 있는데, 이그림은 구도가 대칭적으로 반전된 것이 특징이다. 16세기의 이 작품은 2017년 4월에 같은 방에서 맞은편에서 열린 현대식 연회의 미장센역할을 하는 단방향 거울이 되었다
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루브르박물관 룸711에서 제우스의 작업 과정은 영상으로 확인할 수 있습니다. 이 위대한 공간에서 작업할 수 있다는 것 만으로도 작가에게는 엄청난 영광일 듯...
| 님프와 사티르
제우스의 물방울은 텔루르의 힘으로 뿜어져 나오는 듯하며, 잠자는 요정의 나체를 드러내고자 하는 사티르의 정력적이고 정숙한 충동과 함께 심연에서 솟아오른다. 이 둘은 야생의 피조물이며 작가는 우리에게 그들의 자유분방한 섹슈얼리티를 상상하도록 초대한다. 와토는 성행위가 임박했음을 암시 하고, 제우스의 황금색 페인트는 우리에게 정액의 폭포를 선사한다. 에로틱한 분노는 물의 흐름이 된다. 분출하는 힘으로 프랑스 조경 예술가 미셸롱을 매료시킨 티볼리 폭포도 사정의 힘을 전달한다. 숭고함을 위한 예술적 자유가 지형적 정확성보다 우선하는 라캐스케이드 (티볼리)'에서 우리의 눈은 그림 속 야만적인 신들의 결합을 스캔한다.
낭만주의 거장의 사실주의와 대조되는드 쿠닝의 서정적 추상화 '풍경 속의 두 인물'은 관음증을 좌절시키고 피사체의 존재와 그들의 장난을 상상할 수 있을 뿐이다. 드 쿠닝의 살색 톤의 넓은 붓질은 나체를 연상시키지만, 그림에 활력과 에너지를 부여하는 것은 물방울이다. 제우스의 계단식 페인트는 에로틱한 장면을 숨기고 모노그램과 함께 세속적인 욕망을 지우는 베일 역할을 하는 겸손함도 있다.
| 에바 프리마 판도라
바위가 많은 피난처에서 얇은 천으로 간신히 몸을 가린 채 누워 있는 모습도 제우스의 광선으로부터 안전하지 않다. 오히려 그녀는 가벼운 커튼으로 간신히 가려진 알몸을 황금빛 액체에 바치는 것처럼 보일 뿐이다. 아담의 해골과 판도라의 꽃병의 상징적 속성에 둘러 싸인 이 미녀는 고대 기준으로는 이브이자 이교도인 판도라이며, 성경과 신화 전통에 따르면 불행을 가져오는 존재이다.
창백하고 미묘한 그녀는 열정을 발산하는 모습에서 고요함을 뿜어낸다. 베르니니의 성녀 테레사의 엑스터시'에서 신성한 광선이 들어와 그녀를 황홀경에 빠지게 하는 열린 돔 아래에서 묘사된 성녀 테레사와는 얼마나 다른가. 황홀한 고통에 힙싸인 테레사는 수녀 가운 주름에 몸을 비틀어 넣는다.테레사의 심장이 신비롭게 뚫리는 것과 대조적으로, 제우스의 물방울은 레이저와 같은 임상적 효과를 내며 문신으로 새겨진 모노그램을 지우고 이브/판도라의 원죄인 욕망, 중독, 강박 을 씻어낸다.
| 목욕하는 여인
앵그르의 목욕하는 여인에서는 거의 눈에 띄지않는 작은 물줄기가 여인의 발 왼쪽에서 뿜어져 나오지만, 제우스는 수문을 열고, 그의 페인트를 흘러내리며 앵그르의. 매끄럽고 세련된 우주를 방해한다. 그림 위로 흘러내리는 금은 더 어듭고 더 피비린내 나는 무언가를 암시한다. 이 밀폐된 공간에서 아마도 무슨 일이 일어날 것이다. 우리를 향하고 있는 여성의 등은 곧 발산될 폭력적인 충동을 숨기고 있을지도 모른다. 홀로페르네스를 유혹한 후 그의 목을 자르는 주디스일 수도 있다.
이 살인적인 분노는 아르테미시아 젠틸레스키가 소환될 때 두 배로 여성스러워진다. 이스라엘의 매혹적인 과부 유디트는 아시리아의 장군을 유혹하여, 하녀의 도움을 받아 벌거벗긴 후 홀로페르네스의 목을 베었다. 제우스는 목욕하는 여인에 부은 페인트로 오달리스크가 복수자로 변모하는 것을 예고한다. 또한 헤나 문신을 새긴 모노그램 유혹의 유물도 씻어낸다.
| LV라는 모노그램이 새겨진 루이비통 핸드백
모나리자는 실제 모델로 추정되는 라 지오콘다를 그린 레오나르도 다 빈치의 약자, LDV에서 한글자를 떼넨 LV라는 모노그램이 새겨진 루이비통 핸드백을 선보이고 있다. 이 모노그램이 만들어 진것이 위조를 막고 루이비통 제품의 진품을 보증하기 위해서라는 점이 아이러니하다. 제우스는 2008년 "모나리자와 핸드백*을 통해 루이비통과 다빈치의 관계를 다룬 바 있으며 이번 작품에서는 액션의 중심축이 되는 루이비통 모노그램으로 장식함으로써 이를 재조명한다.
| 마들렌으로 추정되는 초상화
최근 신원이 확인된 흑인 여성의 초상"에서 제우스의 물감이 흘러내리며 마들렌의 눈물이. 쏟아진다. 백인 여성이 사회적, 인종적 고려를 배제하고 흑인 여성을 그린 선구적인 이 그림은 작지만 중요한 예술적, 사회적 혁명을 일으킨다. 이 그림에서 하인의 눈은 건조하지만 노예의 후손인 이 여인은 엄청 격렬한 고통의 무게를 젊어지고 있으며, 제우스는 페인트를 칠하면서 십자가 밑에서 자신의 이름을 딴 막달라 마리아 의 눈물처럼 홀리지 않은 눈물을 그녀를 대신 하여 쏟아붓는다. (일상적인 프랑스어 표현인 "pleurer comme une Madeleine"에서 "막달라 마리아처럼 울라"는 의미로 사용됨)
십자가에 달린 성녀들의 모습에서 눈물은 결코 멀리 있는 것이 아니다. 카를로 크리벨리의 '피에타'에서는 막달라 마리아의 뺨에 두 개의 수정 갈은 물방울이 평행하게홀러내린다. 제우스의 눈물은 그리스도의 발을 씻기 위한 것이 아니라 흑인 여인의 피부에 새겨진 모노그램, 즉 노예의 신분을 다른 사람의 소유 물로 표시하는 브랜드 마크를 녹여 제거하기 위한 것이다.
| 세가지 은총, The Thr
젊음의 꽃을 피우고 있는 세 여인이 서로를 향해 고개를 돌린 채 시조인 폼페이 프레스코화의 세 은총과 같은 원을 형성하고 있다. 레노의 구도는 정면, 후면, 측면의 세 가지 다른 관점을 제공 한다. 빗속에서 노래하는 여인들은 노래하는 것일까, 제우스가 비추는 햇살일까? 물감의 물방울이 마치 새장 안에 있는 것처럼 그녀들을 둘러싸고 있다. 싸이 톰블리의 '장미'와의 화해는 우리를 회화 예술을 통해 시공간을 넘나드는 여행으로 안내한다: 프레스코화의 광물성에서 아크릴 물감의 유동성, 레노의 학문적으로 숙달된 붓질에서 통블리의 대담한 색채와 수직 물방울에 이르기까지, 전자의 경우 비유적으로, 후자의 경우 양식화된 동일한 우아함이 작용 하고 있다.
제우스의 질고 불투명한 황금빛 물방울은 기법, 선, 붓놀림에 대한 질문을 던진다. 톰블리의 자유로운 흐름이 물질과 색상을 흐릿하게 만드는 반면, 제우스의 세심하게 제어된 물감 흐름은 이미지 표면을 따라 미끄러지듯 흐르면서 꽃 모노그램의 화환을 액화시키고 피사체의 창백한 피부를 햇빛의 밝기로 복원한다.
| 가브리엘 데스트레와 그녀의 자매 중 한 명 / Gabri
제우스의 황금비가 그녀에게 당아 스며드는 것을 다나에의 캐노피가 막지 못하는 것과 비슷한 맥락에서, 두 젊은 여인을 덮은 보라색 캐노피는 제우스의 황금비로부터 그들을 보호할 수 없다. 앙리 4세의 공식 정부인 가브리엘 데스트레와 그의 여동생 두 여인은 욕조에 벌거벗고 서로의 거울 같은 모습으로 나란히 앉아 있다. 그녀들의 나체가 그들이 목욕하는 상황에 어울리기는 하지만, 그녀들의 몸짓은 에로틱하면서도 예언적인 느낌을 주며 출산을 암시한다. 왼쪽 여인의 가슴을 꼬집는 에로틱한 행위는 곧 태어날 아이를 예고하고, 반지를 끼고 있는 여인의 몸짓은 결혼을 약속하는 의미로 해석할 수 있다. 따라서 양리 4세의 정부인 가브리엘 데스트레는 어머니와 아내로서의 미래의 자신의 지위를 드러내고 있다. 하지만 앙리 4세와의 결혼식 전날 밤, 가브리엘은 중병에 걸려 사망하였고, 앙리 4세가 본인과의 결혼보다 더 전략적인 선택을 할 수 있는 길을 열어준다.
이 상황의 기묘함은 자매처럼 보이는 두 여자의 닮은 꼴과 장면을 구성하는 두 커튼의 반사된 대칭에서 비롯된다. 샘 길리엄의 설치 작품에는 여러 가지 색의 무거운 천이 공중에 매달려 있는 모습이 반영된다. 길리엄은 물감을 붓고, 떨어뜨리고, 블렌딩한다. 제우스와 길리엄의 작품 사이의 연결고리는 페인트가 칠해져 있고 접혀 있는 물감이 홀러내리는 지지대 역할을 하는 천과, 마치 물방울이 떨어지는 듯한 캐노피에서 찾을 수 있다. 모리스 루이스도 물감을 부어 대칭을 활용한 작품 '베타 람바'에서 물방울이 줄무늬를 형성하고 그 물결치는 움직임이 천의 주름을 연상시킨다. 가장 깊은 수준에서 루이스와 제우스의 작품은 함침이라는 공통점을 통해 공명한다. 이 미국 작가의 캔버스는 단순한 표면이 아니라 희석된 물감으로 가득 차 있다. 제우스 역시 마찬가지로 젊은 여성들의 피부 표면에 독이 되는 모노그램을 침투시킨다.
이번 포스팅에서 문제가 되었던 구스타프 쿠르베 세상의 기원
아래 왼쪽사진 한 장으로 해당글 삭제와 7일 로그인 정지를 당했다.
세상의 기원은 첫 포스팅에서는 모자이크 하지 않았다. 해당 전시회가 전연령 관람가의 전시회엿고. 다음 검색과 백과사전에서도 로그인이나 추가인중 없이도 누구나 접속 및 열람이 가능한 정보였기 때문에...
위 사진 왼쪽 쿠르베의 작품이 '청소년 유해 (청소년 유해 정보)' 정보로 다음카카오가 판단하여 게시물 삭제 및 7일 계정정지 처분을 받다. 뭐 삭제 메일오고 바로 일주일 계정 접근정지 당하고...
이의 제기를 했지만 아래같은 이유로 수정되지 않았는데...
결국 불리한 답변은 피하고 내로남불 수준의 답변
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또한 아이디 규제 프로세스에 따른 조치로 해제 불가하며,
다음 백과사전에서는 해당 그림이 아래와 같이 제공되고 있다. 별도의 성인인증 없이...
이 또한 같이 다음의 고무줄 정책에 대해 문제 제기를 했지만 이에 대한 답변은 받지 못했다.
결국 다음카카오 본인들이 '모든 연령대가 이용할 수 있는 공개 서비스 영역에 부적절한 콘텐츠'을 스스로 유통하고 있다는 것을 인정한 꼴이 아닐까?
연말에 언론사 OB 모임에서 문화담당 기자친구와 이 이야기를 나눠볼까 고민중이다. 재미있는 기사꺼리가 될 듯...
인쇄혁명 이후 디지털 혁명은 유행이라는 전염병과도 같은 단어를 널리 퍼뜨리고 있습니다. 디지털 화면은 새롭게 등장한 페이지로서 여기에서 불변하는 텍스트가 무한히 표시됩니다. 따라서 지금의 가상문자가 넘쳐납니다. 작가 제우스는 이번 품 711 전시회에서 디지털 문화 자체를 회의적인 시각에서 바라보며 여기에 새로운 낙인을 찍습니다.
프랑스어와 함께 그의 리쿠데이션 작업이 된 문자들, 프알못이어서 어떤 뜻인지 모르고 문자인식도 잘 안되네요. 아마도 유명 작품들의 죽품명으로 생각됩니다. 문자 활자의 종말을 의미할까요?
이곳에서 명확해 지네요 NON-FONGIBLE TOKEN > NFT...
[섹션 6] 마지막 카우보이는 죽었다. (The Last Cowboy)
필립모리스 담배 회사의 상징이라 할 수 잇는 말보로 담배의 모델인 카우보이, 이중 6명의 모델이 폐암으로 사망했다고 합니다. 이에 대한 제우스 작가의 메시지
마지막 카우보이는 족였다 "마지막 카우보이는 죽었다"는 허가 받지 않은 광고 캠페인, 거리 액션과 전시, 인스타그램 콘텐츠 등을 포함하는 프로젝트다. 이 프로젝트는 2020 년 12월 24일부터 2021년 4월까지 베를린, 마요르카, 코펜하겐에서 이루어졌다. 제우스는 장례식의 코드를 사용한다. 죽음을 표현하는 것은 예술에서 계속 이어진 주제이지만, 여기서는 말보로를 둘러싼 스토리텔링에서 구체적인 의미를 획득한다. 말보로 카우보이 중 다섯 명이 폐암으로 사망했기 때문이다. 많은 나라에서 담배는 마케팅용 포장이 의학적 위험성 을 알리는 이미지로 대체된 유일한 제좋이기도 하다. 시각적으로나 사회적으로나 말보로와 관련된 이미지는 사라지고 있는 셈이다. <마지막 카우보이는 죽었다"는 베를린에서 작가의 거리 액션으로 시작된다. 제우스는 노이콜른의 필립 모리스 공장 위에 놓인 광고판을 페인트 볼로 저격한다. 이 액션은 작가가 2001년에 시작한 시각적 공격(visual attacks)" 시리즈의 연장으로, 여기서 작가는 광고 포스터에 등장하는 얼굴 중 이마 중앙에 붉은 스프레이 페인트를 뿌린다. 길게 늘어진 페인트 자국은 광고모델의 피눈물, 사형, 그리고 리퀴데이션 등을 연상시킨다.
제우스는 이 액션을 짧은 비디오로 만들었는데, 여기서 광고 회사 레오 버넷의 한국 지사가 작가에게 보낸 육성 메시지가 포함되어 있다. 그 내용은 말보로 광고의 특별판을 만드는데 관심이 있느냐는 것이었다. 이 회사는 1953년 필터담배의 바이럴 마케팅을 담당했던 회사이기도 하다. 제우스는 다양한 변주를 시도한다. 제우스는 흰 도로용 페인트로 덮어버린 담뱃갑을 활용해 그림을 그리기도 했다. 그는 가짜 담뱃갑을 진짜보다 더 진짜처럼 만들기도 하고, 음악가와 협업하면서 길거리에서 "훔친" 소리, 경찰의 전파, "말보로"를 연상시키는 "옴" 주문, 담배 암시장 소리 등을 활용하기도 했다. 작가는 이 비디오를 인스타그램에 올렸고, 파리에는 QR코드가 담긴 포스터가 붙었는데, 그 코드를 통해 마요르카의 장례식장 이미지로 접속할 수 있었다. 이미지에는 *리퀴데이션"된 필립 모리스가 벽에 붙어있었다.
커튼을 넘어 전시공간에 들어오니 운영하시는 분께서 기기를 작동 하시네요. 말보로담배 조형물 뒤에서 흰 연기그 나옵니다.
| 말보로맨과 카우보이
말보로맨은 필립모리스의 대표적인 담배 브랜드 Marlboro 의 모델입니다. 카우보이로 대표적인 마쵸 이미지를 상징하는 캐릭터입니다. 그런데 여러 말보로맨 중에서 여섯명이 폐암으로 사망한 것으로 알려지고 있습니다. 아마도 이 여섯 개피의 담배가 그들을 의미하는 것 같네요.
| 빈센트 반 고흐의 담배를 피는 해골
반 고흐의 *담배 피우는 해골"에 영감을 받은 연작을 선보입니다. 반 고흐의 작품은 플랑드르 거장들의 방식과 전통을 따라 해골을 그리면서도, 담배를 넣어 전통에서 이탈함으로써 초현실적인 면모를 보인다. 이러한 고전 작품의 재활용 및 재맥락화는 제우스의 작품에 지속적으로 등장한다. 제우스는 반 고흐의 작품을 리퀴데이션된 Kool(담배 회사) 로고로 덮어버린다. Kool은 아프리카계 미국인들을 대상으로 수년간 쿨"한 이미지를 만들어 왔다.
최근 너무나도 핫한 이탈리아의 조각가이자 행위예술가인 '마우리치오 카텔란' 전시회 다녀 왔습니다. 이번 전시회는 이태원 리움 미술관에서 열리고 있는데요. 오늘은 리움 미술관 주차 요금 및 주차장 소개와 함께. 리움 전기차 충전소 정보고 공유합니다.
| 만차 & 대기할 수 없는 리움 주차장 입구
사진에 보이는 곳이 리움미술관 주차장입구입니다. 역시나 주차공간은 소문과 같이 만차 상태입니다.
직원 분께서 주차 차량이 한대 출차하면 입구 만차 표시를 치우시고 입차를 받고, 입차하면 다시 막고 하는 작업을 반복하시는데요. 다른 주차장처럼 주차장 입구에 길게 대기줄을 서지 못합니다. 그냥 빙빙 돌다가 운 좋으면 입장하는 방법입니다. 리움 주차장 대기 순서는 없다는...
| 지하 주차장 주차장 리프트 이용
리움 주차장은 지하 1층과 지하 3층에 있는데요. VIP나 초대형 차량 등 특수한 차량을 제외하고는 지하 3층으로 이동하는 것으로 보입니다.
리움 지하주차장 이동은 차량용 주차장 리프트를 이용해세 셀프로 이동하셔야합니다. 운전자와 동승자 탑승해서 같이 이동이 가능하고요. 엘리베이터 공간과 길이도 넓어서 대형 SUV 차량도 이용이 가능합니다.
막상 위에서는 만차 이지만 리움 미술관 지하 3층 주차장으로 내려오니 상당히 여유있어 보입니다. 빈 공간도 많이 있고 주차장 차량 간격은 아주 넓지도 좁지도 않더라는, 큰 어려움 없이 주차합니다.
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| 리움 미술관 전기차 중전소 정보
사진과 같이 3대가 동시 충전이 가능한 전기차 충전 시설이 리움 미술관 지하에 위치해 있습니다.
리움 전기차 중전 아답터 방식은 AC상, DC 차데모, DC콤보를 지원합니다. 테슬라 전용 슈퍼차져는 지원하지 않습니다.
지하 주차장에 주차를 하고 리움 박물관으로 이동합니다.
| 엘리베이터도 하나의 작품
리움미술관 지하 3층 주차장에서 지하 1층 전시장으로 이동하는데요. 이동하는 엘리베이터 또한 하나의 작품입니다. 지하에 주차를 하지 않았더라도 엘리베이터 한 번 타고 이동해 보시기를 추천 드립니다.
엘리베이터 내부는 '토요히사 쇼조'의 보색잔상이라는 작품으로 구성되어 있습니다. 엘리베이터에 탑승하면 내부 흰색 조명이 붉은 색으로 바뀌면서 이동하게 되는데요. 자세한 설명은 생략합니다. 직접 탑승해 보세요
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| 리움 미술관 주차요금
리움 미술관 주차장 이용은 무료입니다. 입장시관과 상관 없이 주차요금은 없습니다. 사실 리움미술관에서 진행하는 특별전과 상설전시, 야외 작품들을 감상한다고 하면 하루 종일 있어도 시간이 부족합니다.
주차 시간 및 주차요금 부담 없이 관람할 수 있는 부분은 상당해 매력적인 부분 중 하나입니다.
